Wim Mertens - The Gaze Of The West - European Grasses

 

        

        

 Cada vez que escucho a Wim Mertens, me asombro de su capacidad para reinventarse y mantenerse en la cima de su arte. Con una trayectoria que abarca más de 70 discos, sin contar una serie de 37 discos experimentales titulada Qua, es difícil no sorprenderse de cómo sigue en plena forma. 

Sus discos continúan siendo igualmente buenos, algunos superan a otros, pero la calidad promedio es asombrosa. Me atrevería a decir que entre sus últimos trabajos se encuentran algunos excelentes, como "The Gaze of the West". En este álbum editado en el año 2020 , Mertens elabora una serie de temas verdaderamente excepcionales, como "Sketch of Proof", "Victims Over Victors", "Predire N'est Pas Expliquer" y, sobre todo, la fabulosa "European Grasses", un tema que considero una de las mejores canciones de su repertorio. Mertens nos tiene acostumbrados a crear melodías de alta calidad, siendo un auténtico genio en la elaboración de composiciones exuberantes que cada vez me sorprenden más. 

 En "European Grasses", el juego entre el piano y los vientos te atrapa desde el primer momento, jugando con los ritmos y los tempos de manera magistral. Es una experiencia auditiva que te transporta a paisajes emocionales complejos y fascinantes este tema es uno de los que más escucho de el últimamente  y me tiene totalmente atrapado. 

Wim Mertens demuestra una vez más por qué es considerado uno de los grandes de la música contemporánea, y "The Gaze of the West" es un testimonio brillante de su genialidad en acción.

Dan Gibson's Solitudes ~ Sleep Deeply ~ As Twilight Fades

 

                 Explorando la Serenidad: La Magia de Solitudes de Dan Gibson

 Dan Gibson, un maestro de la música ambiental y los sonidos de la naturaleza, dejó una marca imborrable en el mundo de la relajación y la contemplación con su icónica serie de álbumes "Solitudes".

 Nacido el 19 de enero de 1922 en Montreal, Quebec, Gibson tenía un don para capturar la esencia tranquila y majestuosa del entorno natural a través de su música. Fundada en 1980, la compañía Solitudes se convirtió en el crisol de la creatividad de Gibson, donde fusionó la música suave y armoniosa con grabaciones auténticas de sonidos de la naturaleza. 

Estos álbumes no solo se convirtieron en éxitos de ventas, sino que también se convirtieron en una fuente de calma y serenidad para millones de personas en todo el mundo. Cada álbum de Solitudes era una invitación a un viaje sonoro a través de algunos de los paisajes naturales más bellos del mundo. 

Desde bosques tranquilos hasta costas serenas, Gibson capturaba la esencia misma de estos lugares, combinando la música con el susurro del viento, el canto de los pájaros y el murmullo del agua. Uno de los álbumes más emblemáticos de la serie "Solitudes" es "Sleep Deeply". Este álbum transporta a los oyentes a un viaje musical, donde el suave sonido de los grillos  se entrelaza con melodías relajantes, creando una experiencia auditiva que calma el alma y tranquiliza la mente. La obra de Gibson va más allá de simplemente ofrecer música relajante; es una celebración de la belleza y la serenidad de la naturaleza. Sus composiciones invitan a los oyentes a desconectar del estrés de la vida cotidiana y sumergirse en la paz que solo la naturaleza puede ofrecer. 

 Aunque Dan Gibson ya no está con nosotros, su legado perdura en la serie "Solitudes" y en la tranquilidad que sigue ofreciendo a quienes la escuchan. Sus álbumes continúan siendo una fuente de inspiración y una invitación a explorar la serenidad que se encuentra en el mundo que nos rodea.

Back to Earth - Soulful Talks

                        

              

                       Back to Earth: Creando Paisajes Sonoros para el Alma 

 Thomas Hasler y Bruno Hasler, músicos y compositores originarios de Liechtenstein, han dejado una huella perdurable en el mundo de la música desde la década de 1980. Juntos, dieron vida a la banda Back to Earth, un oasis de serenidad en un mundo frenético, especializado en música ambiental, new age y relajante. 

 La música de Back to Earth se distingue por su enfoque tranquilo y atmosférico, donde melodías suaves y armonías relajantes se entrelazan para crear un paisaje sonoro que invita a la reflexión y la calma. A lo largo de los años, han lanzado varios álbumes que han resonado con oyentes de todo el mundo, cautivando corazones y mentes con su magia musical.

 Los hermanos Hasler han colaborado con otros artistas a lo largo de su carrera, ganando reconocimiento en el género de la música new age por su enfoque distintivo y su habilidad para evocar emociones a través de la música. Su música serena ha ganado admiradores en la comunidad musical, atrayendo a aquellos que buscan una experiencia auditiva que alimente el alma. 

 Entre los álbumes más destacados de Back to Earth se encuentran "Collection", " The Book of Silence ", "Peace of Mind " y "Hidden Treasures", entre otros. Estas obras maestras musicales son testimonio del talento y la creatividad de los hermanos Hasler, y han sido aclamadas tanto por la crítica como por el público, consolidando su posición como referentes en el género de la música new age. En resumen, Back to Earth no solo crea música; crean experiencias que transportan a los oyentes a un mundo de paz y tranquilidad. Su legado perdurará como una fuente de inspiración y sanación para las generaciones venideras, recordándonos la importancia de la música en nuestras vidas.

Soulful Talks es un EP lanzado en 2024 que se compone de seis versiones del mismo tema , la canción Soulful Talks , un tema calmado y relajante que nos invita a soñar

Oliver Schefner - "Chill Out Moods"- Celebration Time

 

Desde las atmósferas etéreas hasta los ritmos relajantes, el género del chill out ha cautivado a oyentes de todo el mundo con su capacidad para transportar a lugares de serenidad y calma. Entre los talentos destacados de este género se encuentra el músico Oliver Scheffner, cuyas composiciones han sido aclamadas por su habilidad para crear paisajes sonoros que invitan a la reflexión y la relajación. 

 Con una habilidad única para combinar elementos electrónicos con instrumentación orgánica, Oliver Scheffner es uno de  los destacados en la escena del chill out. Su enfoque en la melodía y la textura lo ha convertido en un favorito entre los amantes de la música ambiental y downtempo.

 Scheffner, con una carrera que abarca varias décadas, ha lanzado una serie de álbumes aclamados por la crítica que exploran las diversas facetas del chill out. Desde sus primeros trabajos que establecieron su presencia en la escena hasta sus últimas producciones que muestran una evolución constante, su música continúa resonando con audiencias de todo el mundo. 

 Una de las joyas de su discografía es el álbum "Chill Out Moods", un viaje musical que captura la esencia misma del género. Este disco es un testimonio del talento de Scheffner para crear composiciones que no solo calman los sentidos, sino que también estimulan la imaginación. Con pistas que van desde delicadas melodías de piano hasta ritmos envolventes, "Chill Out Moods" es una experiencia auditiva que invita a sumergirse en un estado de tranquilidad y contemplación.

Celebration Time es una de las pistas destacadas del álbum , con una melodía pegadiza esta canción refleja la capacidad de Sheffner para crear ritmos que te atrapan

Duncan Chisholm - Black Cuillin

       

 Duncan Chisholm ha sido durante mucho tiempo reverenciado como uno de los mejores violinistas de Escocia de todos los tiempos y es uno de los intérpretes más talentosos y auténticos de la música tradicional de violín de las Tierras Altas. 

Su música es elegante, envolvente y tierna, impregnada de pinceladas de genialidad. Esta correlación entre la música y el mundo natural está en el corazón de lo que hace Duncan Chisholm, extrayendo de un pozo de inspiración musical y cultura de las Tierras Altas que se remonta 700 años atrás.

 Desde el lanzamiento de su álbum seminal 'Redpoint' hace casi 20 años, los elementos naturales que hacen de las Tierras Altas de Escocia un lienzo único han sido la fuerza y la motivación detrás de su música. Su uso de la melodía proviene de la tradición dentro de las Tierras Altas de contar historias y pintar imágenes visuales a través de la música. En este mundo, hay muy pocos que se igualen a Duncan Chisholm. 

 ¡Descubrir la música de Duncan Chisholm ha sido todo un viaje musical para mí! Desde el momento en que escuché por primera vez su álbum "Redpoint", quedé fascinado por su enfoque único en la música celta. Pero fue con su disco "Sandwood" donde realmente me conquistó por completo. Me di cuenta de que Chisholm es mucho más que un músico tradicional; él es un innovador que lleva la música celta a nuevas alturas, manteniendo al mismo tiempo sus raíces. 

 Desde entonces, he seguido su carrera con gran entusiasmo, y su último álbum, "Black Cuillin", es simplemente excepcional. Con doce canciones que van desde la impresionante pieza que da título al disco, "Black Cuillin", hasta la magnífica versión de "When the Snows Melt" que cierra el álbum, cada canción es una joya por derecho propio.

 Lo que más me impresiona de Duncan Chisholm es su habilidad para fusionar lo tradicional con lo contemporáneo de una manera tan fluida. En "Black Cuillin", logra capturar la esencia de la música celta mientras le da un giro fresco y moderno. Es un testimonio de su talento y su profundo respeto por las tradiciones.

 Para cualquier amante de la música celta o simplemente para aquellos que buscan algo nuevo y emocionante, no puedo recomendar lo suficiente la música de Duncan Chisholm. Cada álbum es una experiencia auditiva inolvidable, y "Black Cuillin" es otro testimonio de su genio musical. Estoy ansioso por ver qué nos depara en el futuro este increíble músico.

                                 

Rodrigo Leao - Alma Mater - Pasion

 

     

       

 La música de Rodrigo Leão es una amalgama de belleza, emoción y profundidad que abarca una variedad de géneros y estilos. Leão es un compositor y músico portugués conocido por su habilidad para crear paisajes sonoros emotivos que cautivan al oyente y lo transportan a un mundo de introspección y contemplación. Su trabajo abarca una amplia gama de estilos, desde la música clásica contemporánea hasta el Folk de cualquier parte del mundo . Pasion la canción de hoy es buena muestra de ello

  Una de las características más distintivas de la música de Rodrigo Leão es su capacidad para combinar elementos acústicos y electrónicos de una manera armoniosa y conmovedora. Sus composiciones suelen estar impregnadas de una sensación de melancolía y nostalgia, pero también pueden transmitir esperanza y belleza. Lo que hace que la música de Rodrigo Leão sea tan fascinante es su capacidad para mantener un hilo conductor emocional a través de sus composiciones, independientemente de los estilos que incorpore. Ya sea que esté creando una pieza de música clásica contemporánea con una orquestación exquisita o mezclando elementos electrónicos con melodías folk, siempre logra transmitir una sensación de profundidad y emoción 

Es emocionante escuchar cómo la música de Rodrigo Leão continúa evolucionando y sorprendiendo a sus oyentes con cada nuevo proyecto. "Alma Mater" es sin duda un testimonio de su genio musical y su capacidad para fusionar diferentes estilos de una manera magistral. 

 La canción "Pasión" es un ejemplo perfecto de cómo Leão puede amalgamar géneros aparentemente irreconciliables para crear algo verdaderamente único y hermoso. La fusión de la milonga argentina con la sensibilidad musical de Leão y la voz de Lula Pena, cantando en español, es un testimonio de la versatilidad y el talento del compositor portugués. La elección de Lula Pena para dar voz a esta pieza agrega un toque especial, con su particular acento que aporta un aire auténtico y arrabalero a la canción. Es una colaboración audaz y exitosa que demuestra la habilidad de Leão para trabajar con otros artistas y crear música que trasciende las barreras lingüísticas y culturales. 

 En definitiva, "Pasión" es una joya musical que encapsula la esencia del disco "Alma Mater" y la habilidad de Rodrigo Leão para crear belleza en estado puro a través de la fusión de diferentes estilos y culturas musicales. Es un testimonio de su talento como compositor y su capacidad para sorprender y emocionar a su audiencia una y otra vez.

Paul Cardall - Songs of Praise - Redeemer

 

 

 Adentrarse en el mundo musical de Paul Cardall es adentrarse en un viaje de emoción, esperanza y sanación. Cardall, un virtuoso pianista y compositor, ha dedicado su carrera a crear música que no solo deleita los oídos, sino que también toca el alma.

 Desde sus humildes comienzos hasta su ascenso como una de las figuras más influyentes en la música instrumental contemporánea, la historia de Cardall es una inspiradora saga de perseverancia, pasión y fe. 

 Nacido con una cardiopatía congénita, Cardall ha enfrentado numerosos desafíos a lo largo de su vida, incluyendo múltiples cirugías cardíacas. Sin embargo, en lugar de dejarse abrumar por la adversidad, ha convertido su experiencia en una fuente de inspiración para su música. Su estilo único combina la técnica impecable del piano clásico con elementos de la música pop y contemporánea. A través de sus composiciones, Cardall transmite una amplia gama de emociones, desde la serenidad y la alegría hasta la introspección y la esperanza. 

 Sus melodías suaves y envolventes tienen el poder de calmar la mente y elevar el espíritu, ofreciendo un refugio de paz en tiempos de turbulencia. Además de su trabajo como músico, Cardall es un defensor apasionado de la conciencia sobre las enfermedades cardíacas y un portavoz de la donación de órganos. A través de su música y su activismo, ha tocado innumerables vidas y ha inspirado a otros a encontrar la fortaleza y el propósito en medio de las dificultades. 

Paul Cardall nos sorprende con un álbum especial: "Songs of Praise". Alejándose un poco de su característico estilo instrumental, en esta ocasión Cardall nos presenta una colección de himnos de adoración cristiana.

Si bien la música de Cardall suele transmitir paz y serenidad a través del piano, "Songs of Praise" marca un cambio significativo. Inspirado por el nacimiento de su hija, el compositor vuelca su gratitud y fe en un conjunto de once canciones vocales.

 Clásicos reinventados: El disco incluye versiones de himnos tradicionales como "Come Thou Fount" y "Agnus Dei", con arreglos modernos y la sensibilidad interpretativa de Cardall. 

 Más allá de las creencias: A pesar de su temática cristiana, "Songs of Praise" trasciende las barreras religiosas. La belleza de las melodías y la emotividad de las interpretaciones logran conectar con cualquier oyente que busque un espacio de recogimiento y expresión de gratitud.

La pieza que destacamos hoy del album es "Redeemer" , esta pieza es más que una simple canción para piano. Es una historia de superación, fe y la capacidad sanadora de la música.  Inspirada en el himno "I Know That My Redeemer Lives," "Redeemer" es una composición conmovedora que refleja las propias experiencias de Cardall. Tras recibir un trasplante de corazón en 2008, el compositor volcó sus emociones en esta pieza que transmite paz, esperanza y renacimiento. "Redeemer" no solo cautiva por su belleza musical, sino también por su carga emocional. Las notas del piano parecen acariciar el alma, ofreciendo un consuelo sereno a quienes atraviesan momentos difíciles.

David J. Peña - The Journey - "The Sun Will Rise Again "

 

       

 David J. Peña es un baterista, compositor y multi instrumentista originario de Mission, Texas, y actualmente radicado en el área de Dallas/Fort Worth. Las composiciones de David evocan vastos mundos y visiones cinematográficas a través de sus paisajes sonoros evocadores y su desarrollo imaginativo. David ha estado escribiendo música durante años y suele inspirarse en escenas y entornos cinematográficos. Ha sido su sueño de toda la vida convertir sus composiciones para piano en arreglos orquestales cinematográficos. 

 David ha lanzado dos álbumes de Piano Cinemático con Orquestación, "Thinking of You" (2020) y "Winds of Change" (2021). Estos álbumes son compilaciones de canciones inspiradas en el cine que escribió y grabó con el galardonado compositor de orquesta Judah Earl. 

 Su habilidad para fusionar la sensibilidad del piano con los majestuosos arreglos orquestales es impresionante, creando una sinergia que cautiva y emociona. 

¡La música es un viaje que nos lleva a lugares inimaginables! Y eso es precisamente lo que Javier J. Peña nos ofrece con su último álbum, "The Journey". Este talentoso músico ha capturado la esencia del viaje humano a través de su cautivadora música, llevándonos en un viaje emocional y sonoro que nos deja sin aliento. 

 Javier J. Peña es conocido por su habilidad para fusionar diferentes géneros musicales, creando un sonido único que es tanto refrescante como evocador. 

En "The Journey", Peña nos lleva a través de paisajes sonoros que van desde lo melancólico hasta lo enérgico, desde lo introspectivo hasta lo expansivo. El álbum está lleno de momentos memorables, desde las suaves melodías de piano que nos invitan a la reflexión en la canción homónima The Journey , hasta los ritmos pulsantes y enérgicos de "Good Feeling" que nos impulsan hacia adelante con determinación y emoción. Cada pista es una pieza del rompecabezas que forma este viaje musical, cada una única en su tono y atmósfera, pero todas conectadas por la visión artística de Peña. 

 Lo que realmente hace que "The Journey" destaque es la habilidad de Javier J. Peña para transmitir emociones a través de su música. Cada nota está cargada de sentimiento, cada melodía evoca una respuesta emocional profunda en el oyente. Es un testimonio del talento y la pasión de Peña como músico y compositor.

Hoy os quiero traer hasta aquí la canción con la que comienza el disco "The Sun Will Rise Again " una canción  delicada e introspectiva donde las melodías del piano y las cuerdas  se entretejen para formar un lienzo sonoro relajante 

 

Mike Oldfield - "Hergest Ridge"

 

               

Después del impacto arrollador que significó para mí el descubrimiento de "Tubular Bells" de Mike Oldfield, estaba ansioso por explorar más de la genialidad musical de este virtuoso. Todas las miradas estaban puestas en él, y las mías, en particular, estaban cargadas de expectación mientras esperaba ansiosamente el lanzamiento de su segundo disco.

 Era como si el primer encuentro con la magia de Oldfield hubiera abierto la puerta a un mundo musical completamente nuevo para mí, y no podía esperar para ver qué maravillas me tenía preparadas. 

 Cuando finalmente llegó el día del lanzamiento de su segundo álbum, "Hergest Ridge", me dirigí directamente a la tienda de discos con la emoción palpable en cada paso. La incertidumbre y la expectación se mezclaban en mi mente mientras sostenía el álbum en mis manos, consciente de que Oldfield tenía un gran desafío después de la imponente obra maestra que fue "Tubular Bells". 

 Al escuchar las primeras notas de "Hergest Ridge", supe de inmediato que no estábamos ante otro "Tubular Bells", pero eso no significaba que fuera una decepción. El álbum tenía  entidad musical única por derecho propio. Exploraba nuevos territorios sonoros, fusionando elementos folk y celtas de una manera que solo Mike Oldfield podía lograr. Si bien no alcanzó las alturas estratosféricas de su predecesor, "Hergest Ridge" era exactamente lo que necesitaba en ese momento. Era una nueva aventura, una oportunidad de descubrir y sumergirme en nuevos sonidos y melodías. 

La música de Oldfield seguía siendo tan intrigante como siempre, llevándome a través de paisajes sonoros que desafiaban las expectativas y me sumergían en una experiencia auditiva única. 

 "Hergest Ridge" es una obra maestra progresiva que me emocionó en aquel momento la magia de Oldfield seguía latiendo en el disco con pasajes memorables . Similar a "Tubular Bells", el álbum está compuesto principalmente por un solo tema que se desarrolla a lo largo de dos lados de un LP, permitiendo que la música fluya de manera continua. 

 Oldfield exhibe su destreza musical al tocar una amplia gama de instrumentos, desde guitarras y bajos hasta flautas y sintetizadores.

 La estructura progresiva del álbum permite que la música evolucione y se transforme constantemente. Desde su inicio sereno hasta sus momentos de intensidad y retorno a la calma, "Hergest Ridge" lleva a los oyentes en un viaje emocional y musical que desafía las convenciones tradicionales

 Oldfield incorpora en este disco elementos de música folk y celta en varias partes de "Hergest Ridge", fusionando de manera única tradiciones musicales con la experimentación progresiva, esto agrega una capa adicional de autenticidad y conexión con las raíces culturales, creando una experiencia auditiva que es tanto universal como personal.

Alasdair Fraser y Paul Machlis - "The Road North" - "Bennachie Sunrise/Willie's Trip To Toronto"

 

              

Alasdair Fraser y Paul Machlis son dos músicos cuya colaboración trasciende las fronteras del género y la geografía. Su conexión musical se ha convertido en una asociación sin igual en el mundo de la música folk y celta. Fraser, un virtuoso del violín escocés, y Machlis, un consumado pianista y compositor, se han unido para crear un sonido que es tanto cautivador como evocador.

 Su disco "The Road North" es un testimonio de esta colaboración excepcional. Este álbum nos lleva en un viaje musical a través de paisajes sonoros que evocan la belleza y la majestuosidad de las tierras altas de Escocia. Con una mezcla magistral de melodías tradicionales y composiciones originales, Fraser y Machlis nos transportan a un mundo donde la música es el lenguaje universal. 

 Una de las pistas destacadas de este álbum es "Bennachie Sunrise/Willie's Trip To Toronto". Esta canción encapsula la esencia de la colaboración entreestos dos músicos. "Bennachie Sunrise" nos lleva a un amanecer en las colinas escocesas, con el violín de Fraser pintando imágenes vívidas a través de su expresiva interpretación. Luego, "Willie's Trip To Toronto" nos lleva en un viaje a través del Atlántico, con Machlis tejiendo intrincadas armonías en el piano jugueteando con el violín de Fraser. 

 En resumen, la relación musical entre Alasdair Fraser y Paul Machlis es un testimonio del poder de la colaboración creativa y la conexión humana a través de la música. Su disco "The Road North" y la canción "Bennachie Sunrise/Willie's Trip To Toronto" son testamentos duraderos de su talento y su capacidad para transportarnos a través de la música a lugares tanto físicos como emocionales.

Eva Cassidy - Time After Time - Kathy's Song

 

                                    

        

        

 Eva Cassidy, una talentosa cantante y guitarrista estadounidense, marco una época en la música con su emotiva interpretación y su habilidad para transformar canciones en experiencias profundas y conmovedoras.

 Uno de sus notables álbumes es "Time After Time", que captura la esencia única de su arte.  El álbum "Time After Time" de Eva Cassidy es una colección ecléctica que abarca varios géneros, desde el jazz hasta el folk y el blues. Publicado póstumamente en 2000, presenta una selección de canciones que destacan la versatilidad vocal de Cassidy y su capacidad para transmitir emociones intensas. Entre las joyas de este álbum se encuentra su conmovedora interpretación de "Time After Time", la canción que da nombre al disco. 

Eva Cassidy infunde a esta canción clásica un nuevo significado con su voz rica y emotiva, convirtiéndola en una experiencia auditiva única y atemporal.

Una de las canciones más icónicas y entrañables de Eva Cassidy es su versión de "Kathy's Song", originalmente escrita por Paul Simon.

« Kathy's Song » es una canción originalmente de Paul Simon de su álbum debut de 1965 The Paul Simon Songbook .  Fue regrabada para el segundo álbum de Simon & Garfunkel , Sounds of Silence , lanzado en 1966.

 Ha sido descrita como una de las canciones más personales de Simon;  está dedicado a Kathy Chitty, la novia y musa de Simon durante su estancia en Inglaterra a mediados de la década de 1960

 Eva Cassidy logra capturar la esencia melancólica de la canción, infundiendo cada nota con una emotividad que resuena en lo más profundo del corazón. "Kathy's Song" se convierte en una experiencia íntima y personal bajo la interpretación de Cassidy. 

Su voz suave y llena de matices, combinada con la delicadeza de su guitarra, crea una atmósfera única que sumerge a los oyentes en la historia que la canción narra.

Aunque su carrera fue breve y su reconocimiento llegó después de su prematura muerte en 1996, Eva Cassidy dejó un impacto duradero en el mundo de la música. Su habilidad para transformar canciones conocidas en obras maestras emotivas demuestra su destreza artística y su conexión profunda con la música.

Kitaro and Jon Anderson - Dream - "Island of Life"

 

       

 En la vida, a veces nos encontramos con mezclas que son simplemente mágicas. Estos encuentros fortuitos pueden suceder en cualquier momento y lugar, y para mí, uno de esos momentos mágicos ocurrió cuando descubrí el álbum "Dream" de Kitaro, en el cual colabora con el legendario Jon Anderson en tres canciones.

 La magia se encuentra en la singularidad y genialidad de cada músico por separado, pero cuando sus talentos se unen, esa magia se expande a un nivel superior. Kitaro, conocido por su maestría en la síntesis musical, y Jon Anderson, reconocido por su voz celestial y su influencia como vocalista principal de Yes, son dos iconos en sus respectivos campos. La combinación de la sensibilidad sonora de Kitaro con la emotividad y el alcance vocal de Anderson es sencillamente impresionante. 

 Una de las canciones que destacan en este álbum es "Island of Life". En esta pista, la genialidad de Kitaro se une con la voz inconfundible de Anderson para crear una experiencia auditiva verdaderamente mágica. La instrumentación exquisita de Kitaro, combinada con la voz emotiva y celestial de Anderson, transporta al oyente a un estado de asombro y contemplación. Cada vez que escucho esta canción, siento como si mi mente se llenara de estrellas, como si estuviera flotando en un universo de belleza y serenidad. 

 El álbum "Dream" está repleto de bellas canciones que capturan la esencia del arte musical de Kitaro, pero "Island of Life" se destaca como una de las joyas más brillantes. Es un testimonio del poder transformador de la música y de cómo la colaboración entre dos grandes talentos puede dar lugar a algo verdaderamente mágico.

Greg Maroney - Fall - The Gathering

 

 

 El disco "Fall" se erige como una obra maestra en la ecléctica discografía de Maroney. Su estilo musical, una amalgama de influencias que abarcan desde el jazz hasta la música clásica, se manifiesta de manera sublime en cada acorde. La emotividad que caracteriza la música de Maroney se convierte en la esencia misma de "Fall", donde las notas del piano se convierten en pinceles que pintan paisajes sonoros llenos de textura y profundidad emocional.

 🍂 Cautivando con la Calma y la Introspección Las composiciones de Maroney en "Fall" son testimonios de su capacidad única para contar historias sin palabras. La fusión de elementos clásicos y minimalistas crea una experiencia auditiva que invita a la calma y la introspección. Cada pieza evoca una sensación de belleza serena, como un paseo tranquilo por un bosque otoñal donde las hojas crujen bajo tus pies.

 Greg Maroney no es simplemente un pianista; es un narrador emocional que utiliza las teclas como su lenguaje. Su música en "Fall" se convierte en un medio para explorar las emociones más profundas, estableciendo una conexión íntima entre el oyente y el artista. Cada nota es un susurro, cada pausa es una reflexión, y el conjunto es una sinfonía que resuena en el corazón.  

Este es uno de mis discos favoritos de Greg Maroney cuando presionas play en este disco

te sumerges en un océano de calma , es una experiencia sensorial que te atrapa en sus melodías .

Además de la canción Swirling Leaves que ya pusimos anteriormente en otro post  una de las canciones que destacan dentro del disco es The Gatering , canción en la que Greg vuelve  a tejer otra bella melodía 

        

Loreena Mckennitt - The Mask and Mirror - The Dark Night of the Soul

 

 

                Loreena McKennitt: Un Viaje Musical hacia San Juan de La Cruz

La voz de  Loreena McKennitt fue  una de las culpables de mi búsqueda hacia lo que llamo las otras músicas , su búsqueda y eclecticismo en músicas de diferentes culturas me cautivaron con nuevas sonoridades  que en aquellos tiempos en los que transitaba por el rock progresivo nunca pensaría que pudiera sucederme a mi , aunque por dentro ya notaba que algo estaba cambiando

Una de las cualidades de Loreena  son sus melodías encantadoras y sus letras evocadoras que le han valido reconocimiento mundial, con numerosos premios que incluyen discos de platino doble en Estados Unidos y premios de oro y platino en países como Canadá, Francia, Alemania, Grecia, Italia, España, Brasil y Turquía. 

Durante sus estancias en España, Mckennitt se sintió fascinada por la rica fusión cultural que se experimentó cuando coexistían las tres religiones: la Judía, el Islam y la Cristiana. Fue en uno de sus viajes cuando tuvo la oportunidad de descubrir un libro de poemas de San Juan de la Cruz.

Loreena Mckennitt dice  Mayo de 1993 - Stratford... he estado leyendo poesía española del siglo XV, y he sentido una enorme atracción por el místico y visionario San Juan de la Cruz; el trabajo sin título es un exquisito poema de amor entre él y su Dios,

 Dentro de la ilustre discografía de Loreena McKennitt, "The Mask and Mirror" destaca como una obra maestra. Lanzado en 1994, este álbum es un testimonio de la capacidad de McKennitt para fusionar diversas influencias musicales y explorar temas profundos. 

 Una pista notable del álbum es "The Dark Night of the Soul", que se sumerge en el ámbito espiritual con inspiración tomada de los escritos de San Juan de la Cruz.

 La canción captura la esencia de las reflexiones profundas del místico sobre el viaje del alma hacia la unión con lo divino. La voz evocadora y la instrumentación intrincada de McKennitt crean una atmósfera hipnótica, invitando a los oyentes a contemplar las profundidades del espíritu humano. Mientras el álbum teje relatos inspirados en influencias históricas y culturales.

 "The Dark Night of the Soul" destaca como un recordatorio conmovedor de la capacidad de McKennitt para infundir su música con un significado profundo. Su exploración de la espiritualidad y el misticismo eleva su obra más allá del mero entretenimiento, ofreciendo a los oyentes una experiencia musical transformadora y contemplativa. 

 En el tapiz de la carrera de Loreena McKennitt, "The Mask and Mirror" y su exploración etérea del viaje del alma ejemplifican el compromiso de la artista tanto con la excelencia musical como con la profundidad intelectual.

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Thomas Bergersen - "Humanity I " - "Wings"

 

                               

      

Dentro del fascinante proyecto musical de Thomas Bergersen, "Humanity", y más específicamente en el Volumen I, he encontrado una experiencia sonora verdaderamente excepcional. 

Este álbum es, sin duda, uno de los últimos que ha logrado cautivarme de manera tan profunda. 

Thomas ha creado una obra maestra repleta de temas llenos de energía ferviente y otros impregnados de una belleza única. Entre las joyas que sobresalen de manera excepcional, destaca el tema titulado "Wings". Esta composición es una verdadera explosión de energía que cumple con su nombre, ya que te hace sentir como si te otorgara alas para volar. La intensidad y la dinámica de este tema son simplemente extraordinarias. 

La forma en que Bergersen combina elementos sonoros, desde los poderosos acordes hasta las melodías cautivadoras, crea una experiencia auditiva que eleva los sentidos.

 En "Wings", puedo percibir la habilidad de Thomas para transmitir emociones a través de la música de una manera única. La energía positiva y la sensación de libertad que emana de este tema son contagiosas, sumergiéndote en un viaje sonoro que te lleva a lugares imaginarios. Cada nota parece ser cuidadosamente seleccionada para transmitir una emoción específica, creando así una conexión profunda con el oyente.

 "Wings" es un claro ejemplo del talento de Thomas Bergersen . Este disco se ha convertido en uno de mis favoritos, proporcionándome una experiencia musical que va más allá de la mera audición, dejando una huella duradera en mi aprecio por la música de Bergersen

                               

Moya Brennan - Heal This Land

 

       

 Moya Brennan, también conocida como Máire Brennan, es una destacada cantante, compositora y arpista irlandesa que ha dejado una huella indeleble en la escena musical, siendo reconocida como una de las voces principales del influyente grupo de música celta, Clannad. Nació el 4 de agosto de 1952 en Gweedore, Condado de Donegal, Irlanda, en el seno de una familia con un profundo talento musical. Su padre, Leo Brennan, era un músico y cantante popular en Irlanda, y su hermana menor, Enya, también alcanzó el éxito como cantante y compositora. Desde su temprana infancia, Moya demostró un notable talento musical, incursionando en el canto y la interpretación del arpa.

 En 1970, Moya y sus hermanos formaron la emblemática banda Clannad. Con su voz distintiva y habilidades en el arpa, Moya contribuyó significativamente al sonido único y evocador de la música de Clannad, ganando reconocimiento internacional y consolidándose como una figura destacada en el ámbito de la música celta.

 En 1992, Moya Brennan lanzó su álbum debut en solitario, titulado "Máire". Sin embargo, uno de los puntos culminantes de su carrera fue el lanzamiento de "Perfect Time" en 1998, un álbum que fusiona la música celta con elementos contemporáneos y que le valió elogios de la crítica. Este álbum incluye colaboraciones con artistas destacados como Michael McDonald y Sinead O'Connor, destacando la versatilidad y la resonancia emocional de la voz de Moya. 

 Desde entonces, Moya Brennan ha continuado explorando diferentes estilos musicales en sus álbumes en solitario, fusionando influencias celtas con elementos contemporáneos. Su música evoca una sensación de magia y espiritualidad, y su voz sigue siendo reconocida como una de las más distintivas y emotivas en el ámbito de la música celta.

Una de las canciones que destacan dentro del disco y que recordamos hoy es Hil This Land donde la cálida voz de Moya nos regala una bonita y etérea balada celta

Wim Mertens - Integer Valor - In 3 Or 4 Days

 

     

     

Wim Mertens , el renombrado compositor belga, ha dejado una pequeña obra de arte en el paisaje musical contemporáneo,  su álbum "Integer Valor" es una autentica delicatessen que merece una atención especial. En este viaje sonoro, nos sumergimos en la riqueza de su obra y nos detenemos en la fascinante composición "In 3 or 4 Days". 

 Lanzado en 1998, "Integer Valor" es una sinfonía de emociones  tejida por la maestría de Wim Mertens. El título, traducido como "Valor Entero", sugiere la integridad que permea cada nota de este álbum. 

Mertens desafía las fronteras de la música clásica contemporánea, fusionando elementos minimalistas con una expresión emotiva profunda.

 Dentro del mosaico sonoro que es "Integer Valor", la pieza "In 3 or 4 Days" se destaca como un capítulo extraordinario que nos sumerge en la riqueza y la evolución de la creatividad de Wim Mertens.

 Esta composición, que se erige como una de las destacadas del álbum, es un viaje musical que revela la versatilidad y la experimentación características del maestro belga. La composición comienza su narrativa musical con sintetizadores, algo poco habitual en él. Este uso inicial de elementos electrónicos establece una atmósfera única y anticipa la experimentación que caracteriza la obra de Mertens. Sin embargo, es con la incorporación de la orquesta que "In 3 or 4 Days" alcanza su máxima magnificencia. La fusión de los elementos electrónicos con la grandeza de una orquesta revela la maestría de Mertens en crear un diálogo armonioso entre lo clásico y lo contemporáneo.

Esta obra maestra es de esas canciones que se te meten en la cabeza la primera vez que la escuchas dejándote atónito ante la maravilla que estás escuchando ,  cada vez que la vuelvo a escuchar transcurridos los años sigue sorprendiéndome

Jillian LaDage - "The Ancestry" - "The Black Woods"

 

        

 Dentro del intrincado tejido de "The Ancestry", el álbum debut de Jillian LaDage, se encuentra una pieza musical que destaca por su misterio y evocación: "The Black Woods". Esta composición transporta a los oyentes a un bosque oscuro de sonidos e historias, donde la magia y la nostalgia se entrelazan en cada nota.

 Nacida en enero de 1980 en una pintoresca granja lechera rural de Illinois, Jillian LaDage ha tejido su vida con los hilos de la música desde una edad temprana. Su historia musical se entreteje con las mismas praderas que vieron asentarse a sus antepasados escoceses e irlandeses hace casi dos siglos, cuando emigraron a Estados Unidos. 

La conexión con sus raíces es evidente en cada nota de su música. "No estoy seguro si me enamoré de la música o si la música se enamoró de mí", reflexiona Jillian sobre su relación con la música. Desde su infancia, se sumergió en el mundo de los sueños, escribiendo canciones y visualizándose actuando en el escenario. Su viaje musical comenzó en congregaciones locales y celebraciones, pero pronto se expandió hacia horizontes más amplios, inspirada por la época de Riverdance y Braveheart. 

Jillian LaDage, también apasionada por la historia y la mitología celta, ha canalizado su amor por la música en su álbum debut, "The Ancestry", lanzado bajo el sello discográfico Tarith Cote. 

Su formación incluye estudios de arpa celta con la renombrada arpista Kim Robertson y técnicas vocales modernas bajo la tutela de Randy Buescher, principal entrenador vocal de Chicago. 

El álbum presenta composiciones como "The Black Woods", "Manzikert", "Bonny Was The Lady", "Endless Knot", "Keltoi" y "Vanished Secrets", llevando a los oyentes en un viaje melódico alrededor del mundo y a lo largo de los siglos. 

La música y la voz de Jillian transmite una esencia de ritmos evocadores y movimientos musicales provocativos, creando un sentido de misterio y conexión con la historia.

 "The Black Woods" es más que una canción; es un viaje a través de un paisaje sonoro en el que Jillian LaDage captura la esencia de la naturaleza y la intriga. Inspirada por sus raíces escocesas e irlandesas, la canción se sumerge en la rica tradición celta, tejiendo una narrativa musical que evoca tanto la majestuosidad como la enigmática oscuridad de un bosque ancestral. 

 Desde los primeros acordes, LaDage nos invita a adentrarnos en un mundo donde la arpa celta y su voz se entrelazan como ramas de árboles, creando un dosel de sonidos que nos envuelve. La melodía fluye con la gracia de una danza ancestral, mientras la artista nos guía a través de los intrincados senderos de "The Black Woods".