Thomas Bergersen - Humanity I - Beautiful People

 

      

“Humanity” es la última colección masiva de música de Thomas Bergersen. Compuesta por 7 capítulos repartidos en 7 temas diferentes sobre la humanidad, esta colección incomparable de música emotiva ha ocupado la mayor parte del tiempo de Thomas durante los últimos 6 años y es, con diferencia, su trabajo más grande hasta la fecha , a día de hoy ha editado cinco capítulos . 

 La música cubre todos los rangos de las emociones y la historia humana y explora un territorio musical completamente nuevo, al tiempo que desarrolla el enfoque estilístico único y establecido por el que Thomas es tan conocido.

 “Humanity” representa la evolución de los exitosos álbumes Illusions y Sun de Thomas, los cuales han alcanzado el estatus de platino. “Humanity” es una continuación más profunda y desarrollada, y cubre un amplio espectro de estilos y expresiones musicales. 

Humanity Chapter I es el primer lanzamiento del proyecto musical más ambicioso de Thomas hasta la fecha. Grabado con una gran orquesta y coro en vivo, así como con instrumentistas y vocalistas de todo el mundo, el primer capítulo presenta mucha música nueva que va desde la interpretación coral más pura y atemporal hasta la producción musical moderna de vanguardia. El primer capítulo se centra en la libertad, la fuerza y ​​la unidad, uniendo muchas culturas musicales de una manera colorida y expresiva. La pieza que abre el álbum, “Eleutheria” (la palabra griega para libertad), fue escrita como tema principal de “Humanity” y cuenta con el coro de ópera búlgara. Abre suavemente el álbum en un homenaje a la naturaleza fundamentalmente bondadosa de la humanidad, transportando al oyente a la pieza "Beautiful People" una canción vitalista y esplendida donde Thomas desarrolla toda su capacidad compositiva la canción está basada en un discurso legendario pronunciado por el presidente Truman en 1947.

7and5 - "Hope, Destiny, And Choice" - "Driftwood"

 

 

  7and5 es un proyecto musical creado por el compositor y productor musical John H. Nixon. Su música se centra principalmente en géneros como el new age, ambiental y electrónico. Aunque no es tan conocido como algunos artistas más populares, 7and5 ha desarrollado un seguimiento fiel debido a su enfoque único y evocador en la creación musical.

 7and5 se caracteriza por su estilo melódico y atmosférico. La música  presenta sonidos electrónicos y sintetizadores que crean paisajes sonoros relajantes y evocadores. Es ideal para aquellos que buscan música ambiental para la relajación, la meditación o simplemente para disfrutar de una experiencia auditiva única. 

 Aunque no hay información clara sobre las influencias específicas de 7and5, su música refleja la influencia de la música new age y ambiental en general. 

Nixon ha trabajado en colaboración con otros artistas y músicos para enriquecer sus composiciones. 

 Aunque puede no ser tan conocido en el mundillo musical, 7and5 ha recibido elogios por su enfoque original y su capacidad para crear música que conecta con las emociones del oyente. Su música a menudo se encuentra en listas de reproducción de música relajante y ha ganado seguidores en la comunidad de música ambiental.

El álbum "Hope, Destiny, And Choice" de 7and5 es un vibrante y vitalista viaje musical que comienza desde la primera nota de "Arrival". Este disco no solo nos sumerge en el mundo de la música electrónica y Chill Out, sino que también infunde cada pista con una esencia única y emotiva. 

 La primera canción, "Arrival", sirve como puerta de entrada a un ambiente electrizante y lleno de vida. La música electrónica de 7and5 adquiere una dimensión especial, impregnada de una vibración que trasciende el simple ritmo. Cada composición parece tener su propio latido, su propia alma. Dentro del álbum, nos encontramos con momentos relajantes que suavizan la experiencia auditiva, sumergiéndonos en ambientes serenos y tranquilos. Cada nota lleva consigo una sensación de relajación, creando un contraste fascinante con la energía pulsante que caracteriza al álbum en su conjunto.

 Dentro de este viaje musical, destaco la canción "Driftwood". Esta pista se presenta como un faro que ilumina el camino que recorre el resto del álbum. Con una melodía evocadora, "Driftwood" nos lleva a la deriva por un mar de sonidos cautivadores y nos enseña la capacidad emotiva de la música electrónica , destacando como una joya que encapsula la esencia del disco

Akela Sun - "The Age of Venus " - United We Are Strongs - Forever Love

 

       

        

 'Akela Sun' es el ingenioso proyecto musical del artista germano-australiano Guido Negraszus. Este galardonado compositor y multi instrumentista fusiona sus raíces en la música electrónica con voces antiguas, una orquesta cinematográfica y ensambles de percusión, creando así su propio universo de sueños y fantasías. Las composiciones de 'Akela Sun' han trascendido fronteras y se han convertido en la banda sonora de innumerables proyectos alrededor del mundo, desde avances cinematográficos y programas de televisión hasta eventos deportivos, publicidad corporativa y videos privados en YouTube. 

La habilidad única de Negraszus para mezclar lo electrónico con voces antiguas y orquestación cinematográfica ha establecido a 'Akela Sun' como una fuerza creativa única en la escena musical. Con un enfoque ecléctico y visionario, 'Akela Sun' ha creado un espacio sonoro donde las raíces electrónicas se entrelazan con elementos antiguos y orquestales para dar vida a una experiencia auditiva única. Las capas sonoras cautivadoras transportan a los oyentes a un mundo de ensueño, donde la música se convierte en un puente entre el pasado y el presente.

"The Age of Venus (La Edad de Venus)" editado en el año 2019, es un álbum excepcional de Akela Sun, el proyecto musical creado por el talentoso artista germano-australiano Guido Negraszus. Este álbum nos presenta una experiencia musical épica que abarca 24 temas cinematográficos, cada uno de ellos impregnado de épica, potencia, romanticismo y exotismo. A lo largo de "The Age of Venus," Akela Sun nos lleva en un viaje musical que ofrece una sorprendente diversidad de opciones. Desde avances llenos de acción hasta temas orquestales emocionales al estilo de Hollywood, desde atmósferas de música del mundo hasta relajantes momentos chill-out y texturas inspiradoras del ambiente, este álbum es verdaderamente versátil. 

 Este álbum permite a los oyentes sumergirse en una experiencia multisensorial, donde cada pista es como una pieza única de un rompecabezas, contribuyendo a la creación de un universo sonoro completo. La maestría de Akela Sun se manifiesta en la habilidad para evocar emociones, contar historias y transportar a los oyentes a lugares y momentos imaginarios.

Hoy os quiero destacar dos canciones del disco  United We Are Strongs  y Forever Love 

Peter Kater - Snatam Kaur - Heart of Universe

          

 En el vasto panorama de la música espiritual y sanadora, pocos artistas han logrado fusionar la maestría musical con la profunda espiritualidad de manera tan impactante como Peter Kater y Snatam Kaur. 

Su álbum "Heart of the Universe" (Corazón del Universo) es un testimonio de la magia que se desata cuando dos talentos excepcionales se unen para explorar las dimensiones del alma a través de la música. 

 El encuentro de dos maestros:

 Peter Kater, renombrado pianista y compositor, ha sido una figura destacada en la escena de la música new age y contemporánea durante décadas. Sus composiciones evocadoras han llevado a los oyentes a viajes emocionales profundos y transformadores. Por otro lado, Snatam Kaur, conocida mundialmente por su voz angelical y su habilidad para canalizar la esencia espiritual a través de la música, ha tocado los corazones de innumerables personas en todo el mundo.

 El álbum "Heart of the Universe" es un testimonio de la colaboración inspirada entre Peter Kater y Snatam Kaur. Cada pista es una invitación a sumergirse en la profundidad del ser y conectarse con la esencia misma del universo. Las melodías del piano de Kater se entrelazan perfectamente con la voz celestial de Kaur, creando un ambiente sereno que trasciende las barreras de lo terrenal.

  Cada composición en el álbum es como un portal hacia lo trascendental. Desde las suaves y etéreas notas del piano hasta las letras que tocan el corazón, "Heart of the Universe" es un viaje espiritual que invita a la reflexión, la curación y la expansión de la conciencia. Snatam Kaur, con su devoción y expresión auténtica, añade una dimensión única a la música de Peter Kater.

"Heart of the Universe" ha sido aclamado tanto por la crítica como por el público. La combinación de la destreza musical de Kater y la presencia espiritual de Kaur ha resonado profundamente en aquellos que buscan experiencias musicales que vayan más allá del entretenimiento superficial. 

 En este encuentro entre dos maestros, Peter Kater y Snatam Kaur, la música se convierte en un medio para explorar la esencia misma de la existencia. "Heart of the Universe" es un regalo para aquellos que buscan la conexión, la paz y la elevación espiritual a través de la música.

Heart of Universe fue editado en el año 2012 , el disco consta de ocho canciones , una de las más destacadas es la que da titulo al álbum Heart of Universe una canción que dura 8.50 minutos plenos de relax

Guido Negraszus - Sunset Surfer - Drifting Clouds

        

 

 Guido Negraszus, un pianista y teclista nacido en Alemania que se desempeña como compositor, músico, productor e ingeniero de audio, abarcando un impresionante espectro de habilidades musicales en una sola persona. Su carrera, que comenzó como artista de música electrónica, ha evolucionado hasta convertirse en el diseñador de sonido universal multigénero por excelencia. 

 Desde 1990, Guido ha dejado su huella en la escena musical con la publicación de 14 álbumes de estudio que abarcan diversos géneros, entre ellos Electrónica, Ambient, New Age, Meditación, Chill-out, Electro-ambient y música para Cine y TV. Su versatilidad musical ha sido clave para ganar el reconocimiento como uno de los artistas más talentosos y eclécticos en la industria. 

 Las composiciones de Guido son conocidas por su positividad y animación, ganándose una reputación como creador de música edificante, relajada y relajante. Con un enfoque distintivo en la creación de experiencias sonoras envolventes, ha cultivado un público global que busca su música para encontrar momentos de paz y tranquilidad .

 A lo largo de su carrera, Guido Negraszus ha vendido decenas de miles de álbumes y canciones, consolidándose como uno de los artistas independientes más exitosos del mundo. Su trilogía recopilatoria "Best of...", "Chillout Experience" es un testimonio de su brillantez musical. El Vol.1 (River of Dreams) ofrece su mejor música chill-out y ambiental, el Vol.2 (Journey of Joy) presenta sus composiciones más inspiradoras, mientras que el Vol.3 (Flying) permite a los oyentes escapar a un mundo de sueños y tranquilidad.

Su último álbum editado en 2024 titulado Sunset Surfer nos vuelve a mostrar el talento de Guido para crear relajantes atmosferas sonoras, hoy destacamos la canción Drifting Clouds

Wim Mertens - After Virtue - Humility

 

       

         Adaptacion del tema Humility con violín y violoncello 

      

 Wim Mertens, reconocido compositor y pianista belga, nos lleva a un viaje introspectivo a través de su álbum "After Virtue". Este disco, lanzado en [1988] lanzado después de su gran éxito con el disco The Belly of An Arquitect , Mertens nos ofrece un disco de corte radicalmente distinto ,  Mertens se centra en  las virtudes como fuente de inspiración.

 Las canciones clave, "Prudence", "Justice" y "Humility", exploran conceptos filosóficos a través de la magia de la música minimalista. 

 La canción "Prudence" nos envuelve con su delicadeza, transmitiendo la sabiduría cautelosa a través de las notas. Mertens teje una narrativa musical que invita a la reflexión, creando un espacio íntimo donde la prudencia se manifiesta en cada acorde.

En "Justice", Mertens utiliza su destreza pianística para expresar la equidad y la armonía. La música fluye como una balanza, capturando la esencia de la justicia a través de patrones melódicos que resuenan con el equilibrio necesario en la vida.

 "Humility" es una de las joyas de "After Virtue". Esta pista encapsula la filosofía musical de Mertens, donde la humildad se encuentra en la simplicidad de la expresión. Con una melodía aparentemente sencilla pero profundamente conmovedora, "Humility" ilustra la capacidad única de Mertens para comunicar emociones complejas a través de su música. La canción "Humility" es un testimonio de la habilidad única de Wim Mertens para transmitir emociones a través de las teclas del piano. Con un enfoque minimalista, la pieza se adentra en la esencia de la humildad, llevándonos a través de un viaje emocional. La melancolía y la serenidad se entrelazan en cada nota, creando un paisaje sonoro que invita a la reflexión. La simplicidad aparente de la composición se convierte en su fortaleza, permitiendo que la humildad resuene con una pureza que deja una impresión duradera.

 Mertens demuestra su maestría al crear una melodía que no solo es arrebatadora en su simplicidad, sino también profundamente conmovedora. "Humility" se convierte así en una pieza emblemática que captura la esencia de la virtud que lleva por título

Anthony Phillips - "Slow Dance"

 

      

      

 Cuando hablamos de la icónica banda de rock progresivo Genesis, es imposible no mencionar a Anthony Phillips, el talentoso músico y compositor que desempeñó un papel fundamental en los primeros años de la banda. Nacido el 23 de diciembre de 1951 en Inglaterra, Anthony Phillips fue uno de los miembros fundadores de Genesis junto con Peter Gabriel, Mike Rutherford, Tony Banks y Chris Stewart.

 Su papel como guitarrista principal y compositor en los primeros álbumes de la banda, como "From Genesis to Revelation" y "Trespass", contribuyó a dar forma al sonido distintivo de Genesis en sus primeros días. Sin embargo, su tiempo con Genesis fue efímero, abandonando la banda en 1970 debido a su miedo escénico y problemas de salud derivados de una neumonía. 

Aunque su salida dejó un vacío, su influencia perduró a través de los álbumes que lanzaron después. "Nursery Cryme", el primer álbum sin Phillips, aún lleva la marca de su creatividad en composiciones como "The Musical Box" y "The Fountain of Salmacis". Tras dejar Genesis, Phillips se sumergió en el estudio de la música clásica, perfeccionando su habilidad en la guitarra clásica y el piano. 

Su debut en solitario, "The Geese and the Ghost" (1977), demostró su versatilidad musical con baladas pastorales y composiciones de larga duración. Aunque el álbum no tuvo un éxito inmediato en la época del surgimiento del punk, ha alcanzado estatus de culto y se considera un clásico en la carrera de Phillips. Además de su trabajo en solitario, Anthony Phillips colaboró con diversos músicos, dejando su huella en grabaciones de artistas como Harry Williamson, Mike Rutherford, Phil Collins y Camel. 

 Su álbum "Slow Dance" (1990) es un testimonio brillante de la capacidad de Phillips para crear paisajes sonoros íntimos y reflexivos. Este disco, a pesar de no haber alcanzado la fama comercial, se erige como una joya escondida para los amantes de la música progresiva y experimental. Lo más notable de "Slow Dance" es la habilidad de Phillips para evocar emociones a través de la música instrumental. el disco consta de dos suites de más de 20 minutos cada una

 En lugar de buscar el estrellato, el álbum parece destinado a ser descubierto por oyentes que aprecian la sutileza y la profundidad. Phillips, conocido por su miedo escénico, no buscaba la atención masiva; más bien, creaba su arte para aquellos dispuestos a sumergirse en sus complejas composiciones. 

 Uno de los puntos culminantes del álbum es la pista que da nombre al disco, "Slow Dance". Esta pieza extensa y majestuosa captura la esencia de la melancolía y la reflexión. Con su uso magistral de guitarras y sintetizadores, Phillips teje un tapiz sonoro que invita a sumergirse en la belleza de su música .

Yanni - Tribute - "Nightingale"

 

  

         

     

 En el vibrante mundo de la música, a veces nos encontramos con obras que trascienden géneros, desafiando nuestras expectativas y llevándonos a lugares musicales inexplorados. Con este disco descubrí el talento de Yanni , por aquel entonces andaba inmerso en el mundo del rock progresivo cuando cayó en mis manos el disco Tribute que me abrió los ojos

 Este disco, caracterizado por su calidad extraordinaria, me reveló un talento musical impresionante, que me llevó hacia la música de Yanni . "Tribute" fue grabado en vivo en el Taj Mahal en Agra, India, y en la Ciudad Prohibida en Pekín, China, de marzo a mayo de 1997. Este enfoque no solo añadió una dimensión única a la música, sino que también sirvió como homenaje a la rica historia y cultura de la India y China.

 El álbum es una sinfonía de fusiones culturales, donde Yanni, el compositor y teclista griego, se une a una orquesta, vocalistas, coro y una variedad de instrumentos del mundo, que incluyen didgeridoo, duduk, charango y saxofón de bambú. La elección de estos instrumentos no solo enriquece la experiencia auditiva, sino que también rinde homenaje a la diversidad musical de las culturas representadas .

La elección de Armen Anassian como director, según Yanni, fue "por fe". Este gesto, aunque arriesgado, demostró ser una elección acertada. A pesar de las dudas iniciales, Anassian llevó la dirección de la orquesta con maestría, contribuyendo a la creación de una experiencia musical única.

"Tribute" no solo conquistó los corazones de los oyentes con su magia musical, sino que también logró un éxito destacado en las listas de Billboard en 1997. Alcanzó el puesto #1 en la lista "Mejor álbum New Age" y el puesto #21 en la lista "Billboard 200", consolidando la posición de Yanni como un innovador en el mundo de la música.

 Dentro del fascinante tapiz musical que es el álbum "Tribute" , destaca con particular resplandor la extraordinaria composición titulada "Nightingale". Esta joya musical no solo es un testimonio de la maestría de Yanni como compositor, sino también una amalgama perfecta de las diversas influencias que la majestuosidad del Taj Mahal aportó a esta obra maestra. La fusión de influencias en "Nightingale" es palpable. La melodía refleja la riqueza cultural de la India, con toques de música clásica india que se entrelazan armoniosamente con la habilidad innata de Yanni para la composición occidental. La atmósfera mística del Taj Mahal, con su historia impregnada de romanticismo, se convierte en una musa para Yanni, y esta inspiración se traduce en cada nota de "Nightingale".

Loreena Mckennitt - Sí Bheag, Sí Mhór / Wild Mountain Thyme (Medley / Live in Goderich, Ontario / 2023)

 

         

 En una noche memorable en Ontario ( todos los conciertos de Loreena Mckennitt  lo son ) , los asistentes fueron testigos de una actuación extraordinaria que fusionó dos joyas de la música tradicional irlandesa y escocesa. El escenario cobró vida con la interpretación en vivo de un cautivador medley que combinó las melodías mágicas de "Sí Bheag, Sí Mhór" y "Wild Mountain Thyme".

 La magia musical se desplegó cuando estas dos canciones atemporales se entrelazaron para crear una experiencia única y conmovedora.  La actuación comenzó con la delicada introducción de "Sí Bheag, Sí Mhór", transportando al público a la mitología irlandesa, donde los montículos de hadas guardan secretos antiguos. La habilidad del intérprete para capturar la esencia de esta melodía, originalmente atribuida al renombrado Turlough O'Carolan, resonó en cada nota, revelando la destreza musical y la conexión con la tradición. 

 La transición entre las dos composiciones fue fluida y natural, como si las melodías estuvieran destinadas a encontrarse. "Sí Bheag, Sí Mhór" dejó espacio para que "Wild Mountain Thyme" entrara en escena, llevando consigo la brisa fresca de las tierras altas escocesas. La audiencia se sumergió en la riqueza lírica de esta canción que celebra el amor y la naturaleza, creando un contraste perfecto con la melancolía inicial. 

 El medley destacó la habilidad del intérprete para tejer dos tradiciones musicales distintas en un tapiz armonioso. Las cuerdas vibraron con emotividad, y la voz, llena de expresión, llevó a la audiencia a un viaje sensorial a través de las colinas irlandesas y escocesas. La fusión de "Sí Bheag, Sí Mhór" y "Wild Mountain Thyme" creó una experiencia única que resonó en el corazón de todos los presentes. 

La actuación en vivo en Ontario no solo fue un concierto, sino un encuentro con la rica herencia musical celta. Este medley, que capturó la esencia de dos canciones icónicas, dejó un eco duradero en la memoria de aquellos que fueron afortunados de presenciarlo. Una vez más, la música demostró su poder para unir culturas, contar historias y crear momentos que perduran en el tiempo.

Mark Knopfler - Local Hero - Going Home

       

         

          

 Local Hero, la primera banda sonora publicada por el talentoso líder de Dire Straits, Mark Knopfler, se erige como una obra maestra musical que ha resistido el paso del tiempo. La película, dirigida por Bill Forsyth, encuentra en la música de Knopfler una compañera perfecta que no solo realza la narrativa cinematográfica, sino que también se ha convertido en un ícono musical por derecho propio. Mark Knopfler, conocido por su distintivo estilo de guitarra, aporta su genialidad musical a través de Local Hero, atrayendo a fanáticos de Dire Straits y ganándose el reconocimiento de la crítica. 

La pieza "Going Home", en particular, ha dejado una huella imborrable en la historia de la música. No solo se destaca como la joya de la corona de la banda sonora, sino que también ha encontrado su lugar como cierre habitual en los conciertos de Knopfler, demostrando su perdurable impacto y aprecio. 

 La banda sonora de Local Hero no solo fue bien recibida por los seguidores de Knopfler, sino que también fue honrada con el prestigioso premio Bafta, un reconocimiento británico que celebra la excelencia en la industria cinematográfica. Este galardón subraya la maestría con la que Knopfler y un grupo de músicos virtuosos ejecutaron una variedad de instrumentos, creando una obra rica y emocionante de principio a fin. 

 "Going Home" no solo es considerada una de las mejores composiciones de Mark Knopfler, sino que también se erige como una de las canciones más bellas jamás escritas. Su virtuosismo como guitarrista se despliega magistralmente en esta pieza, encapsulando la esencia de la película y trascendiendo las fronteras del cine para convertirse en una experiencia musical que perdura en la memoria de quienes la escuchan.

                      

Solas - The Words That Remain - A Chomaraigh Aolbhinn o

 

       

Solas, un grupo musical estadounidense formado en 1994, ha logrado una hazaña única al mezclar un amor y respeto sinceros por las tradiciones de la música irlandesa con una aventura melódica e instrumental que sugiere un enfoque claro hacia el futuro. Muchos críticos los consideran uno de los mejores grupos de folk celta trabajando en los Estados Unidos, e incluso algunos los han etiquetado como quizás la mejor banda tradicional irlandesa existente. 

 El cerebro detrás de Solas es el multi instrumentista Seamus Egan. Nacido en Pensilvania en 1969, Egan se trasladó a Irlanda con su familia a la edad de tres años y, poco después, comenzó a tomar lecciones de tin whistle. A los 14 años, regresó a los Estados Unidos, ya mostrando un talento precoz en tin whistle, flauta, banjo, mandolina y guitarra. A los 16 años, Egan lanzó su primer álbum, "Traditional Music of Ireland". Antes de cumplir 20 años, ya era un músico profesional experimentado, habiendo girado con artistas como Peter, Paul & Mary y Ralph Stanley, y colaborando con Vernon Reid en grabaciones. 

 Solas comenzó a tomar forma cuando Egan se unió a la violinista Winifred Horan (campeona de All-Ireland en su instrumento y bailarina de step irlandés premiada) y al talentoso guitarrista John Doyle. El trío comenzó a tocar en bares irlandeses en la ciudad de Nueva York y pronto se unió a dos almas afines más, el acordeonista John Williams y la vocalista Karan Casey. Nombrándose a sí mismos Solas, que significa luz en celta, el grupo realizó su primer espectáculo en Washington, D.C., en 1995, y en menos de un año recibieron una oferta de contrato discográfico de Shanachie, el sello que lanzó el primer álbum en solitario de Egan.

En 1996 lanzaron su disco The Words That Remain un disco lleno de talento compuesto por doce canciones que tienen de todo desde temas pletóricos y llenos de energía hasta canciones como A Chomaraigh Aolbhinn o , una canción excelsa plena de la  esencia más celta , interpretada maravillosamente por Karan Casey

 

David J. Peña - Zero Gravity

 

   

 David J. Peña, un talentoso baterista, compositor y multi instrumentista criado en Mission, TX, y ahora radicado en el área de Dallas/Fort Worth, ha tejido una carrera musical fascinante y diversa. Desde sus primeros días, la música ha sido una parte integral de su vida, influenciada tanto por la banda local que marchaba por su calle cuando era niño como por la rica herencia musical de su familia. Desde sus primeros días sentado en la acera, escuchando las melodías heroicas de la banda local, hasta el lanzamiento de su álbum debut, "The Time Has Come", David J. Peña ha demostrado una dedicación excepcional a su oficio. 

A lo largo de los años, ha evolucionado no solo como un hábil baterista y pianista, sino también como un talentoso compositor e intérprete versátil. Su proceso compositivo es único y revela su habilidad para crear paisajes sonoros evocadores. Inspirado por escenas ricas y emotivas en su mente, Peña compone principalmente al piano, utilizando este instrumento como un medio para dar vida a las bandas sonoras de su imaginación cinematográfica. 

Su capacidad para crear música que va más allá de los límites de un solo instrumento se destacó especialmente en su segundo álbum, "Pensando en Ti", donde colaboró con el compositor orquestal Judah Earl. La diversidad de la carrera musical de Peña es evidente en su exploración de géneros que incluyen el cristiano contemporáneo, el rock ligero y el instrumental New Age.

 Influenciado por grandes nombres como Jim Brickman, Yanni, James Horner y Hans Zimmer, Peña ha logrado destilar lo mejor de cada uno de ellos en su propio estilo distintivo. Su música no es simplemente una amalgama de influencias, sino un tapiz magistralmente tejido que muestra su maestría como artesano musical. 

 Zero Gravity , el disco editado por David J. Peña  en 2023 , es más que una colección de canciones; es un viaje cinematográfico a través de las emociones y escenas imaginarias que el compositor ha capturado y dado vida a lo largo de varios años. En este proyecto, Peña comparte su pasión por la música, no solo con amigos y familiares, sino con el mundo entero, con la esperanza de tocar los espíritus, cuerpos y almas de quienes lo escuchan. 

 Una de las joyas destacadas de Gravity Zero es la canción homónima que lleva a los oyentes a una experiencia flotante en el espacio. Peña comparte la inspiración detrás de esta composición, revelando que se sumergió en la escena del primer viaje de un astronauta al espacio. La canción busca capturar la sensación de asombro que experimenta el astronauta al encontrarse con la vastedad del cosmos, desafiando su comprensión del mundo. 

 La música de Zero Gravity pretende reflejar ese momento mágico cuando el astronauta, perdido en el espacio, se encuentra rodeado por millones de estrellas y galaxias, contemplando la Tierra desde una perspectiva celestial. La canción busca transmitir la sensación de asombro y admiración, capturando la magnífica creación de Dios desde lo más profundo del espacio. 

 El sonido de "Zero Gravity" es meticulosamente construido para evocar una sensación aireada y a la deriva, transportando a los oyentes a través de capas sonoras que recrean la experiencia única de estar suspendido en la ingravidez del cosmos. Es una obra maestra auditiva que invita a los oyentes a sumergirse en un viaje sensorial, experimentando las emociones y escenas que Peña ha tejido con habilidad en esta cautivadora composición.

George Winston - "Autumn Piano Solos"- Sea

 

    

   

¡George Winston, es uno de los pianistas más extraordinarios de todos los tiempos! Su habilidad para conjurar paisajes sonoros y evocar emociones a través de las teclas del piano es simplemente incomparable. 

Hoy quiero sumergirme en su magnífico álbum "Autumn Piano Solos", una obra maestra que ocupa un lugar especial en mi corazón como uno de mis pianistas favoritos. "Autumn Piano Solos" es un viaje auditivo por la estación del otoño, y George Winston lo hace con una maestría excepcional. Cada nota resuena con la calidez característica de su estilo, creando una experiencia musical que parece abrazar el alma. 

La destreza técnica de Winston se manifiesta en cada pieza, llevándonos a través de paisajes cubiertos de hojas y atmósferas llenas de nostalgia. En el corazón de este álbum se encuentra  maravillosas composiciones como  "Longing/Love" Colors/Dance , podría mencionar cada tema porque son una maravilla . Una obra que destila emociones profundas a través de las teclas del piano, capturando tanto el anhelo como el amor en una sinfonía única.

 La técnica de Winston brilla en esta pieza, fusionando elementos de folk, blues y jazz de una manera que solo él puede lograr. La calidez de las notas de George Winston se convierte en un abrazo musical que nos envuelve mientras exploramos las múltiples capas de su arte.

 Su habilidad para transmitir emociones a través de la música es asombrosa y "Autumn Piano Solos" es un testimonio de su genialidad. Este disco no solo celebra la temporada del otoño, sino que también rinde homenaje al genio creativo de George Winston. Cada pieza es una joya en sí misma, y cuando se combinan, crean un tapiz musical que teje magia y nostalgia. No es de sorprender que este álbum sea uno de mis tesoros musicales favoritos, con la capacidad de transportarme a lugares y momentos con solo presionar play.

Ya hemos traído alguna canción de este disco anteriormente hoy os propongo escuchar la pieza más corta del álbum titulada Sea donde Winston nos vuelve a demostrar su maravillosa  técnica jugando con los ritmos los tempos y los silencios como solo el sabía hacer

Capercaillie - Nadurra - Truth Calling

 

La banda escocesa Capercaillie, cuyo nombre se pronuncia "Kap-ir-kay-lee", ha dejado una marca distintiva en el mundo de la música al combinar las ricas tradiciones musicales de Escocia con la vibrante energía y la instrumentación electrónica de la música contemporánea. Fundada en los primeros años de la década de 1980, la banda ha experimentado una evolución constante, fusionando su pasado musical tradicional con elementos modernos, creando un sonido único y cautivador .

La chispa que encendió la creación de Capercaillie provino de la amistad entre Karen Matheson, nieta de la vocalista tradicional escocesa Elizabeth MacNeill, y el tecladista Donald Shaw, nacido en Inglaterra y criado en Escocia. Con Marc Duff, Joan MacLachlan, Shaun Craig y Martin MacLeod, la formación original de la banda se estableció. 

Su álbum debut, "Cascade", grabado en un frenético período de tres días, marcó el inicio de una travesía musical única. 

 A lo largo de los años, Capercaillie ha experimentado cambios en su formación, pero Matheson, Shaw y Duff han permanecido como pilares fundamentales. La llegada del violinista británico Charlie MacNeill en 1991 y del influyente bouzouki y guitarrista irlandés Manus Lunny en 1989 contribuyeron a consolidar la reputación de la banda como uno de los conjuntos más respetados de la música celta. 

 El éxito temprano llegó con la banda sonora encargada para la serie de televisión "The Blood Is Strong" en 1988, lo que estableció a Capercaillie en la escena musical. A medida que la banda exploraba nuevos horizontes, su cuarto álbum, "Sidewaulk", marcó el comienzo de la incorporación de letras en inglés. Sin embargo, fue con el quinto álbum, "Delirium" (1991), que alcanzaron su cima creativa, fusionando de manera innovadora influencias tradicionales y modernas. 

 A pesar de los elogios, Capercaillie atravesó cambios críticos en la década de 1990. Los álbumes "Secret People" (1993) y "Capercaillie" (1994) fueron criticados por un sonido percibido como demasiado comercial. Sin embargo, la banda se recuperó con la banda sonora de "Rob Roy" en 1995 y los notables álbumes "To the Moon" (1996) y "Beautiful Wasteland" (1997). 

 En el año 2000, Capercaillie lanzó "Nadurra", consolidando su reputación como maestros de la fusión musical. Continuaron cautivando a audiencias con su habilidad para combinar lo antiguo y lo nuevo, creando un legado musical que trasciende fronteras y épocas.

Nadurra es un disco que consta de doce canciones algunas de ellas de bastante calidad , aún sin ser uno de sus mejores discos no le va a la zaga a ninguno de ellos , el disco contiene canciones tan bellas como el tema Truth Calling una balada celta de gran belleza donde resalta la excelsa voz de Karen Matheson 

Rodrigo Leao - Cinema

 

       

Rodrigo Leão, el talentoso compositor y músico portugués, ha dejado su sello personal en el mundo de la música a lo largo de su carrera. Su álbum "Cinema", lanzado en 2004, es un testimonio de su habilidad para fusionar elementos cinematográficos y musicales, creando paisajes sonoros evocadores que transportan a los oyentes a un mundo de emociones. 

 El álbum "Cinema" de Rodrigo Leão es una experiencia auditiva única que fusiona la música clásica, la electrónica , minimalista y la ambientación cinematográfica. Cada pista cuenta una historia propia, construyendo un viaje emocional que va desde la melancolía hasta la esperanza. 

La capacidad de Leão para crear melodías conmovedoras y envolventes demuestra su destreza en la composición musical. 

  Dentro de este magistral álbum, la pista homónima "Cinema" se destaca como un ejemplo brillante de la capacidad de Rodrigo Leão para evocar imágenes y emociones a través de su música. La canción captura la esencia del cine, con sus cambios de tono que sugieren diferentes escenas y momentos cinematográficos. Es un viaje musical que invita a la reflexión y la imaginación. 

Otro de los puntos fuertes del disco es la colaboración entres canciones de Beth Gibbons, la vocalista de Portishead, y Ryuichi Sakamoto, el renombrado compositor japonés, es un fascinante cruce de talentos que resultó en una contribución excepcional al mundo de la música. 

"Cinema" de Rodrigo Leão como la colaboración entre Beth Gibbons y Ryuichi Sakamoto son testamentos de la capacidad de la música para trascender fronteras y crear experiencias emotivas y visuales. Estos artistas han dejado una huella duradera en la escena musical, recordándonos que la verdadera magia de la música radica en su capacidad para evocar emociones y transportarnos a lugares y momentos inolvidables.

"Cinema" comienza con una delicadeza que rápidamente se transforma en una sinfonía envolvente. Las notas fluyen con una gracia cinematográfica, llevando a los oyentes por un paisaje sonoro que sugiere imágenes, escenarios y emociones.

 Rodrigo Leão, conocido por su habilidad para mezclar géneros musicales, fusiona elementos clásicos y contemporáneos para crear una experiencia auditiva única. "Cinema" destaca por la habilidad de Rodrigo Leão para comunicar sin palabras. A través de la instrumentación, logra transmitir una amplia gama de sentimientos, desde la melancolía hasta la esperanza. Los cuerdas, vientos y teclados se entrelazan magistralmente, creando una paleta sonora que pinta imágenes emocionales en la mente del oyente.

Dan Gibson's - "Illumination: Peaceful Gregorian Chants"

 

       

 Dan Gibson's fue un músico y productor canadiense nacido el 19 de enero de 1922 y fallecido el 18 de marzo de 2006. A lo largo de su vida, Gibson dejó una marca única en el mundo de la música, destacándose por su innovador enfoque en la fusión de la música y los sonidos de la naturaleza. 

 Gibson fundó la compañía Solitudes en 1981, la cual se especializó en la creación de álbumes que combinaban composiciones musicales relajantes con grabaciones auténticas de sonidos naturales. Su visión era llevar a los oyentes a un viaje auditivo que les permitiera conectarse con la tranquilidad y la belleza del entorno natural.

"Solitudes: Exploring Nature with Music", abarcó una amplia gama de escenarios naturales, desde bosques y arroyos hasta selvas tropicales y océanos. Las melodías suaves y armoniosas se entrelazaban con cantos de pájaros, susurros de hojas y el murmullo de arroyos, creando una experiencia auditiva única que transportaba a los oyentes a entornos serenos y contemplativos. 

 Gibson también destacó en la producción de música relajante y meditativa, con álbumes como "Pachelbel in the Garden" y "Celtic Awakening" así como su serie de discos Solitudes. 

Su habilidad para combinar la música con sonidos naturales no solo resonó entre los amantes de la música ambiental, sino también entre aquellos que buscaban una pausa tranquila en sus vidas ocupadas. 

 el álbum "Illumination: Peaceful Gregorian Chants" de Dan Gibson's se destaca como una obra maestra que lleva a los oyentes a una experiencia de tranquilidad y reflexión. Uno de los puntos culminantes de este álbum es la magnífica interpretación de "Pange Lingua Gloriosi", una canción que ha resonado a lo largo del tiempo en la tradición litúrgica. 

 "Pange Lingua Gloriosi" es un himno litúrgico tradicional que se ha cantado durante siglos en la Iglesia Católica. La letra, atribuida a Santo Tomás de Aquino, celebra la grandeza del Cuerpo y la Sangre de Cristo en la Eucaristía. La música, con sus tonos solemnes y reverentes, crea una atmósfera que invita a la contemplación espiritual. 

 Dan Gibson lleva esta antigua pieza a nuevas alturas. Su enfoque en los cantos gregorianos, caracterizados por sus melodías monofónicas y armoniosas, infunde a la canción una serenidad única. La selección cuidadosa de tonos y la ejecución precisa de los coros dan como resultado una experiencia auditiva que trasciende lo mundano y guía a los oyentes hacia un espacio de paz interior. 

  El álbum en su conjunto es un viaje musical y espiritual que combina la riqueza de la tradición gregoriana con la maestría de la producción moderna. Dan Gibson, conocido por su habilidad para fusionar la música con sonidos de la naturaleza, crea un ambiente donde la música antigua y la espiritualidad contemporánea se encuentran en armonía.

La interpretación de "Pange Lingua Gloriosi" en este álbum no solo rinde homenaje a la rica herencia de la música litúrgica, sino que también deja una impresión duradera en aquellos que buscan momentos de paz y reflexión en medio del bullicio diario. La canción sirve como un recordatorio de la capacidad de la música para tocar nuestras almas y elevar nuestros espíritus.

Michael McGoldrick - ARC - "Angel Meadow"

 

       

Nacido en 1971 en Manchester, Reino Unido, de padres irlandeses, Michael McGoldrick es una figura icónica en el mundo de la música celta. Su virtuosismo con la flauta y la flauta irlandesa grave, así como su maestría en la gaita irlandesa, lo han consolidado como uno de los mejores flautistas vivientes en el campo de la música irlandesa.

 Desde temprana edad, McGoldrick mostró un talento extraordinario, convirtiéndose en miembro fundador de los Toss the Feathers mientras aún estaba en la escuela. Su habilidad excepcional no pasó desapercibida, y en 1994, recibió el prestigioso premio de la BBC a la Tradición Joven. Su contribución al mundo de la música celta fue nuevamente reconocida en 2001, cuando fue galardonado como Instrumentista del Año en los premios de folclore de la BBC Radio 

 McGoldrick ha navegado por diversas bandas, dejando su huella sonora única en cada una. Fue miembro fundador de Fluke! (posteriormente renombrada Flook) en 1995, junto con Brian Finnegan y Sarah Allen. Su participación en los dos primeros álbumes de Lúnasa marcó otro hito en su carrera, demostrando su versatilidad musical. 

La versatilidad de McGoldrick como músico lo ha convertido en un colaborador codiciado. Ha tocado para el Afro-Celt Sound System, la banda de Kate Rusby y, desde 1997, ha sido un miembro integral de Capercaillie, llevando su destreza a nuevas alturas en cada colaboración. 

 El impacto de McGoldrick en la música celta no se limita solo a colaboraciones. Fundó su propia banda, la "Banda de Michael McGoldrick", consolidando su visión artística única. Su habilidad para fusionar la tradición con la innovación le ha valido el respeto de la comunidad musical y de aficionados. 

Más allá de los escenarios y estudios de grabación, McGoldrick comparte su conocimiento a través de talleres de flauta/flauta irlandesa en eventos como el Festival Folclórico de Cambridge y la gira de conciertos "Flutopía" de Folworks. 

En el año 2018, el talentoso músico Michael McGoldrick nos invitó a explorar un capítulo excepcional de su travesía musical con su álbum "ARC". Este trabajo, lleno de todas las influencias que ha acumulado a lo largo de su vida, se convierte en un testimonio sonoro de su evolución como artista. 

 "ARC" no es simplemente un álbum; es un relato musical de las experiencias y aprendizajes de McGoldrick a lo largo de dos décadas. Cada pista es un pincelazo en el lienzo de su vida musical, revelando una progresión que ha sido su firma a lo largo de los años. 

  El disco está impregnado de contrastes, una mezcla de ritmos frenéticos y hermosas melodías de corte celta. Estos contrastes no son solo experimentos musicales, sino expresiones de la diversidad que McGoldrick ha abrazado en su camino. La capacidad de fusionar lo enérgico con lo melódico refleja la riqueza de su creatividad.

  Dentro de este collage musical, "Angel Meadow" destaca como un faro de encanto. Aquí, la flauta de McGoldrick se convierte en una narradora principal, tejiendo un hechizo melódico que nos transporta a un lugar de serenidad y belleza. Es una muestra magistral de su habilidad para comunicarse con el alma a través de su instrumento.

 En las palabras de McGoldrick, el álbum representa una búsqueda consciente de algo diferente, un intento de encapsular todas sus experiencias en una obra única. Es una declaración de independencia artística, tanto en el proceso de escritura como en la grabación, desafiando las convenciones establecidas y creando algo que resuena con su singularidad.