Eva Cassidy - "What a Wonderful World,"

     

    

              Eva Cassidy: La Voz y el Arte que Trascienden el Tiempo

 Eva Cassidy, con raíces alemanas e irlandesas, nació el 2 de febrero de 1963 en Washington, D.C. Desde temprana edad, demostró un innegable interés y talento tanto en la pintura como en la música. Criada en un entorno musical gracias a su padre y hermano, quienes eran músicos aficionados, Eva absorbió las influencias del folk de grandes nombres como Bob Dylan, Pete Seeger y Buffy Sainte-Marie. 

 A los nueve años, Eva aprendió a tocar la guitarra, comenzando a deleitar a amigos y familiares con su música. Aunque nunca mostró ambiciones profesionales, su conexión con la música la llevó a ser vocalista en bandas locales de Washington D.C., incluyendo Stonehenge y Easy Street, consolidando su presencia en la escena musical local. La verdadera transformación en la carrera de Cassidy ocurrió en 1986, cuando conoció a Chris Biondo, ingeniero de sonido, quien la alentó a grabar en estudio. Juntos, formaron una banda estable junto al guitarrista Lenny Williams, ganando popularidad en clubes locales. 

El encuentro con el renombrado músico Chuck Brown en 1992 llevó a la grabación del álbum "The Other Side", que marcó un hito en su carrera. 

 A pesar de ofertas discográficas que buscaban moldear su estilo hacia un sonido más pop, Eva rechazó dichas propuestas, optando por mantener su autenticidad y continuar actuando en locales de la zona con su banda. 

La vida de Cassidy dio un giro en 1993, cuando se le extirpó un lunar maligno, pero esto no la detuvo. Siguió tocando y ganando premios locales, destacando su habilidad única. El lanzamiento de "Live at Blues Alley" en enero de 1996 capturó la esencia pura de Eva Cassidy. 

El álbum en directo, grabado en el prestigioso club de Georgetown, mostró su versatilidad musical y la emotividad de su voz. Aunque no estaba plenamente satisfecha con su actuación esa noche, el álbum se convirtió en un testimonio perdurable de su genio musical. Eva, Chris Biondo y Al Dale formaron CDB Records para editar sus grabaciones, demostrando su determinación y amor por la música. Sin embargo, mientras promocionaba "Live at Blues Alley," Eva comenzó a experimentar dolores en la cadera, siendo diagnosticada con cáncer de piel en fase avanzada. A pesar de la quimioterapia, Eva Cassidy falleció el 2 de noviembre de 1996, dejando tras de sí un legado musical que continúa emocionando a quienes descubren su arte único y auténtico.

 Su última actuación, interpretando "What a Wonderful World," reflejó la belleza y gracia que caracterizaban su arte, marcando el final de una vida musical demasiado breve pero extraordinaria. Eva Cassidy sigue siendo una inspiración para generaciones venideras, demostrando que la verdadera grandeza trasciende el tiempo.

Siempre se ha dicho que las segundas partes nunca fueron buenas , pero en el caso de Eva Cassidy eso no se cumple , Eva siempre realzaba cualquier canción que interpretara con su maravillosa voz y sus dotes interpretativas , Eva hizo muchas versiones de temas populares y sería justo señalar que siempre las mejoró

Maighread Ní Dhomnaill, Tríona Ní Dhomhnaill - The Snows

 

       

      Mairéad Ní Dhomhnaill y Tríona Ní Dhomhnaill: Guardianas del Folk Irlandés

 Mairéad Ní Dhomhnaill y Tríona Ní Dhomhnaill, dos hermanas irlandesas, han dejado una marca indeleble en la rica tradición musical de Irlanda. Con sus voces cautivadoras y su destreza instrumental, han contribuido significativamente al resurgimiento y la preservación de la música folk irlandesa. 

Mairéad Ní Dhomhnaill: La Voz que Embelesa Nacida en 1951 en Kells, Condado de Donegal, Mairéad Ní Dhomhnaill ha sido una figura destacada en la escena musical irlandesa desde la década de 1970. Su voz etérea y emotiva ha llevado el repertorio tradicional a nuevas alturas. Mairéad es conocida por su contribución a grupos como Skara Brae y The Bothy Band, donde su canto se destacó por su pureza y profundidad emocional. Además, ha colaborado con músicos de renombre, consolidando su posición como una de las voces más respetadas en la música folk irlandesa. 

 Tríona Ní Dhomhnaill: La Maestra de los Teclados Tríona, la hermana menor, nació en 1952 en Kells, Donegal. Reconocida por su habilidad excepcional en los teclados, Tríona Ní Dhomhnaill ha sido una fuerza impulsora en la escena musical irlandesa y celta. Su destreza con el piano y el arpa ha dejado una huella indeleble en proyectos como Skara Brae, The Bothy Band y Nightnoise. Además de su trabajo con instrumentos, también es una vocalista dotada, aportando una riqueza adicional a las interpretaciones de las canciones tradicionales irlandesas. 

  La colaboración entre Mairéad y Tríona ha resultado en actuaciones musicalmente enriquecedoras. Su conexión fraternal se traduce en una química única en el escenario, donde combinan la voz de Mairéad con la habilidad instrumental de Tríona para crear una experiencia auditiva incomparable.

 El legado de Mairéad Ní Dhomhnaill y Tríona Ní Dhomhnaill va más allá de sus contribuciones pasadas. Han influido en generaciones de músicos y han inspirado un renovado interés en la música folk irlandesa. Su devoción a la autenticidad y su habilidad para fusionar la tradición con la innovación han permitido que esta forma de arte trascienda las fronteras temporales y geográficas.

 En un mundo musical en constante evolución, Mairéad y Tríona Ní Dhomhnaill se mantienen como guardianas de un legado invaluable, recordándonos la belleza y la riqueza cultural que emana de la tradición folk irlandesa. Su música continúa siendo un faro, guiando a oyentes de todo el mundo hacia la rica historia musical de Irlanda.

 En 1999, las dos hermanas grabaron el álbum 'Idir an Dá Sholas' con Donal Lunny. Unos años más tarde combinaron sus talentos con otras dos mujeres de Donegal: Moya Brennan (de Clannad) y Mairéad Ní Mhaonaigh (de Altan) para formar su supergrupo, 'T with the Maggies'.

Una de las colaboraciones más notables entre las dos hermanas fue en el disco Cetic Christmas III con su canción The Snows , donde crearon una bella canción donde los teclados de Triona forjan la melodía  donde transita la bella voz de  Mairéad 

Kerani - Sands Of Time - Shores of Gold

 

 

 En el colorido y multidisciplinar  universo de la música New Age, la artista Kerani destaca con su habilidad única para transportar a los oyentes a paisajes sonoros mágicos. Su álbum "Sands of Time" es una joya en su discografía, que captura la esencia del tiempo de una manera emocionalmente resonante.

 🏜️  "Sands of Time" es un viaje musical que combina la elegancia clásica con la modernidad ambiental. Las composiciones de Kerani son como arenas que fluyen a través de un reloj de arena, llevando consigo la nostalgia del pasado y la promesa del futuro. Cada pista es un capítulo en la historia del tiempo, tejida con maestría a través de arreglos orquestales y sintetizadores etéreos. 

 🎹 

 Entre las gemas del álbum, "Shores of Gold" destaca como una epopeya musical que invita a los oyentes a explorar las costas de lo desconocido. Esta canción en particular es un viaje sonoro que evoca imágenes de vastos horizontes dorados y aventuras épicas. Con su combinación de melodías exquisitas y ritmos envolventes, "Shores of Gold" se convierte en un lienzo sonoro que pinta paisajes imaginarios en la mente del oyente.

 🌅  Al escuchar "Shores of Gold", uno se encuentra transportado a un mundo donde el tiempo se desvanece y la imaginación se desata. Las capas de sonido cuidadosamente construidas por Kerani crean una experiencia que es tanto estimulante como reflexiva. La música es un faro que guía hacia las orillas de lo desconocido, donde los tesoros del alma aguardan ser descubiertos. 

David Lanz & Paul Speer - Rain Forest

         

David Lanz y Paul Speer: Una Colaboración Mágica en el Mundo de la Música New Age

 En el fascinante universo de la música New Age, se han forjado colaboraciones especiales que han dado lugar a experiencias sonoras únicas y atemporales. Una de estas colaboraciones notables es la que une a dos maestros de la música ambiental: David Lanz y Paul Speer. Su obra conjunta, plasmada en el álbum "Natural States", ha dejado una marca indeleble en el paisaje musical New Age.

David Lanz: El Pianista Visionario

  Nacido el 28 de junio de 1950 en Seattle, Washington, David Lanz ha sido una figura influyente en la escena de la música New Age desde la década de 1980. Su enfoque único en el piano, combinando melodías emotivas con elementos clásicos y contemporáneos, le ha ganado el reconocimiento y el respeto en todo el mundo. Lanz ha lanzado numerosos álbumes aclamados, siendo "Natural States" una joya destacada en su prolífica carrera. 

Paul Speer: El Guitarrista Maestro

 Nacido el 31 de mayo de 1950 en Lewistown, Montana, Paul Speer es un virtuoso de la guitarra conocido por su habilidad para fusionar estilos y crear paisajes sonoros expansivos. Su destreza técnica y su creatividad lo han posicionado como una figura destacada en la música instrumental. Antes de su colaboración con Lanz, Speer ya había demostrado su versatilidad en álbumes como "Desert Vision" y "Natural States", este último junto a su compañero musical. 

"Natural States": Una Odisea Musical

  Lanz y Speer se unieron para crear "Natural States" en 1985, un álbum que captura la esencia misma de la música New Age. Entre las gemas que contiene, "Rain Forest" destaca como un testimonio de su colaboración sinérgica. La pieza transporta a los oyentes a un viaje sensorial a través de sonidos etéreos y melodías evocadoras, fusionando la magia del piano de Lanz con la maestría en la guitarra de Speer.

"Rain Forest": Una Cautivadora Odisea Sonora

  Esta composición excepcional lleva a los oyentes a las profundidades de un bosque tropical, donde la lluvia danza sobre las hojas y la vida silvestre susurra sus secretos. La colaboración entre Lanz y Speer da como resultado una pieza que va más allá de la música; es una experiencia multisensorial que pinta un cuadro sonoro vívido y emocional.

Michael Flatley - On A Diferent Note -The Whispering Wind

 

                                 Michael Flatley: El Rey del Baile Irlandés

 Michael Flatley, conocido como el "Rey del Baile Irlandés", es un talentoso músico, bailarín y coreógrafo nacido el 16 de julio de 1958 en Chicago, Illinois. Su impacto en el mundo de la danza irlandesa es innegable, y ha dejado una huella imborrable a lo largo de su ilustre carrera. Flatley se hizo famoso por su papel principal en el espectáculo "Riverdance", que debutó durante el intermedio del Festival de la Canción de Eurovisión en 1994.

 Su estilo de baile único, combinando movimientos rápidos y precisos con una gran dosis de carisma, capturó la atención del público de todo el mundo. 

Su interpretación en "Riverdance" estableció un estándar elevado para la danza irlandesa contemporánea. Un hito aún más significativo en la carrera de Flatley fue la creación de su propio espectáculo, "Lord of the Dance", que se estrenó en 1996. Este show, con su mezcla de música celta, coreografías vibrantes y una narrativa envolvente, se convirtió en un fenómeno mundial. 

"Lord of the Dance" atrajo a multitudes masivas y llevó la danza irlandesa a una audiencia global, consolidando a Michael Flatley como una leyenda en el mundo del entretenimiento. La destreza técnica de Flatley y su capacidad para fusionar lo tradicional con lo contemporáneo han sido elogiadas a lo largo de los años. Su energía y pasión por la danza continúan inspirando a generaciones de bailarines. 

Además de su habilidad en el escenario, Flatley también es reconocido por su contribución a la música celta, siendo flautista y flautista de pico. A pesar de los desafíos y obstáculos en su carrera, Michael Flatley ha demostrado ser un artista incansable. Su impacto en la promoción de la cultura irlandesa a nivel mundial ha sido invaluable. En 2010, fue incluido en el Salón de la Fama de la Danza en reconocimiento a su extraordinario legado en el mundo de la danza. Hoy en día, el legado de Michael Flatley perdura a través de su influencia continua en la danza y la música. Su contribución a la preservación y evolución de la danza irlandesa lo ha convertido en una figura icónica, y su nombre seguirá siendo sinónimo de gracia, talento y dedicación en el mundo de las artes escénicas.

En 2011, Flatley publicó On A Different Note, un álbum de flauta. Los 25 temas incluyen aires y melodías que ha tocado en sus espectáculos, otras melodías tradicionales y nuevas composiciones.

​ En mayo de 2015, Flatley reveló que gran parte de su columna vertebral estaba irreparablemente dañada y que tenía la rodilla izquierda dañada, el músculo de la pantorrilla derecha/tríceps surae desgarrado, dos tendones de Aquiles rotos, una costilla fracturada y un hueso roto recurrente en el pie Ese año, se colgó una caricatura suya en el restaurante Sardi's de Broadway.

En noviembre de 2015, el espectáculo de Flatley Lord of the Dance: Dangerous Games se estrenó en el Lyric Theatre, un teatro de Broadway. Debido a sus lesiones, Flatley solo pudo actuar en los dos números finales de la representación. Tras los espectáculos en Nueva York, Flatley realizó una última gira por Estados Unidos​ El que entonces se pensó que sería el último espectáculo de Flatley tuvo lugar en Las Vegas el Día de San Patricio de 2016.

Hoy recordamos la canción  The Whispering Wind donde Michael saca toda la sensibilidad celta de su flauta 

Amazing Blondel - Evensong - Evensong

              

En el  panorama de la música folk y renacentista, un grupo que destacó por su distintivo enfoque y habilidades instrumentales es Amazing Blondel. Este trío británico, formado a principios de la década de 1970, ha dejado una marca perdurable en la escena musical con su fusión única de elementos clásicos, folk y renacentistas.

 Amazing Blondel fue fundado en 1969 por los músicos John Gladwin, Terry Wincott y Eddie Baird. 

La banda toma su nombre de Blondel de Nesle, un músico de la corte de Ricardo I. Según la leyenda, cuando Ricardo fue hecho prisionero, Blondel viajó por el centro de Europa, cantando en cada castillo para localizar el rey y ayudarle a escapar. El nombre para la banda lo sugirió un chef, Eugene McCoy, quien escuchó algunas de sus canciones y comentó: "¡Oh, muy Blondel!", por lo que comenzaron a usar ese nombre. Se les aconsejó a continuación añadir un adjetivo (en línea, por ejemplo, con The Incredible String Band), por lo que se convirtieron en "Amazing Blondel".

 El sonido distintivo de Amazing Blondel es una mezcla ecléctica de música renacentista, folk y elementos clásicos. Su habilidad para fusionar laúdes, flautas y otros instrumentos antiguos con la instrumentación más contemporánea resultó en una experiencia auditiva única y evocadora. La banda también incorporó letras líricas que a menudo se inspiraban en la naturaleza y la poesía de la época renacentista.

 'Evensong' (1970): Este álbum debut estableció el tono para el sonido distintivo de Amazing Blondel, con sus melodías encantadoras y arreglos intrincados. Aunque Amazing Blondel no alcanzó la misma notoriedad comercial que algunas de sus contrapartes de la época, su impacto en la música folk y renacentista es innegable. 

La primera vez que escuché a Amazing Blondel fue como un soplo de aire fresco en la música que escuchaba por ese momento , dominada especialmente por el rock , pero la sutileza de las composiciones de este grupo me alcanzo por completo y desde entonces me hice un incondicional de ellos

Shadowfax - A quiet Of Revolution - Another Country

      

 Shadowfax fue un grupo musical de new age y música electrónica, cuyos éxitos más relevantes fueron los álbumes Shadowfax y Folksongs for a Nuclear Village. En 1989 ganaron el Grammy a la mejor interpretación de new age por Folksongs for a Nuclear Village

En 1993 fueron candidatos al mismo premio por Esperanto. El grupo se estableció en 1973​ y se disolvió en 1995 cuando el intérprete del lyricon y líder de la banda Chuck Greenberg fallece a causa de un infarto.

 Habiendo perdido su líder y su sonido característico, el resto de los integrantes de Shadowfax se dedicaron a otros proyectos musicales. 

 El grupo tomó su nombre del original en inglés de Sombragrís, el caballo del mago Gandalf en la novela de J. R. R. Tolkien El Señor de los Anillos.

 La conexión entre Shadowfax y Windham Hill fue fundamental para la evolución del grupo y su capacidad para explorar nuevos horizontes musicales. Windham Hill, un sello conocido por su compromiso con la música instrumental y atmosférica, proporcionó a Shadowfax la plataforma perfecta para expandir su creatividad. A lo largo de su carrera, Shadowfax lanzó varios álbumes con Windham Hill, siendo uno de los más destacados "Shadowfax" (1982) y "Shadowdance" (1983). Pocos sellos han dejado una huella tan profunda como Windham Hill. 

"A Quiet Revolution 30 Years of Windham Hill",  es un álbum emblemático lanzado por este sello en la década de 1980, encapsula la esencia de una época en la que la música instrumental experimentaba una revolución tranquila pero poderosa.  Este álbum, lanzado en 1985, presenta una selección ecléctica de pistas de artistas destacados de Windham Hill, cada uno contribuyendo con su propia visión única a la revolución musical en curso. Desde el jazz contemporáneo hasta la música new-age, 

"A Quiet Revolution" fusiona una variedad de estilos de una manera que desafía las etiquetas convencionales. La habilidad distintiva de Windham Hill para cultivar y presentar músicos talentosos se manifiesta claramente en este álbum recopilatorio conmemorando los 30 años de vida . Cada pista es una pieza en el rompecabezas de la música instrumental, contribuyendo al panorama sonoro en constante evolución que caracterizó a esta era.  Dentro de "A Quiet Revolution", destaca la pista "Another Country" de Shadowfax.  Este tema es más que una simple canción; es una travesía musical que lleva a los oyentes a territorios sonoros inexplorados. La flauta etérea de Chuck Greenberg, combinada con la destreza en la guitarra de G.E. Stinson, crea una experiencia auditiva única que trasciende 

 La inclusión de "Another Country" en "A Quiet Revolution" no es accidental; más bien, es un testimonio de la habilidad de Windham Hill para reconocer y presentar músicas que desafían las expectativas y expanden los límites de la creatividad musical. 

 La canción encapsula la habilidad distintiva de Shadowfax para fusionar elementos de jazz, rock, música étnica y electrónica de una manera que no tiene igual. 

Los arreglos magistrales, impulsados por la flauta de Chuck Greenberg y la guitarra de G.E. Stinson, junto al resto de integrantes , crean una sinfonía que trasciende las barreras convencionales de género.

Philip Aaberg - A quiet of Revolution 30 Years of Windham Hill - Oh, Shenandoah

 

       

                 "A Quiet Revolution: Celebrando 30 Años de Windham Hill"

 Windham Hill Records, una etiqueta discográfica pionera en el género de la música new age, ha sido la cuna de artistas visionarios que han dejado una marca indeleble en la escena musical contemporánea. Uno de los álbumes emblemáticos que destacan la esencia y la evolución de Windham Hill es "A Quiet Revolution: 30 Years of Windham Hill."  Lanzado para conmemorar el trigésimo aniversario de la discográfica en 2006, "A Quiet Revolution" es más que un simple recopilatorio. Representa una mirada retrospectiva a través de tres décadas de innovación musical, donde Windham Hill transformó el paisaje sonoro al fusionar géneros y proporcionar un hogar para artistas con visiones musicales únicas. 

Este álbum recopilatorio presenta una cuidadosa selección de canciones que abarcan diversas facetas del catálogo de Windham Hill. Desde piezas instrumentales ricas en texturas hasta composiciones melódicas que exploran nuevas fronteras, "A Quiet Revolution" es un viaje auditivo que resalta la diversidad musical que caracteriza a la discográfica. 

"A Quiet Revolution" no solo celebra el legado de Windham Hill, sino que también destaca su influencia duradera en la música contemporánea. A lo largo de los años, Windham Hill ha sido un faro para la experimentación musical, la fusión de estilos y la creación de un espacio para artistas innovadores. 

Dentro del álbum A quiet Of Revolutions 30 Years of Windham Hill destacan compositores de enorme talento como George Winston , Alex De Grassi , Shadofax y nuestro pianista de hoy Phillip Aaberg , la canción  Oh, Shenandoah es un ejemplo claro del talento de Aaberg

 Phillip Aaberg, un virtuoso del piano contemporáneo, ha dejado una marca reconocible en el mundo de la música con su habilidad excepcional y su enfoque innovador. Nacido el 21 de abril de 1949 en Havre, Montana, Aaberg ha cultivado una carrera que abarca varias décadas, destacando por su destreza técnica, su creatividad y su capacidad para fusionar una variedad de estilos musicales. 

 Phillip Aaberg comenzó su viaje musical a una edad temprana, mostrando un talento innato para el piano. Su formación clásica se complementó con una exploración continua de diversos géneros, desde el jazz hasta la música popular y el blues. Esta amplia gama de influencias se refleja claramente en su obra, que no se limita a ninguna etiqueta específica. Aaberg ganó reconocimiento a nivel nacional cuando se unió al grupo de jazz rock "Magic Music" en la década de 1970. A medida que su carrera se desarrollaba, trabajó con diversos artistas, incluidos Elvin Bishop y Peter Gabriel, consolidando su reputación como un músico versátil y colaborador valioso. 

 Lo que distingue a Phillip Aaberg es su capacidad para fusionar elementos clásicos con géneros contemporáneos. Su música evoca paisajes emocionales, utilizando el piano como medio para transmitir experiencias y contar historias. La técnica magistral de Aaberg se combina con una sensibilidad melódica que cautiva a oyentes de todas las partes del mundo. Aunque ha trabajado en una variedad de proyectos, sus álbumes en solitario, como "Out of the Frame" y "Live from Montana", son testimonios notables de su destreza musical y creatividad sin restricciones. Sus composiciones a menudo transportan a los oyentes a una introspección profunda, donde la música se convierte en un lenguaje universal que conecta con las emociones humanas más fundamentales. 

 Phillip Aaberg ha tenido una colaboración significativa con Windham Hill Records, Windham Hill fue fundamental en la promoción de artistas que fusionaban elementos de música clásica, jazz, folk y ambiental, y Aaberg encajó perfectamente en este enfoque ecléctico. 

 Destacamos algunos de los álbumes con los que colaboró  Phillip Aaberg con Windham Hill "Windham Hill Sampler '82": Este álbum recopilatorio, lanzado en 1982, presentó una variedad de artistas de Windham Hill, incluido Phillip Aaberg. Su contribución al sampler ayudó a destacar su talento y le permitió llegar a un público más amplio dentro de la audiencia de la música new age. También destaca su disco "High Plains" y "Live from Montana": Este álbum , lanzado en 1985, es otro ejemplo de la colaboración de Aaberg con Windham Hill. lanzado en 1995,es uno de los álbumes más conocidos de Phillip Aaberg , . En este proyecto, Aaberg explora paisajes sonoros inspirados en las llanuras altas y fusiona elementos de música clásica y jazz , "Out of the Frame": Publicado en 1988,  es otro álbum destacado de Aaberg bajo el sello de Windham Hill.

La canción Oh, Shenandoah es un buen ejemplo del talento musical de Aaberg para crear canciones pletóricas de belleza musical

A Winters Solstice I "Jesu, Joy of Man's Desiring" by J.S. Bach, arr. by David Qualey

          

      

          

 

Celebrando el Solsticio de Invierno con Música Celta: Una Oda a la Tradición en

                                                     "Winter's Solstice" 

 En esta temporada mágica donde los días son cortos y las noches son largas, nos sumergimos en la riquísima tradición de la música celta, una conexión especial con la esencia de las estaciones y la naturaleza. 

En particular, "Winter's Solstice" emerge como una recopilación única que nos transporta a la rica y mística atmósfera de la cultura celta durante esta época del año."Winter's Solstice" es más que una simple colección de melodías; es un viaje sonoro que captura la esencia de la temporada invernal desde la perspectiva celta. Cada pista es una pieza cuidadosamente seleccionada que refleja la conexión profunda entre la música y las tradiciones que rodean el solsticio de invierno. 

 Desde los acordes melancólicos de las gaitas hasta las delicadas arpas que susurran como el viento invernal, cada canción en esta recopilación es una obra maestra musical. Las melodías se entrelazan como ramas de un árbol antiguo, creando una sinfonía que resuena con la nostalgia y la belleza de la temporada.

El primer álbum con temática navideña creada por el sello Windham Hill,  incluye temas originales y temas extraídos de álbumes grabados previamente (Petite Aubade de Shadowfax apareció originalmente en Watercourse Way y Marshall/Anger's Bach Bouree apareció originalmente en Claroscuro). 7 de las 10 pistas que componen el disco son originales escritas por los artistas, pero encajan bien con el oscurecimiento de los cielos y el enfriamiento del clima. 

Curiosamente, el único "Clásico de Navidad" En el álbum es Greensleeves de Liz Story. 

Es curioso que según relata el creador del sello Windham Hill , creó estas recopilaciones porque no le gustaba la música navideña y decidió crear estas recopilaciones que sin ser propias de la navidad pudieran ser escuchadas en este tiempo del Solsticio de Invierno

 

  "Winter's Solstice" no solo nos lleva a través de una experiencia musical; también nos invita a explorar las tradiciones celtas asociadas con el solsticio de invierno. Las letras de algunas canciones cuentan historias de antiguas celebraciones y creencias, sumergiéndonos en el rico folclore de esta cultura. 

 La música celta tiene una cualidad única para crear un ambiente cálido y acogedor incluso en las noches más frías. "Winter's Solstice" logra este efecto con maestría, transformando el frío invernal en una experiencia cálida y reconfortante.

Hoy quiero destacar de este disco la canción que abre el mismo "Jesu, Joy of Man's Desiring"  un arreglo para guitarra hecho por David Qualey del clásico de J.S.Bach

A Winters Solstice I - Billy Oskay y Michael O´domhnaill - Nollaig

          

      

 

Celebrando el Solsticio de Invierno con Música Celta: Una Oda a la Tradición en

                                                     "Winter's Solstice" 

 En esta temporada mágica donde los días son cortos y las noches son largas, nos sumergimos en la riquísima tradición de la música celta, una conexión especial con la esencia de las estaciones y la naturaleza. 

En particular, "Winter's Solstice" emerge como una recopilación única que nos transporta a la rica y mística atmósfera de la cultura celta durante esta época del año."Winter's Solstice" es más que una simple colección de melodías; es un viaje sonoro que captura la esencia de la temporada invernal desde la perspectiva celta. Cada pista es una pieza cuidadosamente seleccionada que refleja la conexión profunda entre la música y las tradiciones que rodean el solsticio de invierno. 

 Desde los acordes melancólicos de las gaitas hasta las delicadas arpas que susurran como el viento invernal, cada canción en esta recopilación es una obra maestra musical. Las melodías se entrelazan como ramas de un árbol antiguo, creando una sinfonía que resuena con la nostalgia y la belleza de la temporada.

El primer álbum con temática navideña creada por el sello Windham Hill,  incluye temas originales y temas extraídos de álbumes grabados previamente (Petite Aubade de Shadowfax apareció originalmente en Watercourse Way y Marshall/Anger's Bach Bouree apareció originalmente en Claroscuro). 7 de las 10 pistas que componen el disco son originales escritas por los artistas, pero encajan bien con el oscurecimiento de los cielos y el enfriamiento del clima. 

Curiosamente, el único "Clásico de Navidad" En el álbum es Greensleeves de Liz Story. 

Es curioso que según relata el creador del sello Windham Hill , creó estas recopilaciones porque no le gustaba la música navideña y decidió crear estas recopilaciones que sin ser propias de la navidad pudieran ser escuchadas en este tiempo del Solsticio de Invierno

 

  "Winter's Solstice" no solo nos lleva a través de una experiencia musical; también nos invita a explorar las tradiciones celtas asociadas con el solsticio de invierno. Las letras de algunas canciones cuentan historias de antiguas celebraciones y creencias, sumergiéndonos en el rico folclore de esta cultura. 

 La música celta tiene una cualidad única para crear un ambiente cálido y acogedor incluso en las noches más frías. "Winter's Solstice" logra este efecto con maestría, transformando el frío invernal en una experiencia cálida y reconfortante.

Una de las maravillosas canciones que aparecen en este álbum es Nollaig escrita por Billy Oskay y Michael O´domhnaill que posteriormente fundarían el grupo Nightnoise

David Tolk - Seasons - Morning Light

 

 

            

Nacido y criado en el pequeño pueblo boscoso de Mendham, Nueva Jersey, David Tolk estudió piano clásico desde temprana edad con su madre, Marilyn Tolk, graduada de la Escuela Juilliard. Durante su adolescencia, David se interesó más en aprender a tocar la música de Rush, Genesis y Yes que en otro tipo de músicas más clásicas. Descubrió que podía tocar la mayoría de las canciones de la radio de oído.

 David también comenzó a componer música instrumental tranquila mientras aún estaba en la escuela secundaria. Después de su primer año en la escuela secundaria de Mendham, la familia de David se mudó a Brentwood, Tennessee, donde su padre se convirtió en profesor de física en la Universidad Vanderbilt. Mientras estaba en Tennessee, el amor de David por la música y la composición continuó creciendo y floreciendo. David ha lanzado trece álbumes de música instrumental tranquila que han recibido la atención de la crítica especializada

Entre sus trabajos más destacados se encuentra el álbum "Seasons", que nos sumerge en un viaje musical a lo largo de las estaciones del año.

El álbum "Seasons" es una obra maestra que captura la esencia de cada estación a través de la música. Desde la frescura primaveral hasta la melancolía del invierno, Tolk utiliza el piano para pintar paisajes sonoros que evocan emociones vívidas. Cada pista es como un cuadro musical, llevándonos a través de cambios de tono y ritmo que reflejan la naturaleza cíclica de las estaciones. 

 La habilidad de Tolk para transmitir una amplia gama de emociones a través de sus composiciones eleva "Seasons" a un nivel superior en el mundo de la música instrumental. Es un testimonio de su habilidad para conectar con la audiencia a un nivel profundo y personal. 

Dentro del álbum "Seasons", destacan multitud de canciones pero la la pieza "Morning Light" es especial , con un marcado toque minimalista David nos adentra en lo que nos espera dentro del disco. Esta composición particular es un regalo auditivo que captura la calidez y la esperanza asociadas con el amanecer. La melodía fluye suavemente, como los primeros rayos de sol que iluminan el día.

 "Morning Light" demuestra la destreza técnica de Tolk mientras transmite una sensación de renovación y optimismo. Esta pieza no solo es una muestra de su habilidad técnica en el piano, sino también un testimonio de su capacidad para crear música que resuena emocionalmente con el oyente. La melodía envolvente y la ejecución magistral hacen de "Morning Light" una experiencia auditiva memorable.

 

 

Claire Pelletier - Murmures d'histoires - "Trop loin de l'Irlande"

        

     

Claire Pelletier es una talentosa cantante y compositora canadiense, reconocida por su habilidad para transmitir emociones a través de su música. Uno de sus notables trabajos es la canción "Trop loin de l'Irlande", incluida en el álbum "Murmures d'histoires". 

Claire Pelletier nació el 22 de octubre de 1959 en la ciudad de Québec, Canadá. Su carrera en la música abarca varias décadas, durante las cuales ha dejado una huella significativa en la escena musical francófona. Pelletier es conocida por su voz distintiva y sus habilidades para interpretar una amplia gama de géneros, desde la canción francesa hasta la música folk. 

 "Trop loin de l'Irlande" es una obra que destaca en el álbum "Murmures d'histoires". Esta pieza musical transporta a los oyentes a través de su narrativa sonora, creando un ambiente evocador y nostálgico. La expresividad de la voz de Claire Pelletier y la riqueza de la instrumentación dan vida a la composición. La temática de la canción sugiere una conexión emocional con Irlanda, evocando la lejanía y la añoranza por esa tierra. La mezcla de melancolía y belleza en la música de Pelletier crea una experiencia auditiva cautivadora. "Murmures d'histoires" es un álbum que ofrece una variedad de historias contadas a través de la música. La destreza artística de Claire Pelletier se refleja en la diversidad de estilos presentes en el disco. Cada pista cuenta una historia única, y "Trop loin de l'Irlande" se destaca como una joya dentro de esta colección de narrativas musicales.

Hans Zimmer - Live In Prague: Pirates of the Caribbean Medley

 

       

                          Hans Zimmer: Un Maestro en Vivo en Praga 

 Hans Zimmer,el genio detrás de algunas de las bandas sonoras más memorables del cine, no solo ha revolucionado la música cinematográfica, sino que también ha llevado su arte a nuevas alturas con actuaciones en vivo que son experiencias inolvidables para los fanáticos de la música y el cine. 

 Hans Florian Zimmer, nacido el 12 de septiembre de 1957 en Frankfurt, Alemania, es un compositor y productor musical aclamado. Su carrera en la música abarca varias décadas y ha abordado géneros cinematográficos que van desde épicas de acción hasta dramas conmovedores.

 Zimmer ha ganado numerosos premios, incluyendo premios de la Academia, y su influencia en la música cinematográfica es innegable.

 La magia de las composiciones de Hans Zimmer cobra vida de una manera espectacular durante sus actuaciones en vivo, y "Hans Zimmer Live in Prague" es un testimonio extraordinario de ello. Este concierto, capturado en la hermosa ciudad de Praga, es una experiencia sin igual para los admiradores de su trabajo. 

 Zimmer, el renombrado compositor de algunas de las bandas sonoras más icónicas de nuestro tiempo, subió al escenario de la histórica O2 Arena de Praga en 2019 para una actuación inolvidable que mostró su genio musical y el poder de la música en vivo para transportar a las audiencias a nuevos reinos de emoción. 

 La actuación de Zimmer contó con un conjunto de más de 70 músicos, entre ellos una orquesta completa, una banda de rock y un coro, creando un paisaje sonoro inmersivo que resonó por la vasta arena. El concierto fue un espectáculo grandioso, con Zimmer dirigiendo la orquesta e interactuando con el público, cautivándolos con su energía contagiosa y su pasión por la música. 

 La lista de canciones incluyó una selección de las composiciones más queridas de Zimmer de películas como "El Rey León", "Gladiator", "Inception", "Interestelar" y "Dunkirk" entre otras , cada pieza recibiendo una ovación estruendosa de la multitud entusiasta. 

La capacidad de Zimmer para combinar a la perfección la grandeza orquestal con los sonidos electrónicos y las sensibilidades del rock creó una atmósfera electrizante que llenó la arena de escalofríos y momentos de júbilo. 

 En medio de las grandes arreglos musicales, Zimmer intercalaba anécdotas personales e historias detrás de la creación de sus composiciones, brindando información sobre su proceso creativo y las emociones que inspiraron su trabajo. Esta conexión con su audiencia hizo que el concierto fuera una experiencia aún más íntima y memorable.

  Cuando el concierto alcanzó su clímax, Zimmer y la orquesta lanzaron una poderosa versión de "Time" de la película "Inception", una pieza que se ha convertido en sinónimo del genio musical de Zimmer. El público se puso de pie, conmovido por la belleza melancólica de la melodía, y el aplauso que siguió fue un testimonio del profundo impacto de la música de Zimmer.

En el clímax final del espectáculo no pudo faltar la suite de Piratas del Caribe elevando la actuación a un nivel sublime y magistral

fue un evento notable que demostró el poder de la música para unir a las personas y evocar una amplia gama de emociones. Las composiciones maestras de Zimmer, interpretadas con tanta pasión y habilidad, transportaron al público a nuevos reinos de imaginación y dejaron una huella indeleble en sus corazones y mentes.

Asistir a un concierto de Hans Zimmer es más que simplemente escuchar música; es sumergirse en el mundo emocionalmente cargado que él ha creado a través de sus composiciones

 

Jóhann Jóhannsson – 'Flight From The City' from Orphée

 

         

 Jóhann Jóhannsson fue un talentoso compositor islandés nacido el 19 de septiembre de 1969 en Reikiavik y falleció el 9 de febrero de 2018 en Berlín a la edad de 48 años. Su contribución al mundo de la música abarca una amplia variedad de medios, desde discos en solitario hasta composiciones para teatro, danza, televisión y películas. 

 Jóhannsson comenzó su carrera musical como guitarrista en bandas de indie rock y más tarde cofundó Kitchen Motors en 1999. Esta organización y sello discográfico fomentó la colaboración interdisciplinaria entre artistas de géneros tan diversos como el punk, jazz, música clásica, heavy metal y música electrónica. Su propio estilo musical se desarrolló a partir de estas experiencias. En 2016, firmó con la prestigiosa discográfica Deutsche Grammophon, a través de la cual lanzó su último álbum en solitario, titulado "Orphée". Además de sus logros en la música independiente, Jóhannsson dejó una marca significativa en la industria del cine. Compuso las bandas sonoras originales de películas notables como "Prisioneros", "Sicario" y Arrival  "La llegada", todas dirigidas por Denis Villeneuve. También fue responsable de la partitura de "La teoría del todo", dirigida por James Marsh. El talento de Jóhannsson no pasó desapercibido en la escena de premios. Fue nominado en dos ocasiones al Premio de la Academia (Óscar) en la categoría de Mejor Banda Sonora Original por su trabajo en "La teoría del todo" y "Sicario". Ganó un Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora Original por su contribución a "La teoría del todo". Lamentablemente, Jóhann Jóhannsson falleció el 9 de febrero de 2018 en Berlín. La causa de su muerte fue una sobredosis de cocaína combinada con medicamentos. Su legado perdura a través de su impactante y diversa obra musical, que sigue siendo apreciada en todo el mundo. Jóhann Jóhannsson era uno de los músicos actuales más talentosos que teníamos , o eso me lo parecía a mí . Era de esos músicos que al escucharlos su música siempre te decía algo. Johan tenía una facilidad enorme para crear bellas armonías sonoras , creando atmosferas oníricas que te transportaban a lugares de ensueño

Para celebrar su legado, Deutsche Grammophon ha creado una edición RETROSPECTIVE de dos volúmenes, cuyas grabaciones cuidadosamente elegidas revelan cuán dramáticamente evolucionó la escritura de Jóhannsson a lo largo de los años.

Hoy recordamos su trabajo 'Flight From The City'  de su disco Orphée

Philip Glass - "Glassworks" - "Closing"

       

                        

        

        

 

Nacido en Baltimore, Maryland, el 31 de enero de 1937, Philip Glass es un compositor estadounidense ampliamente reconocido como uno de los pioneros de la música minimalista, un estilo caracterizado por patrones repetitivos, armonías simples y evolución gradual. El viaje musical de Glass comenzó a una edad temprana, estudiando violín y flauta en la Peabody Preparatory School. Más tarde asistió a la Juilliard School of Music de Nueva York, donde estudió composición con Darius Milhaud. Durante este tiempo, también comenzó a explorar el jazz y la música de vanguardia, que influirían significativamente en sus composiciones posteriores. En la década de 1960, Glass se mudó a París, donde se involucró con el movimiento Fluxus, un movimiento artístico experimental que desafiaba las nociones tradicionales de arte y performance. Esta exposición al arte de vanguardia alimentó aún más la experimentación de Glass con las formas musicales y ayudó a dar forma a su enfoque minimalista. Al regresar a Nueva York a principios de la década de 1970, Glass cofundó el Philip Glass Ensemble, un grupo de músicos dedicados a interpretar sus composiciones minimalistas. La actuación debut del conjunto en el New York Public Theater en 1976 marcó un punto de inflexión en la carrera de Glass, obteniendo elogios de la crítica e introduciendo su música a un público más amplio. A lo largo de las décadas de 1970 y 1980, Glass continuó componiendo prolíficamente, produciendo un vasto corpus de trabajo que abarcaba óperas, sinfonías, conciertos y piezas solistas.

 Su música ganó reconocimiento generalizado a través de sus colaboraciones con cineastas, incluidas sus bandas sonoras para "Koyaanisqatsi" (1982), "Powaqqatsi" (1988) y "Mishima: A Life in Four Chapters" (1985).

 El estilo minimalista de Glass ha evolucionado a lo largo de los años, incorporando elementos de la música del mundo, la música electrónica y formas tradicionales como sinfonías y conciertos. Su música se caracteriza por sus ritmos hipnóticos, melodías meditativas y su capacidad para evocar una amplia gama de emociones.

Cuando a uno se le mete el gusanillo de la música minimalista , esta no te abandona nunca jamás , de la misma manera que me hice adepto de la música de Wim Mertens y de Michael Nyman , era cuestión de tiempo en caer en manos de la música de Philip Glass , y esto sucedió , la culpa la tuvo el disco Glassworks editado en el año 1982 , al escucharlo caí cautivo del piano de Glass y su música minimalista

Este álbum, a menudo considerado una obra maestra de la música minimalista, destila la esencia única de Glass en una experiencia sonora cautivadora. La Estética Minimalista de En "Glassworks", Philip Glass se sumerge de lleno en los principios de la música minimalista, caracterizada por la repetición constante de patrones y la exploración de la belleza que se encuentra en la simplicidad. Cada pieza es como una joya musical, pulida hasta la perfección con una elegancia cautivadora.

El álbum se inicia con "Opening", una pieza que establece el tono para la experiencia auditiva que sigue. Con sus líneas de piano en constante repetición, crea una sensación de anticipación y establece la base para la exploración musical que está por venir.

También destacan por su calidad "Floe" emerge como una joya serena, con sus melodías flotantes y su estructura minimalista ."Island" presenta una intrigante fusión de sonidos Con su energía pulsante y sus cambios dinámicos, esta pieza captura la atención del oyente, llevándolo en un viaje musical emocionante y evocador. 

El álbum culmina con "Closing", una pieza que parece unificar todos los elementos previos en una conclusión emotiva y satisfactoria. Con sus armonías expansivas y su ritmo constante, ofrece un cierre magistral a esta obra maestra minimalista.

Barbara Higbie - A Windham Hill Christmas - In Dulci Jubilo

        

        

            

        Explorando la Magia Navideña de "A Windham Hill Christmas"

 En 1990, la afamada discográfica Windham Hill regaló al mundo una joya musical atemporal: "A Windham Hill Christmas". Este álbum navideño no solo captura la esencia festiva, sino que lo hace con una elegancia y creatividad que han perdurado a lo largo de las décadas.

 "A Windham Hill Christmas" ofrece un paseo musical a través de la temporada navideña, interpretado por talentosos artistas asociados con el sello. La lista de canciones abarca desde clásicos tradicionales hasta composiciones originales, todo presentado con la distintiva sensibilidad acústica y emotiva que caracteriza a Windham Hill. 

 Cálido y Atmosférico La magia de este álbum radica en su capacidad para evocar una sensación de calidez y contemplación. Las guitarras acústicas, pianos suaves y melodías suaves tejen un tapiz sonoro que invita a la reflexión y la conexión con el espíritu navideño. Cada pista es como un regalo musical meticulosamente envuelto, listo para ser descubierto y apreciado.

 La diversidad de estilos musicales en el álbum añade una capa adicional de encanto. Desde las armonías de piano suaves de George Winston hasta los tonos melódicos de Tim Story, cada artista aporta su propio toque único a la celebración. La mezcla de instrumentales y vocales crea una experiencia auditiva rica y variada que se adapta a todos los gustos. 

 Entre los destacados se encuentran interpretaciones memorables como   "The Holly and the Ivy" de Nightnoise, que fusiona la elegancia clásica con un toque contemporáneo.

"A Windham Hill Christmas" no es simplemente un álbum, es un regalo musical que sigue brindando alegría y confort a oyentes de todas las edades. Su capacidad para capturar la esencia espiritual de la Navidad y transmitirla a través de la magia de la música es la razón por la cual este álbum perdura y se convierte en una elección recurrente durante las festividades.

Destacamos hoy de este disco la canción In Dulci Jubilo de Barbara Higbie , un tema donde el talento de Barbara aporta un toque cálido y navideño al disco

David Tolk - Seasons - Seasons

 

         

Nacido y criado en el pequeño pueblo boscoso de Mendham, Nueva Jersey, David Tolk estudió piano clásico desde temprana edad con su madre, Marilyn Tolk, graduada de la Escuela Juilliard. Durante su adolescencia, David se interesó más en aprender a tocar la música de Rush, Genesis y Yes que en otro tipo de músicas más clásicas. Descubrió que podía tocar la mayoría de las canciones de la radio de oído.

 David también comenzó a componer música instrumental tranquila mientras aún estaba en la escuela secundaria. Después de su primer año en la escuela secundaria de Mendham, la familia de David se mudó a Brentwood, Tennessee, donde su padre se convirtió en profesor de física en la Universidad Vanderbilt. Mientras estaba en Tennessee, el amor de David por la música y la composición continuó creciendo y floreciendo. David ha lanzado trece álbumes de música instrumental tranquila que han recibido la atención de la crítica especializada

Entre sus trabajos más destacados se encuentra el álbum "Seasons", que nos sumerge en un viaje musical a lo largo de las estaciones del año.

El álbum "Seasons" es una obra maestra que captura la esencia de cada estación a través de la música. Desde la frescura primaveral hasta la melancolía del invierno, Tolk utiliza el piano para pintar paisajes sonoros que evocan emociones vívidas. Cada pista es como un cuadro musical, llevándonos a través de cambios de tono y ritmo que reflejan la naturaleza cíclica de las estaciones. 

 La habilidad de Tolk para transmitir una amplia gama de emociones a través de sus composiciones eleva "Seasons" a un nivel superior en el mundo de la música instrumental. Es un testimonio de su habilidad para conectar con la audiencia a un nivel profundo y personal. 

Dentro del álbum "Seasons", destaca la canción homónima que da titulo al álbum Seasons , la canción comienza con unas ntas de piano solo que te introduce en la canción para posteriormente ir enriqueciendo el tema con más capas de sonidos que dan más belleza al disco creando un ambiente sonoro muy introspectivo y relajante