Benjamin Richter - Memory Lane - Don't Let Me Down

 

 

 Benjamin Richter es un talentoso pianista y compositor alemán que ha logrado llamar la atención de la crítica y el público con su estilo musical único y su enfoque multidimensional en la música. Su carrera ha sido un viaje emocionante y ha dejado una marca indeleble en la escena musical contemporánea. 

 Nacido en Alemania en 1981, Benjamin Richter mostró un interés temprano por la música. Se formó en el piano clásico, pero su carrera se ha caracterizado por desafiar las convenciones musicales. Richter se destacó en su formación en la Universidad de las Artes de Berlín y en la Universidad de Música y Teatro "Felix Mendelssohn Bartholdy" de Leipzig. Su estilo ecléctico y su habilidad para fusionar elementos de la música clásica, electrónica y experimental lo han convertido en una figura influyente en la escena musical contemporánea. 

 La música de Benjamin Richter se caracteriza por su fusión única de géneros. Combina el lenguaje clásico del piano con elementos electrónicos y experimentales para crear paisajes sonoros que desafían las barreras tradicionales de género. Su enfoque multidisciplinario le ha permitido explorar una amplia gama de sonidos, desde composiciones clásicas hasta paisajes sonoros etéreos y vanguardistas. 

 Su discografía presenta discos interesantes como  Memory Lane (2019): Un trabajo que combina elementos de nostalgia y modernidad, llevando a los oyentes a un viaje a través del tiempo. 

Dentro de este disco podemos destacar varias composiciones como Faded , In the Shadows

y la canción que traigo hoy Dont Let me Down , una canción que presenta diferentes alternativas empezando con un ritmo pausado para luego ir incrementando hasta coger un ritmo más vivo y juguetón , creando una alegre y bonita melodía

Benjamin Richter está dejando un sello personal  en la música contemporánea al desafiar las expectativas y las normas convencionales. Su habilidad para combinar la riqueza de la tradición clásica con la innovación electrónica ha resonado con una audiencia diversa y ha ampliado el alcance de la música clásica en el mundo moderno. Su enfoque artístico transgresor ha sido reconocido por su influencia en la evolución de la música contemporánea.

Greg Maroney -Forever - Round and Round

 

Greg Maroney es un pianista y compositor de renombre en el mundo de la música contemporánea para piano. Nacido en 1962 en Pensilvania, Estados Unidos, Maroney comenzó a tocar el piano a una edad temprana y mostró un talento innato para la música. Su formación musical incluye estudios en la Universidad de Virginia Occidental y una influencia diversa de géneros musicales, desde el jazz hasta la música clásica.

El estilo musical de Greg Maroney se caracteriza por su emotividad y su capacidad para contar historias a través de las notas del piano. Su música combina elementos de la música clásica, y el minimalismo, creando paisajes sonoros ricos en textura y profundidad emocional. Sus composiciones a menudo evocan una sensación de calma, introspección y belleza.  A lo largo de su carrera, Greg Maroney ha lanzado numerosos álbumes aclamados por la crítica. Algunos de sus álbumes más destacados incluyen: Songs of the Water Rose (2003) Wind Chimes (2005) Harmony Grove (2008) Secret Smile (2011) Quiet Piano Improvisations, Vol. 1 (2015) "Forever" (2020): 

Uno de los discos más notables de Greg Maroney es "Forever," lanzado en 2020. Este álbum se destaca por su belleza y profundidad emocional. Las piezas en "Forever" son una amalgama de melodías suaves y conmovedoras que llevan a los oyentes a un viaje de contemplación y reflexión. 

Las composiciones en este álbum muestran la madurez artística de Maroney y su habilidad para transmitir emociones complejas a través de las teclas del piano.

 "Round and Round" es una de las composiciones más queridas de Greg Maroney. Esta canción es una muestra de su habilidad para crear música que se adhiere a la memoria y que toca el corazón de quienes la escuchan. "Round and Round" es una pieza emotiva que se adhiere a la mente del oyente con su hermosa melodía y ejecución magistral.

Kostia - "Suite St. Petersburg: A Piano Portrait" - Sunrise

 

 

 El pianista y compositor de new age Kostia ha lanzado varios álbumes en solitario hasta la fecha, además de trabajar como arreglista en grabaciones de otros artistas. Nacido como Konstantin Efimov en San Petersburgo, Rusia, Kostia fue criado por su abuela mientras sus padres trabajaban en Alemania del Este.

 Kostia desarrolló un interés por la música a la edad de cuatro años, cuando sus padres le regalaron un piano vertical Wolkenhauer de 1937. Con el tiempo, Kostia comenzó a estudiar formalmente el instrumento con la ayuda de dos profesores y más tarde se matriculó en el Conservatorio Rimsky/Korsakov.

 El pianista se presentó en toda Europa del Este y Escandinavia antes de mudarse a Estados Unidos a finales de los años 80. Poco después, Kostia firmó con el sello discográfico Narada y lanzó álbumes en solitario como "Suite St. Petersburg: A Piano Portrait" en 1994 y "10 Pebbles" en 1996. En 1999, Kostia publicó un tributo de diez pistas al maestro del pop Elton John, titulado "Kostia's Interpretations of Elton John," a través del sello World Disc. Además, Kostia ha colaborado en la elaboración de arreglos musicales para otros artistas del sello Narada, También prestó sus habilidades al piano para el álbum en solitario de [Daryl Stuermer], miembro de gira la banda Genesis, "Another Side of Genesis" lanzado en 2000. Esta carrera diversa y colaborativa ha convertido a Kostia en una figura influyente en la música new age y en el mundo de la composición musical.

El disco "Suite St. Petersburg: A Piano Portrait" fue editado bajo el sello Narada en el año 1994 , el disco se compone de 9 canciones de piano donde Kostia demuestra su talento tanto en la ejecución como en la composición , este es un disco hecho para los amantes de piano sofisticado con un estilo clásico con toques contemporáneos , en el disco destacan canciones como First Touch , y Sunrise la canción que traigo  hoy al blog , esta canción es una delicatesen para los amantes de la música de piano

Suzanne Ciani -Silver Ship - Sargasso Sea

 

 

                               

 Suzanne Ciani es una pionera de la música electrónica y una de las primeras artistas en utilizar sintetizadores modulares en sus composiciones. Su música se caracteriza por sus melodías envolventes, sus texturas exuberantes y sus atmósferas hipnóticas.

 "Silver Ship" es un álbum significativo en la carrera de Suzanne Ciani, que marca su regreso a la música con material nuevo después de un largo período. Este álbum editado en 2005 se distingue por su enfoque en la música ligera y alegre que crea una atmósfera de paz y serenidad. 

Ciani se rodea de talentosos músicos, tales como Paul McCandless, Matt Eakle, Teja Bell y Michael Manring, quienes aportan una variedad de instrumentos a las pistas del álbum.

 A pesar de que "Silver Ship" no es tan experimental como otros trabajos anteriores de Ciani, muestra su madurez artística y su amor por la música.

 La influencia de sus raíces clásicas se mezcla con su profunda conexión con la música electrónica y su aprecio por el océano. 

 El álbum presenta una amplia variedad de pistas, desde orquestaciones completas y exuberantes hasta piezas más simples pero conmovedoras.

 Destaca "Sargasso Sea", un hermoso dúo de piano y violonchelo que es particularmente emotivo. También se destacan piezas como "Snow Crystals" y "Wine Dark Sea", que fusionan la acústica y la electrónica de manera efectiva.

 Además, "Silver Ship" ofrece una gama de emociones, desde la alegría en "Capri" hasta la oscuridad y el misterio  en "Eclipse." 

 En resumen, "Silver Ship" representa el regreso de Suzanne Ciani a la música con una obra que muestra su versatilidad y su habilidad para crear música evocadora y emotiva. Es un álbum que vale la pena explorar, tanto por su belleza musical como por su importancia en la trayectoria de esta talentosa artista.

Escuchar a Suzanne Ciani siempre es una acción placentera , la delicadeza de su música no tiene parangón en la música actual , pocos artistas tiene su talento para componer obras emocionantes , lastima que últimamente se nos haya pasado a una música más experimental donde pierde todo su atractivo

Mary Chapin Carpenter - Songs from The Movie - On And On It Goes

 

 

Mary Chapin Carpenter es una destacada cantautora y músico estadounidense que ha tenido una influyente trayectoria musical a lo largo de las décadas. A lo largo de su carrera, ha experimentado varios cambios en su estilo musical que han contribuido a su evolución como artista. 

 Mary Chapin Carpenter lanzó su álbum debut "Hometown Girl" en 1987, que presentaba un sonido country-folk tradicional. Aunque no obtuvo un gran éxito comercial, estableció su presencia en la escena musical. 

Uno de los momentos clave en su carrera fue el álbum "Come On, Come On" en 1992, que incluía canciones exitosas como "I Feel Lucky" y "Passionate Kisses". Este álbum marcó un cambio hacia un sonido más contemporáneo y pop-country, lo que la llevó al estrellato. 

  Durante el período (1994-1999) , Carpenter comenzó a explorar un sonido más orientado al folk-rock. Su álbum "Stones in the Road" (1994) incluyó canciones más introspectivas y líricas profundas. A lo largo de esta etapa, su música se volvió más madura y reflexiva. 

 A mediados de la década de 2000, Carpenter regresó a sus raíces country con álbumes como "Between Here and Gone" (2004) y "The Calling" (2007). Estos álbumes volvieron a centrarse en un sonido más tradicional de country-folk. 

 Exploración del Bluegrass (2010-2014): Mary Chapin Carpenter se aventuró en el bluegrass con su álbum "Ashes and Roses" en 2012. Este disco mostró una influencia más fuerte de este género y se destacó por sus letras emotivas.

 En sus trabajos más recientes, Carpenter ha vuelto a abrazar su estilo folk con álbumes como "Sometimes Just the Sky" (2018). Su música en esta etapa se caracteriza por la introspección y la narración de historias. 

 A lo largo de su carrera, Mary Chapin Carpenter ha sido conocida por sus letras poéticas y emotivas que tratan temas profundos como el amor, la pérdida y la vida cotidiana. Su habilidad para evolucionar y adaptar su estilo musical a lo largo de los años la ha mantenido relevante en la industria de la música y ha atraído a una amplia audiencia de seguidores leales. 

 Songs from the Movie es el decimotercer álbum de estudio de la cantautora estadounidense Mary Chapin Carpenter, lanzado el 25 de enero de 2014 por Zoë Records. El álbum es una regrabación orquestal de sus canciones, guiada por el compositor estadounidense Vince Mendoza. Ha recibido críticas positivas de los críticos.

 Carpenter siempre ha sido una gran admiradora de la música cinematográfica, y durante mucho tiempo había querido grabar un álbum de sus canciones arregladas para orquesta. Cuando conoció a Mendoza, supo que había encontrado al colaborador perfecto para hacer realidad su sueño. Mendoza es un compositor y arreglista ganador de varios premios Grammy, conocido por su trabajo con artistas como Sting, Diana Krall y Elvis Costello. Para Songs from the Movie, Mendoza arregló diez de las canciones más populares de Carpenter, incluyendo "On and On It Goes", "I Am a Town", "Come On Come On" y "Goodnight America". 

 El álbum fue grabado en los legendarios AIR Studios de Londres con una orquesta de 63 piezas y un coro de 15 voces. Carpenter quedó encantada con el resultado final. "Es asombroso escuchar mis canciones de esta manera", dijo. "Vince ha creado un sonido que es a la vez familiar y completamente nuevo". 

 Songs from the Movie es un álbum hermoso y evocador que muestra la versatilidad de la música de Carpenter. Las nuevas orquestaciones de Mendoza añaden una nueva dimensión a las canciones, y la interpretación de Carpenter es más emotiva que nunca. Una de las canciones más destacadas del álbum es : "On and On It Goes"  una canción conmovedora sobre el paso del tiempo y la inevitabilidad de la muerte. La orquesta le da a la canción un aire de majestuosidad y elegancia.

         

Ray Lynch - "Deep Breakfast," - "Rhythm in the Pews,"

 

           

Ray Lynch es un músico estadounidense conocido por su destacada contribución al género de la música new age. Nacido el 3 de julio de 1943 en Illinois, Ray Lynch ha dejado una huella significativa en el mundo de la música a lo largo de su carrera. Su estilo musical único y su enfoque en la música ambiental y relajante lo han convertido en un nombre de renombre en la escena de la new age. 

 A lo largo de su carrera, Ray Lynch ha lanzado varios álbumes notables que han resonado con un público apasionado. Uno de sus trabajos más icónicos es el álbum "Deep Breakfast," lanzado en 1984. Este álbum es un ejemplo sobresaliente de la habilidad de Lynch para combinar elementos electrónicos con sonidos orgánicos, creando música que puede evocar una sensación de calma y contemplación.

 "Deep Breakfast" es especialmente conocido por su uso creativo de sintetizadores y su habilidad para crear paisajes sonoros que transportan a los oyentes a un estado de relajación y asombro. Las melodías suaves y las texturas atmosféricas hacen que este álbum sea una experiencia auditiva única. 

 La música de Ray Lynch se caracteriza por su capacidad para transmitir narrativas y emociones sin palabras. Sus composiciones son como historias musicales que invitan a los oyentes a explorar su imaginación y a conectarse con un sentido de paz interior.

 Una de las pistas más destacadas de este álbum es "Rhythm in the Pews," una composición que captura la esencia del talento musical y la creatividad de Lynch.

 "Rhythm in the Pews" es una pista que te transporta a un mundo de serenidad y contemplación desde el primer acorde. La música comienza con una melodía suave y envolvente que se desarrolla con elegancia a medida que avanza. La habilidad de Ray Lynch para crear paisajes sonoros únicos se destaca en esta pista, lo que hace que sea una experiencia auditiva única y evocadora. 

Cuando escuchas esta canción por primera vez te hace fluctuar por las diferentes texturas y capas musicales , es una de esas canciones que se podrían escuchar sin fin 

 La combinación de sintetizadores y elementos orgánicos se fusiona de manera magistral, creando una sensación de armonía y equilibrio en la composición.

                                     

Nightnoise - Pure Nightnoise - Night in That Land

                     Nightnoise Un Viaje por la tradición Celta

       

 Nightnoise fue un grupo musical cuya música es a menudo descrita como una fusión de géneros, incluyendo el folk, el jazz y la música celta. 

La banda se formó en 1984 y estuvo activa durante casi dos décadas, hasta su disolución en 2003.

 Uno de sus temas más atractivos  es "Night in That Land", que forma parte de su álbum

 " Pure Nightnoise " lanzado en 1984 , el álbum recoge parte de las canciones destacadas del grupo .

 La música de Nightnoise es conocida por su belleza, su riqueza melódica y su capacidad para evocar una amplia gama de emociones. La banda estaba formada por músicos talentosos, incluyendo a Mícheál Ó Domhnaill (guitarra y voz), Tríona Ní Dhomhnaill (teclados y voz), Johnny Cunningham (violín), y otros músicos destacados a lo largo de los años.

 "Night in That Land" es una de las canciones más icónicas de la banda. Esta canción es un hermoso ejemplo de la habilidad de Nightnoise para combinar elementos de la música tradicional irlandesa y escocesa con influencias contemporáneas. 

La canción "Night in That Land" es una balada tradicional que utiliza una variedad de instrumentos celtas, como el violín, el acordeón y la flauta. La canción tiene un ritmo lento y suave, que crea una atmósfera de ensueño.

La melodía cautivadora y la interpretación apasionada de los músicos crean una experiencia auditiva única. , hacen que "Night in That Land" sea una de las canciones más queridas del repertorio de Nightnoise. 

Aunque la banda ya no está activa, su música sigue siendo apreciada por amantes de la música de todo el mundo y continúa inspirando a nuevos oyentes. Si aún no has tenido la oportunidad de escuchar "Night in That Land" de Nightnoise, te recomiendo que lo hagas para experimentar la belleza de su música y la magia de su fusión de estilos musicales. 

Javier Paxariño - Dialogos con la música - Pangea

 

          "Diálogos con la Música" - Una Ventana a las Nuevas Músicas en España   

       

 En la memoria colectiva de las Nuevas Músicas en España, hay un nombre que resuena como un eco legendario: "Diálogos 3", un programa de la icónica Radio 3 que trascendió sus buenas intenciones para convertirse en un faro para todos aquellos que buscábamos las nuevas músicas , que desconocíamos hasta la fecha siempre bajo la consigna de una calidad brutal , El locutor  siempre nos decía al acabar el programa " busca la belleza es lo único que merece la pena en este asqueroso mundo "

Este programa fue liderado por una de las personalidades más carismáticas del periodismo musical y deportivo español, el donostiarra Ramón Trecet,

 Gracias a  Ramón Trecet logramos descubrir esas músicas maravillosas que desconocíamos hasta entonces 

 El álbum "Diálogos con la Música," es una recopilación de muchas de las canciones que sonaban en su programa". 

 El álbum presenta una selección diversa de canciones, incluyendo  artistas como Clannad, Capercaillie, Suzanne Cianni ,  Nightnoise , Yanni y muchos otros más . 

 El disco también incluye contribuciones de artistas españoles como Javier Paxariño con "Pangea" y Alberto Iglesias con Cautiva  . 

También es de destacar la interpretación de "Brian Boru's March" por el flautista irlandés James Galway, una canción que se convirtió en un emblema del programa. 

 Este álbum es una pequeña biblia de las Nuevas Músicas, un verdadero oasis de calidad en el vasto mundo de la música, seleccionado con pasión y dedicación por Ramón Trecet.

La canción que destacamos hoy es la magnifica Pangea del artista Javier Paxariño una canción donde combina elementos de música folk , world music y la música clásica , una autentica experiencia sonora al alcance de muy pocos

David Arkenstone - Spirit Wind

                         David Arkenstone y la Emocionante Aventura de "Spirit Wind"

         

 David Arkenstone, el virtuoso músico y compositor estadounidense, ha dejado una marca indeleble en el mundo de la música instrumental y la new age. Su capacidad para transportar a los oyentes a través de paisajes sonoros emotivos y evocativos es evidente en su cautivante composición "Spirit Wind."

 David Arkenstone es conocido por su habilidad para mezclar diversos géneros musicales en una amalgama única. A lo largo de su carrera, ha fusionado elementos de la música celta, nueva era, rock, y world music, creando una experiencia auditiva rica y diversa.

Spirit Wind es una canción que se encuentra dentro del álbum del mismo nombre editado en 1997 , un disco con un marcado toque étnico

 "Spirit Wind" es un reflejo perfecto de esta diversidad musical. Esta canción es un viaje musical que te transporta a un mundo de belleza y misterio. Comienza con suaves notas de flauta y piano, creando una atmósfera serena que evoca imágenes de vastas praderas y paisajes naturales. A medida que la melodía avanza, se incorporan instrumentos como la guitarra acústica y el violín, añadiendo capas de emoción y energía.. La canción te envuelve en una sensación de libertad y aventura, como si estuvieras cabalgando a lomos de un caballo por un terreno salvaje y hermoso. 

La música de Arkenstone tiene el poder de contar historias sin palabras, y "Spirit Wind" es una narración que invita a soñar despierto. 

 La música de David Arkenstone, y en particular "Spirit Wind," demuestra la capacidad de la música instrumental para tocar las emociones de manera profunda. Sin necesidad de letras, esta pieza logra comunicar sentimientos de esperanza, aventura y la magia de la naturaleza. 

 La creación de Arkenstone es un recordatorio de la importancia de la música como un lenguaje universal que trasciende barreras culturales y lingüísticas. "Spirit Wind" es una obra que nos lleva a un lugar donde la imaginación y la emoción se fusionan, un lugar donde podemos encontrar paz y asombro en medio del caos del mundo moderno.

Andreas Vollenweider - Cosmopoly - At the Forest Fountain

 

Andreas Vollenweider, nacido el 4 de octubre de 1953 en Zurich, Suiza, es un músico conocido por su habilidad para fusionar géneros musicales y crear paisajes sonoros únicos. Comenzó su carrera musical en la década de 1970, experimentando con diferentes instrumentos y técnicas de grabación. Sin embargo, fue su invención del arpa eléctrica y su enfoque en la música new age y world music lo que lo llevó a la prominencia en la escena musical. 

 Vollenweider es reconocido por su capacidad para crear atmósferas etéreas y relajantes, a menudo combinando elementos electrónicos con melodías influenciadas por la música folclórica y étnica. A lo largo de su carrera, ha lanzado una serie de álbumes aclamados, cada uno explorando diferentes facetas de su enfoque musical distintivo. En 1999, 

Andreas Vollenweider lanzó su álbum "Cosmopoly", que fue un regreso a su enfoque de la improvisación libre y los diálogos musicales íntimos. Para el álbum, Vollenweider invitó a una serie de artistas de todo el mundo, incluidos Bobby McFerrin, Milton Nascimento, Abdullah Ibrahim, Djivan Gasparyan, Carlos Núñez, Carly Simon y Ray Anderson. 

 En 2000, Vollenweider llevó el proyecto "Cosmopoly" de gira por Europa y los Estados Unidos. La configuración de la banda cambió constantemente, reflejando el concepto abierto del álbum. En Nueva York, Vollenweider tocó dos conciertos con Carly Simon, Mind Jostyn, Carlos Núñez, Djivan Gasparyan, Xiaojing Wang y Walter Keiser. 

En Brasil, dio conciertos acompañado por Milton Nascimento y el compositor y pianista Wagner Tiso. La gira "Cosmopoly" fue un éxito, y el álbum fue nominado al Grammy al mejor álbum de new age. El álbum fue un punto culminante en la carrera de Vollenweider, y demostró su versatilidad como compositor y músico.

 Una de las gemas " hay unas cuantas " de "Cosmopoly" es la colaboración de Andreas Vollenweider con el talentoso músico gallego Carlos Núñez ,  acompañado también por Kepa Junquera en la canción "At the Forest Fountain". 

Carlos Núñez es conocido por su virtuosismo en la gaita gallega y su capacidad para mezclar tradiciones celtas y músicas del mundo. En "At the Forest Fountain", Vollenweider y Núñez logran una fusión mágica de las arpas eléctricas de Vollenweider con la melódica y emotiva gaita de Núñez y sus flautas .

Mary Black - "Twenty Five Years - Twenty Five Songs" - "No Frontiers"

                           

 

El álbum "Twenty Five Years - Twenty Five Songs" de Mary Black es una colección de sus éxitos más destacados que celebra su carrera musical excepcional. Mary Black es una cantante irlandesa de renombre que ha cautivado a audiencias de todo el mundo con su voz conmovedora y su compromiso con la música tradicional irlandesa y contemporánea. Este álbum conmemora su cuarto de siglo en la industria musical y destaca su legado como una de las figuras más influyentes de la música celta. 

 Este disco es una joya musical que presenta una selección de canciones que abarcan diversas etapas de la carrera de Mary Black. Desde sus interpretaciones de baladas tradicionales irlandesas hasta sus colaboraciones con compositores contemporáneos, 

cada pista en "Twenty Five Years - Twenty Five Songs" es un testimonio de su versatilidad y su habilidad para emocionar a través de la música. 

 Canciones como "No Frontiers" se destacan en este álbum por su belleza lírica y la interpretación conmovedora de Mary Black. 

 "No Frontiers" es una de las canciones más icónicas de Mary Black, conocida por su emotiva letra y la interpretación apasionada de la artista. La canción, escrita por Jimmy MacCarthy, captura la esencia de la música celta con sus temas de amor, distancia y la promesa de que no hay fronteras que puedan separar a dos corazones enamorados. 

 La voz distintiva de Mary Black da vida a la letra, transmitiendo la profunda emoción y la conexión universal que la canción evoca. 

"No Frontiers" se ha convertido en un himno para quienes han experimentado la dificultad de mantener relaciones a larga distancia, ya que la canción toca fibras emocionales profundas y ofrece consuelo a aquellos que se encuentran lejos de sus seres queridos. La canción es un recordatorio de que el amor y la música tienen el poder de trascender barreras geográficas y culturales, un mensaje que resuena en todo el mundo. 

La música de Mary Black, y especialmente "No Frontiers," es un regalo para los amantes de la música celta y para cualquiera que aprecie la belleza de una canción conmovedora. 

Peter Buffett - Narada Collection 1 - The Waiting

 

 

             

 La música tiene el poder de transportarnos a diferentes dimensiones, despertar nuestras emociones y conectarnos con lo más profundo de nuestro ser. Dentro del panorama musical, un sello discográfico ha logrado destacarse por su dedicación a la creación y promoción de música que trasciende las fronteras de género y cultura

 Fundada en 1983, Narada Productions se estableció con la visión de brindar un hogar a músicos visionarios que buscaban fusionar influencias de diversas tradiciones musicales y crear un sonido nuevo y cautivador. 

El nombre "Narada" proviene de la figura mitológica hindú Narada Muni, un sabio viajero conocido por su amor por la música y su habilidad para inspirar a través de ella. Narada Productions se convirtió rápidamente en un pionero en el género de la música New Age, que se caracteriza por su enfoque en la espiritualidad, la relajación y la conexión con la naturaleza. 

La música New Age de Narada es conocida por su capacidad para inducir estados de calma y meditación, así como por su belleza y complejidad sonora. Durante muchos años Narada ha sido una guía para descubrirnos nuevos músicos que nos descubrían nuevas músicas que nunca hubiéramos podido descubrir

Peter Andrew Buffett (nacido el 4 de mayo de 1958) es un músico, compositor, autor y filántropo estadounidense. Con una carrera que abarca más de 30 años, Buffett es ganador del premio Emmy regional , autor de best sellers del New York Times y copresidente de la Fundación NoVo. 

 Es el hijo menor del inversionista multimillonario Warren Buffett . Buffett comenzó su carrera musical a principios de la década de 1980 en San Francisco , California . Después de abandonar la Universidad de Stanford, utilizó las ganancias de la herencia de su abuelo para seguir una carrera en la música

 Buffett decidió hacer la transición de la publicidad a la música y decidió que una forma de hacerlo era conseguir un contrato discográfico basado en la música de las películas.  Como la música new age era popular a mediados de la década de 1980, pudo conseguir una.  Narada Productions , una compañía discográfica de música de la nueva era , firmó con Buffett un contrato de grabación. En 1987, Buffett debutó con Narada, lanzando un álbum titulado The Waiting . Su segundo álbum, One by One , se inspiró en el libro de Evan S. Connell " Son of the Morning Star ". 

En 1989, Buffett se mudó a Milwaukee , sede de Narada Productions y más cerca de la casa de su infancia en Omaha, Nebraska.. Buffett lanzaría dos álbumes más con Narada: Lost Frontier y Yonnondio .

Chris Haugen. First Light

 

Chris Haugen es un guitarrista y productor reconocido a nivel nacional con base en la costa oeste de Estados Unidos . 

Chris es conocido por su estilo fluido e innovador, su intuición musical y su cálido tono conmovedor en la guitarra y la guitarra slide  weissenborn , Weissenborn es una guitarra hawaiiana estilo "lap steel", hecha enteramente de madera y con mástil hueco. Estas guitarras fueron fabricadas a principios del siglo xx por Hermann C. Weissenborn, un luthier alemán emigrado a California, que perfeccionó los diseños que otro coetáneo suyo (Chris J. Knutsen) desarrolló en el mismo período. . 

 El San Francisco Chronicle describe la música de Chris como "...embrujadora y de otro mundo, como una cápsula del tiempo de un reino perdido, tal vez Atlantis."

Chris Ha lanzado cuatro álbumes altamente aclamados como artista en solitario y se presenta regularmente liderando sus propias bandas eléctricas y acústicas.

 

 El estilo musical de Chris Haugen es un viaje a través de una fusión de influencias culturales y géneros musicales. Haugen ha explorado y dominado  la guitarra acústica como pocos , lo que le permite crear una música que es profundamente evocadora y única.

 Sus composiciones a menudo incorporan elementos de música folk, world music, y ambient, fusionando de manera experta sonidos y ritmos de diferentes culturas. 

 La música de Chris Haugen es conocida por su capacidad para transportar a los oyentes a lugares distantes y evocar emociones profundas. Su habilidad para combinar instrumentos tradicionales con tecnología moderna le permite crear paisajes sonoros ricos y texturizados que invitan a la reflexión y la contemplación. 

 Chris Haugen es un músico cuya destreza y pasión se entrelazan en su ecléctico estilo musical, creando una experiencia única para quienes tienen la oportunidad de sumergirse en su obra. 

Su disco "First Light" es un testimonio de su capacidad para fusionar géneros y crear paisajes sonoros que invitan a la contemplación y la reflexión. 

El estilo musical de Chris Haugen es un mosaico de influencias culturales y géneros musicales que se fusionan para formar algo verdaderamente especial. Haugen es un virtuoso de la guitarra creando atmosferas sonoras llenas de encanto

 Su música es conocida por transportar a los oyentes a lugares lejanos y evocar emociones profundas. Chris Haugen utiliza instrumentos tradicionales en combinación con la tecnología moderna para crear una sinfonía de sonidos que es tanto relajante como estimulante. 

 "First Light" es un disco que te lleva en un viaje musical, desde el primer acorde hasta la última nota. La apertura del disco son unos acordes de guitarra,  y establece un tono introspectivo y tranquilo. A medida que avanzas en el álbum, te encuentras inmerso en una exploración musical que combina elementos sonoros para evocar una sensación de alivio.  Esta diversidad musical crea una experiencia auditiva enriquecedora que es perfecta para la meditación, la relajación o simplemente para disfrutar de la música en un nivel profundo. -  La canción que da nombre al álbum, "First Light," es un punto culminante. Esta pista te transporta a un estado de tranquilidad y contemplación. Con sus armonías suaves y su melodía envolvente, "First Light" evoca una sensación de apertura y conexión con algo más grande que uno mismo. La música de Chris Haugen es como un faro en la oscuridad, guiándote hacia un lugar de paz y belleza.

Loreena Mckennitt - The Visit - Bonny Portmore

 

        

 Loreena McKennitt es una cantante, compositora e intérprete canadiense conocida por su estilo musical único que fusiona elementos del folk celta, y la música del mundo . Uno de sus álbumes más icónicos es "The Visit", lanzado en 1991.

El álbum es un viaje musical por la cultura celta, que abarca desde la Irlanda medieval hasta el siglo XX. 

McKennitt interpreta una variedad de canciones tradicionales, así como algunas composiciones propias. 

 "The Visit" contiene una serie de canciones destacadas, entre las que se encuentran: "All Souls Night", una balada tradicional irlandesa que se canta en la víspera de Todos los Santos.: Esta canción es una celebración de la festividad celta de Samhain (también conocida como Halloween). Loreena captura la magia y el misterio de esta noche especial en su música y letras. 

"Bonny Portmore", una canción tradicional escocesa que trata sobre la deforestación de los bosques de roble. "The Lady of Shalott", una adaptación del poema épico de Alfred Tennyson sobre una mujer que se ve obligada a vivir encerrada en una torre. "Greensleeves", una canción tradicional inglesa que McKennitt interpreta en un estilo inquietante y melancólico.

 "Bonny Portmore": Esta canción es una de las más emblemáticas del álbum "The Visit" y merece una atención especial en cuanto a su significado. "Bonny Portmore" es una canción que lamenta la destrucción de los bosques de robles en Irlanda durante el período de la colonización inglesa. El título hace referencia a Portmore, un bosque que fue talado para construir barcos de guerra. La canción es un canto a la belleza perdida de la naturaleza y la devastación causada por la actividad humana. A través de sus letras y la emotiva interpretación de Loreena, la canción resalta la importancia de la conservación y el respeto por la naturaleza. 

 Loreena McKennitt es conocida por su capacidad para contar historias a través de la música y las letras, y "Bonny Portmore" es un ejemplo de su talento . "The Visit" en su conjunto es un álbum que combina la musicalidad única de Loreena McKennitt con letras profundas y evocadoras. Cada canción cuenta su propia historia y ofrece una inmersión en diferentes aspectos de la cultura celta y la historia irlandesa.

Michael Hoppé - "Nocturne in Blue" - "Dreaming in Blue"

 

         

"Nocturne in Blue", es un álbum de música instrumental de ensueño El pianista y compositor alemán Michael Hoppé lanzó en 2023 su vigésimo álbum de estudio, "Nocturne in Blue". Este disco, que consta de diez piezas instrumentales, es un viaje musical a través de un mundo de sueños y fantasías. 

 La canción "Dreaming in Blue" es una de las canciones más destacadas del álbum . Esta pieza, tiene al  violín como solista del tema, creando un ambiente de ensueño y melancolía.

La canción comienza con el piano tocando una melodía suave y melancólica. El violín entra en escena desde el primer momento  con una triste y bella melodía muy del estilo de Hoppé, poco a poco se va sumando unas capas de cuerdas para dar mayor respaldo a la melodía solista para crear una canción hermosa y evocadora

 Esta pieza es un ejemplo del talento de Michael Hoppé para crear música que conmueve al corazón. 

 Otras canciones destacadas del álbum Además de "Dreaming in Blue", son "Nocturne in Blue", la pieza que da título al álbum, es una obra orquestal que crea un ambiente de elegancia y romanticismo ,  "Love Remains" es una pieza orquestal muy romántica que expresa el amor eterno. Las canciones del álbum tienen una doble versión una orquestal y otra versión a piano 

 "Nocturne in Blue" es un álbum de música instrumental de gran belleza y sensibilidad. Hoppé demuestra su talento para crear música que evoca emociones y transmite un mensaje de esperanza y amor.

Alasdair Fraser & Paul Machlis - Celtic Twilight 2 - "Tonight My Sleep with the Restless"

 

"Celtic Twilight 2" es un disco recopilatorio que forma parte de la serie "Celtic Twilight", una colección de álbumes que presentan música celta tradicional y contemporánea de una variedad de artistas. Estos álbumes han sido muy apreciados por los amantes de la música celta y han contribuido a popularizar el género en todo el mundo.

 El "Celtic Twilight 2" ofrece una selección de canciones que capturan la esencia y la belleza de la música celta. La serie suele incluir piezas instrumentales y vocales que representan diferentes aspectos de la tradición celta, desde baladas melancólicas hasta melodías festivas y piezas más contemporáneas. Uno de los temas destacados de "Celtic Twilight 2" es la canción "Tonight My Sleep with the Restless" interpretada por Alasdair Fraser.

 Alasdair Fraser es un reconocido violinista escocés conocido por su virtuosismo en el violín y su contribución a la música celta. Esta canción en particular es una pieza instrumental que combina la destreza técnica de Fraser con la emotividad y el alma de la música celta. 

 "Tonight My Sleep with the Restless" es una composición que evoca sentimientos de nostalgia y una sensación de inquietud, lo que es típico de muchas melodías celtas. A través del violín de Fraser, la canción logra transmitir una historia sin palabras, permitiendo que la música hable por sí misma. 

 La música celta tiene una larga historia y tradición, y artistas como Alasdair Fraser han desempeñado un papel importante en la preservación y la evolución de este género musical. 

Norah Jones - The National - "Sea of Love"

 

        

            

           

El 10 de agosto de 2023, Norah Jones y The National lanzaron una nueva versión de la canción "Sea of Love", originalmente incluida en el álbum "Trouble Will Find Me" de The National de 2013. 

La nueva versión fue grabada durante la aparición de Matt Berninger y Bryce Dessner en el podcast de Jones, "Norah Jones Is Playing Along".

 La colaboración entre Jones y The National es un encuentro entre dos de las voces más distintivas de la música popular. La voz de Jones, suave y melancólica, se combina a la perfección con la voz de Berninger, profunda y ronca.

 La música de The National, con sus guitarras distorsionadas y su ritmo insistente, en esta versión son cambiadas por el piano de Norah Jones que le  aporta una nueva dimensión a la canción. La nueva versión de "Sea of Love" es una interpretación más oscura  que la original. 

La canción, que trata sobre el amor perdido y la soledad, adquiere un nuevo significado en esta versión. Los versos de Berninger, que expresan el dolor y la desesperación del protagonista, se combinan con la voz de Jones para crear una atmósfera de tristeza y melancolía.

 La colaboración entre Norah Jones y The National es un éxito rotundo. La nueva versión de "Sea of Love" le da un nuevo aire a uno de los temas clásicos de The National

Capercaillie - To The Moon - Ailein Duinn

 

Ailen Duinn es una canción tradicional escocesa en gaélico escocés. La canción es una balada de amor sobre una mujer que lamenta la muerte de su amante. La canción comienza con la mujer describiendo su tristeza al despertarse temprano en la mañana y ver que su amante no está. Ella canta que está dispuesta a ir con él, incluso si es necesario dormir sobre la arena o sobre las algas. Ella canta que está dispuesta a hacer cualquier cosa para estar con su amante. Ella canta que está condenada a vivir en la tristeza y el dolor. La canción ha sido interpretada por muchos artistas, incluyendo a Karen Matheson, Capercaillie, y Julie Fowlis. 

La canción ha aparecido en varias películas y programas de televisión, incluyendo el filme de 1995 Rob Roy. 

 La canción "Ailein Duinn" aparece en el álbum To the Moon de Capercaillie, publicado en 1995. El álbum fue un éxito comercial y de crítica, y ayudó a consolidar a Capercaillie como una de las bandas de folk más importantes de Escocia.

Esta canción fue arreglada por Capercaillie y cuenta con la maravillosa  voz de Karen Matheson.

 Ailen Duinn es un ejemplo de la capacidad de Capercaillie para reinterpretar la música tradicional escocesa de una manera moderna y accesible.

"Ailein Duinn" es una de las canciones más populares de Capercaillie, y ha sido versionada por muchos otros artistas. La canción es un testimonio de la belleza y la profundidad de la música tradicional escocesa.

           

       

Amancio Prada - Canciones del Alma - Llama de Amor Viva

 

Amancio Prada es un cantautor gallego nacido en 1951. Su música se caracteriza por su belleza, su profundidad y su espiritualidad. Prada es un artista comprometido con la búsqueda de la trascendencia, y su música es un reflejo de su propio viaje interior. 

 Prada comenzó su carrera musical en la década de 1970, y desde entonces ha publicado más de 20 álbumes. Su música ha sido influenciada por una amplia gama de géneros, desde la música tradicional gallega hasta el folk, el pop y la música clásica. 

 En 1977, Prada publicó su álbum más emblemático, Canciones del alma. Este álbum es una colección de canciones inspiradas en los poemas de San Juan de la Cruz, un poeta y místico español del siglo XVI.

 Canciones del alma es un álbum de gran belleza y profundidad. Las canciones de Amancio Prada son una expresión de su propia búsqueda de la trascendencia, y su música es un medio para conectar con la espiritualidad. El álbum  ayudó a consolidar a Prada como uno de los cantautores más importantes de España. 

 Canciones del alma es un disco que sigue siendo relevante hoy. La música de Prada es un reflejo de las búsquedas espirituales que muchas personas realizan en su vida. El álbum es un viaje a través de la oscuridad y la luz, y es una invitación a la esperanza y la transformación. 

 Canciones del alma es una obra maestra de la música espiritual. Es un álbum que ha inspirado a millones de personas en todo el mundo, y que sigue siendo un testimonio del poder de la música para conectarnos con lo más profundo de nuestro ser. 

La canción "Llama de amor viva" es una de las canciones más emblemáticas de Canciones del alma. La canción es una expresión de la pasión espiritual que siente el alma por Dios. 

 La canción comienza con una descripción de la llama de amor que arde en el alma. Esta llama es una fuerza irresistible que atrae al alma hacia Dios. La canción luego describe el viaje del alma hacia Dios. Este viaje es un proceso de transformación, en el que el alma se une a Dios. La canción termina con una declaración de amor y devoción a Dios. 

 "Llama de amor viva" es una canción de gran belleza y profundidad. Es una canción que habla al corazón y que invita a la reflexión.

        

Dan Gibson’s Solitudes - Seaside Dreams - Earth Song

 

        

Dan Gibson fue un músico y productor canadiense conocido por su contribución a la música ambiental y la grabación de sonidos naturales. Nació el 19 de enero de 1922 en Montreal, Quebec, y falleció el 18 de marzo de 2006. Su obra es influyente en la creación de música relajante y ambiental, especialmente aquella que combina sonidos de la naturaleza con composiciones suaves. 

 Gibson fundó la compañía Solitudes en 1980, que se centró en la producción de álbumes de música ambiental, muchas veces en combinación con grabaciones de sonidos de la naturaleza. Sus composiciones suelen estar impregnadas de elementos de la naturaleza, como el sonido del viento, el canto de los pájaros y el murmullo del agua, lo que crea una atmósfera relajante y pacífica. 

 Uno de sus álbumes notables es "Seaside Dreams", que es una muestra típica de su estilo musical. Este álbum presenta música suave y relajante inspirada en el mar y la costa, con el sonido de las olas del mar y gaviotas en el fondo. "Seaside Dreams" es un ejemplo de la habilidad de Dan Gibson para combinar la música con la belleza de la naturaleza, creando una experiencia auditiva tranquilizadora.

Earth Song es una de las cancones de este disco , la canción comienza con el murmullo del agua y el canto de los pájaros para crear una atmosfera relajante donde se acomode la bella melodía de Gibson al piano