Eddi Reader - "Songs of Robert Burns"- "Ae Fond Kiss"

    

 

 Eddi Reader creció en Glasgow e Irvine, Escocia, y fue en esas ciudades donde aprendió a usar la música como un vehículo para comunicarse con los demás, a través de actuaciones callejeras y en los clubes de folk locales. En los primeros años de la década de 1980, Eddi viajó por Europa con artistas circenses y de performance antes de mudarse a Londres, donde rápidamente se convirtió en una vocalista de sesión muy solicitada. 

  Fue con el efímero pero cálidamente recordado grupo Fairground Attraction que realmente saltó a la fama y llamó la atención de un público mucho más amplio. El sencillo "Perfect" y el álbum debut "First of a Million Kisses" encabezaron las listas británicas, consolidando su lugar en la escena musical. 

 Los álbumes solistas de Eddi Reader demuestran su creciente capacidad para asimilar diferentes estilos musicales y hacerlos suyos. Su instinto infalible para elegir buen material, ya sea propio, colaborativo o una versión cuidadosamente seleccionada, ha resultado en una discografía impresionante: 

 En 2018, Eddi celebró sus 40 años como intérprete en vivo, un testimonio de su dedicación y pasión por la música. A lo largo de su carrera, ha mantenido una conexión profunda con su audiencia, usando su voz para comunicar y emocionar a personas de todo el mundo. 

 Eddi Reader es más que una cantante; es una narradora que usa su música para tocar corazones y almas. Desde sus humildes comienzos en Glasgow hasta su estatus actual como una de las voces más respetadas y queridas, su viaje musical es una inspiración para todos. En 2003, Eddi Reader lanzó uno de sus proyectos más ambiciosos y aclamados: "Songs of Robert Burns". Este álbum es un tributo al célebre poeta escocés Robert Burns, cuyas palabras han resonado a lo largo de los siglos. 

Eddi Reader, con su talento inigualable, reinterpreta las obras de Burns, trayéndolas al presente con frescura y emoción. 

 Robert Burns, a menudo llamado el "Bardo de Escocia", es conocido por su poesía que captura la esencia de la vida escocesa del siglo XVIII. Sus poemas y canciones hablan de amor, naturaleza, política y humanidad. 

En "Songs of Robert Burns", Eddi Reader toma estas obras clásicas y les infunde nueva vida a través de su voz cálida y emotiva. 

 El álbum "Songs of Robert Burns" se destaca por su habilidad para hacer que las antiguas palabras de Burns se sientan actuales y relevantes. Algunas de las pistas más destacadas incluyen: "Ae Fond Kiss": Una balada conmovedora que captura la tristeza y el anhelo del amor perdido.

Eddi Reader ha logrado algo extraordinario con "Songs of Robert Burns": ha tomado las palabras de un poeta icónico y las ha transformado en algo vibrante y accesible para el público moderno. Su interpretación sensible y apasionada hace que cada canción sea una experiencia única y conmovedora.

George Winston - "Through the Trees" - "Woods"

 

       

 George Winston, el virtuoso pianista conocido por su estilo único de piano solista, lanzó un EP titulado "Through the Trees" en el año 2023 .

 En este EP que consta de seis canciones escogidas entre su granado repertorio , se encuentra la encantadora canción "Woods", que captura la esencia de la naturaleza y la serenidad de los bosques. 

 George Winston ha sido un pionero del género conocido como "piano solista" o "New Age" desde sus inicios en la década de 1980. Su música a menudo refleja paisajes naturales y estaciones del año, ofreciendo una experiencia auditiva que es tanto meditativa como evocadora. 

 La canción "Woods" es una pieza instrumental que se destaca por su simplicidad y belleza. Con su estilo característico minimalista , Winston utiliza arpegios suaves y melodías melancólicas para transportar al oyente a un paseo tranquilo a través de un bosque. 

La pieza evoca imágenes de hojas susurrantes, luces filtrándose a través de los árboles y la calma de la naturaleza inalterada. 

   "Woods" no es solo una pieza aislada en el EP "Through the Trees", sino que originalmente forma parte del álbum "Autumn", lanzado en 1980. "Autumn" es uno de los trabajos más emblemáticos de George Winston y pertenece a su serie de álbumes temáticos sobre las estaciones del año, que también incluye "Winter into Spring", "December" y "Summer". 

 La música de George Winston, y en particular piezas como "Woods", ha sido una fuente de consuelo y reflexión para muchos oyentes. Su habilidad para capturar la esencia de la naturaleza en su piano ha hecho que su música sea atemporal y siempre relevante. 

"Woods", con su evocadora melodía, invita a los oyentes a una experiencia introspectiva y serena, recordándonos la belleza simple y eterna de los bosques.

  "Through the Trees" y la canción "Woods" son testamentos del talento de George Winston para crear paisajes sonoros que conectan profundamente con el espíritu humano. Si aún no has explorado su música, "Woods" es un excelente punto de partida para adentrarse en el mundo musical de George Winston y descubrir la serenidad que sus composiciones pueden ofrecer.

Shadowfax - Angel´s Flight

 

      

 Shadowfax fue un grupo musical estadounidense de new age y música electrónica, fundado en Chicago a principios de la década de 1970. Su sonido único, caracterizado por la fusión de instrumentos acústicos y electrónicos, junto con melodías cautivadoras y atmósferas etéreas, les convirtió en uno de los grupos más reconocidos del género durante las décadas de 1980 y 1990. 

 El grupo tomó su nombre de Sombragrís, el majestuoso caballo del mago Gandalf en la obra de J.R.R. Tolkien, "El Señor de los Anillos". La formación original estaba compuesta por Chuck Greenberg (lyricon, saxofón y flauta), Phil Maggini (bajo y voz), G.E. Stinson (guitarras) y Stuart Nevitt (batería y percusión). 

A lo largo de su carrera, otros músicos talentosos se unieron al grupo, enriqueciendo aún más su sonido. 

 Shadowfax lanzó su álbum debut homónimo en 1982, bajo el sello Windham Hill Records. Este disco marcó el comienzo de una prolífica carrera que abarcaría once álbumes de estudio, dos álbumes en vivo y numerosas compilaciones. 

Entre sus trabajos más destacados se encuentran Shadowdance (1983), The Dreams of Children (1984), Too Far to Whisper (1986) y Folksongs for a Nuclear Village (1988). La música de Shadowfax se caracterizaba por su fusión de elementos acústicos y electrónicos, creando un sonido etéreo y atmosférico. El lyricon, un instrumento inventado por Greenberg, era un elemento distintivo del grupo, aportando un timbre único y expresivo a sus composiciones. 

Shadowfax también incorporaba elementos de jazz, rock, folk y música clásica, creando un tapiz sonoro rico y diverso. Su talento y originalidad fueron reconocidos por la industria musical.

 En 1989, Shadowfax ganó un premio Grammy a la Mejor Interpretación de New Age por su álbum Folksongs for a Nuclear Village. Además, fueron nominados al mismo premio en 1993 por su álbum Esperanto. 

 Uno de los aspectos más destacados de Shadowfax fue su capacidad para combinar la complejidad técnica con una accesibilidad melódica, lo que hizo que su música fuera tanto desafiante como agradable de escuchar. 

  Lamentablemente, Shadowfax se disolvió en 1995 tras el fallecimiento de Chuck Greenberg, líder y principal compositor del grupo. A pesar de su corta carrera, dejaron un legado musical significativo, inspirando a generaciones de músicos y aficionados al new age.

 Angel's Flight, compuesta por Shadowfax en 1982, es una pieza musical instrumental que se ha convertido en una de las obras más emblemáticas del grupo y del género new age. Su melodía cautivadora, su atmósfera etérea y su evocación de un viaje a través del tiempo han cautivado a oyentes de todo el mundo durante décadas.

La canción toma su nombre de Angel's Flight, un funicular histórico ubicado en Los Ángeles, California, que fue desmantelado en 1969. Se dice que la vista desde la cima del funicular inspiró a los compositores de Shadowfax a crear esta pieza musical.

 Angel's Flight comienza con una introducción suave y atmosférica, con el lyricon de Chuck Greenberg tejiendo una melodía melancólica sobre un colchón de sintetizadores y guitarras acústicas. A medida que la canción progresa, se introduce una sección más rítmica y dinámica, con la batería de Stuart Nevitt marcando el tempo y el bajo de Phil Maggini proporcionando una base sólida. La melodía principal se repite y desarrolla a lo largo de la canción, creando una sensación de viaje y progresión. El lyricon: El instrumento inventado por Greenberg aporta un timbre único y expresivo a la melodía principal.

Liz Story - "The Essential Liz Story"- "Bradley's Dream"

 

        

       

 Liz Story es una pianista y compositora estadounidense cuya trayectoria en la música es tan fascinante como su habilidad para improvisar al piano.

 Desde joven, Story estudió piano clásico en el sur de California y llegó a considerar una carrera como bibliotecaria de música o teórica. Sin embargo, su vida dio un giro inesperado cuando escuchó a un pianista de jazz en un club de Nueva York.

 Esta experiencia transformó su enfoque musical de la noche a la mañana. En ese momento, Story estaba matriculada en Juilliard y Hunter College, pero decidió abandonar su programa académico para tomar lecciones de jazz con Sanford Gold, siguiendo una recomendación. De vuelta en Los Ángeles, continuó su formación musical en UCLA y en los Talleres de Música de Dick Grove. 

No obstante, fue su trabajo como pianista en un restaurante francés lo que marcó un punto de inflexión en su carrera. Sin la cubierta frontal del piano, Story no tenía dónde colocar sus partituras, lo que la obligó a improvisar de manera espontánea. Estas improvisaciones resultaron ser el inicio de su gran éxito como compositora.

 Story grabó algunas de sus composiciones improvisadas en una cinta y las envió a Windham Hill. En solo cuatro días, la compañía la contactó y firmaron un contrato para su primer álbum, "Solid Colors", una colección de miniaturas impresionistas para piano. A lo largo de cinco grabaciones, incluyendo dos álbumes con RCA Novus.

 El estilo de Story ha evolucionado para incluir duetos electrónicos y obras para diversos conjuntos. No obstante, el piano sigue siendo la voz predominante en sus composiciones meticulosamente elaboradas. 

 En 2023, la pianista y compositora Liz Story lanzó su esperado álbum "The Essential Liz Story", una obra que celebra su prolífica carrera y su inconfundible estilo musical. Este álbum es una compilación cuidadosamente seleccionada que abarca lo mejor de su trabajo a lo largo de los años, ofreciendo tanto a los nuevos oyentes como a los seguidores de siempre una visión profunda de su evolución artística. 

 "The Essential Liz Story" incluye algunas de sus composiciones más emblemáticas y queridas, destacando su habilidad para combinar la técnica clásica con la improvisación jazzística. Cada pista en este álbum refleja su talento único para crear paisajes sonoros impresionistas y emotivos, que transportan al oyente a un mundo de belleza y serenidad. El álbum  es una muestra retrospectiva de su trayectoria,

"Bradley's Dream" es una de las piezas destacadas del disco "The Essential Liz Story"  , sin embargo este tema se esito en su primer disco  "Solid Colors" , lanzado bajo el sello Windham Hill. Este álbum marcó el inicio de la carrera discográfica de Story y se ha convertido en una obra clásica dentro de su repertorio.

"Bradley's Dream" captura la esencia del estilo de Liz Story, caracterizado por su habilidad para combinar la técnica clásica con una sensibilidad moderna y una inclinación hacia la improvisación. La pieza, con sus melodías etéreas y su estructura fluida, transporta al oyente a un mundo de ensoñación y contemplación.

El impacto de "Solid Colors" y específicamente de "Bradley's Dream" en la carrera de Liz Story es significativo. Este álbum la estableció como una voz distintiva en la música contemporánea, capaz de fusionar la disciplina del piano clásico con la libertad del jazz y la new age. La acogida positiva de este trabajo permitió a Story continuar explorando y expandiendo su creatividad en posteriores álbumes y colaboraciones.

Amazing Blondel - England - "Landscape"

                                  
                

                                          

          

Mi encuentro col el grupo Amazing Blondel fue casual y durante mi etapa Instituto.

Todo comenzó con un amigo con el que compartía aficiones musicales. Un día, llegó a clase con un disco bajo el brazo. La pintoresca portada llamó inmediatamente mi atención, así que le pregunté por el disco en cuestión. Me dijo que eran Amazing Blondel. El nombre del grupo me resultó gracioso, pero no tenía idea de quiénes eran. Decidimos intercambiarnos discos, y así fue como "England" de Amazing Blondel llegó a mis manos. 

Recuerdo claramente el momento en que puse el disco en el tocadiscos. El sonido folk tan peculiar y extraño me sorprendió, pero no de una manera desagradable. Al contrario, me gustó mucho. Aquella mezcla de instrumentos tradicionales y melodías medievales tenía un encanto único que me atrapó desde el primer momento. Con el tiempo, Amazing Blondel se convirtió en un grupo de culto para mí. 

Cada vez que escucho "England", me transporto a aquellos días de colegio y a ese descubrimiento tan especial.

 Amazing Blondel es una banda británica de folk progresivo formada en 1969. La agrupación estuvo compuesta principalmente por tres miembros: John Gladwin, Terry Wincott y Eddie Baird. Su música se caracteriza por combinar elementos del folk, la música renacentista y el rock progresivo, creando un sonido distintivo y evocador. 

 El álbum "England" de Amazing Blondel, lanzado en 1972, es considerado uno de los trabajos más destacados de la banda. El disco captura la esencia de la música folk británica y presenta una serie de canciones que retratan la historia y la tradición de Inglaterra de una manera única y evocadora. 

 El álbum "England" se destaca por su instrumentación rica y variada, que incluye guitarras acústicas, flautas, arpas y otros instrumentos tradicionales. Las armonías vocales y las letras poéticas se combinan para crear un ambiente melódico y nostálgico que transporta al oyente a paisajes bucólicos y a épocas pasadas. 

 Una de las canciones más memorables de "England" es "Landscape". Esta canción, con su melodía suave y melancólica, captura la belleza  de lugares entrañables. Las letras pintan imágenes poéticas que nos hablan sobre la naturaleza, creando una sensación de serenidad y libertad. La forma en que los instrumentos se entrelazan para crear una atmósfera pastoral y serena es simplemente mágica

 La voz cálida de Eddie Baird, junto con las armonías vocales, añade una capa adicional de emotividad a la canción.  La instrumentación precisa y los arreglos sutiles muestran la maestría musical de la banda y su compromiso con la calidad artística.

Cada vez que escucho "Landscape", siento que estoy caminando por un prado inglés, rodeado de la belleza de la naturaleza y la tranquilidad del campo. Si no han tenido la oportunidad de escuchar "England" de Amazing Blondel, se los recomiendo encarecidamente. Es un viaje musical que vale la pena experimentar, lleno de melodías encantadoras y una atmósfera única que solo ellos pueden crear.

                            

Michael Hedges - Aerial Boundaries

                            

             

 Hoy quiero hablarles sobre uno de los artistas y uno de los discos más impactantes y revolucionarios que me llevaron hacia la  guitarra acústica no como interprete , solo como oyente

 "Aerial Boundaries" de Michael Hedges. Lanzado en 1984, este álbum ha dejado una huella imborrable en el mundo de la música New Age y sigue siendo una referencia obligada para guitarristas y amantes del género. 

Había escuchado algún tema de Michael Hedges anteriormente , y cayó por casualidad el disco Aerial Boundaries en mis manos  Intrigado, me sumergí en la experiencia y, desde la primera escucha, supe que estaba ante algo extraordinario. 

  Michael Hedges no era un guitarrista común. Su técnica innovadora y su enfoque experimental con la guitarra acústica rompieron todas las barreras convencionales. "Aerial Boundaries" es el mejor ejemplo de su genialidad. El álbum está lleno de composiciones complejas y emocionalmente profundas que demuestran su increíble habilidad y creatividad.

 La canción que da título al álbum, "Aerial Boundaries", es una pieza asombrosa que redefine lo que una guitarra acústica puede hacer. La forma en que Hedges utiliza técnicas de tapping, armónicos y afinaciones alternativas crea una textura sonora rica y envolvente. Cada nota, cada rasgueo y cada armonía se entrelazan para formar un paisaje sonoro que parece desafiar las limitaciones físicas del instrumento. 

 Otro tema destacado es "Rickover's Dream". Esta canción es una muestra de la capacidad de Hedges para combinar virtuosismo técnico con una sensibilidad melódica profunda. La pieza fluye con una gracia y una belleza que es simplemente hipnótica. "Aerial Boundaries" no solo es un testamento del talento de Michael Hedges, sino también una fuente de inspiración inagotable para guitarristas de todo el mundo. Su habilidad para explorar nuevas posibilidades con la guitarra acústica abrió un camino para futuras generaciones de músicos.

Wim Mertens - "Ranges of Robustness" - Polytics

    

      

      

 

         Wim Mertens lanza su nuevo álbum "Ranges of Robustness" 

Wim Mertens, conocido por inspirarse en momentos históricos, temas literarios y figuras bíblicas como el profeta Jeremías, nos presenta su nuevo álbum "Ranges of Robustness". A lo largo de su carrera, Mertens ha explorado diversas temáticas, desde las lamentaciones del profeta Jeremías hasta las virtudes en su álbum "After Virtue". 

En esta ocasión, el compositor belga se centra en los diferentes tipos y gamas de la noción de "robustez", ofreciendo una reflexión musical acorde a los "tiempos especiales" del año 2024. En "Ranges of Robustness", Mertens investiga las múltiples facetas de la robustez a través de solo 9 composiciones, intentando capturar "de la manera que exige nuestra época" este concepto complejo. 

Para ello, ha escogido su formato Ensemble , ha reunido un conjunto de 21 músicos que exploran una rica variedad de colores musicales. Este conjunto incluye vientos de madera, una destacada sección de saxofones (soprano, alto, tenor y barítono), metales, cuerdas y una sección rítmica completa con guitarras acústicas y eléctricas, múltiples arpas, percusión y el propio Mertens al piano. 

 Según Mertens, este enfoque cuasi-sinfónico, extenso y contemporáneo, es necesario para responder a los retos de la robustez tal y como los experimentamos hoy en día. 

Una de las piezas centrales del álbum es "Marina's Music", un homenaje a la poetisa rusa Marina Tsetajeva (1892-1941). Admirador de Tsetajeva desde hace mucho tiempo, Mertens la presenta como un personaje central, perdido entre los abrumadores "Ranges of Robustness".

Dentro del disco "Ranges of Robustness": podemos destacar temas importantes como Betont un tema muy robusto y potente que hace clara referencia al titulo del disco seguimos con Matching Markers otro tema con la misma impronta que el anterior tema , Polytics otro  tema muy potente donde Mertens marca el tempo desde el inicio con su piano este fue el primer tema elegido por Mertens como adelanto del disco , y finalmente  Marina’s Music un tema más relajado que los anteriores

Este álbum es una muestra más del talento y la capacidad de Mertens para capturar y expresar conceptos complejos mediante su música.

Kitaro - "The Silk Road" - "Theme from Silk Road"

 

      
Kitaro, el renombrado compositor japonés, nos lleva en un viaje musical épico con su álbum "The Silk Road". Este trabajo es una obra maestra que captura la esencia y la historia de la legendaria Ruta de la Seda, la antigua red de rutas comerciales que conectaba Oriente y Occidente. 

Con su característico sonido new age, Kitaro mezcla sintetizadores, instrumentos tradicionales y sonidos ambientales para crear una atmósfera envolvente y mística. 

 El álbum, lanzado en 1980, es parte de la banda sonora de la serie documental de la NHK, "The Silk Road: The Rise and Fall of Civilizations". A lo largo de sus composiciones, Kitaro logra transportar a los oyentes a través de paisajes históricos y culturales, evocando imágenes de vastos desiertos, antiguas ciudades y caravanas de comerciantes.

 La canción "Theme from Silk Road" es la pieza central del álbum y una de las más icónicas de Kitaro. Este tema captura la majestuosidad y la serenidad de la Ruta de la Seda, llevando a los oyentes en un viaje sonoro a través del tiempo y el espacio.

Desde sus primeras notas, "Theme from Silk Road" establece un tono contemplativo y meditativo. Utilizando sintetizadores que imitan sonidos de flautas y cuerdas, Kitaro crea una melodía que es a la vez melancólica y esperanzadora. 

Los paisajes sonoros ricos y envolventes permiten al oyente imaginarse caminando por las antiguas rutas comerciales, sintiendo el viento del desierto y contemplando los vastos horizontes.

Si bien la música de Kitaro suele asociarse a la relajación, "The Silk Road" tiene una dimensión más profunda. Hay una narrativa implícita, una sensación de aventura y descubrimiento que nos transporta a las caravanas atravesando desiertos, las bulliciosas ciudades comerciales y la quietud contemplativa de los monasterios.

"Theme from Silk Road" es, sin duda, la canción más representativa del disco. Es una síntesis perfecta del espíritu de la obra: El uso y el sonido de los sintetizadores en esta canción es excelsa , el tema nos va introduciendo lenta y plácidamente en el sonido  tan majestuoso que Kitaro nos ofrece , elevando el clímax paulatinamente hasta el éxtasis final

 

Douglas Spotted Eagle - "Closer to Far Away"- Closer Still

 

 

      

 Douglas Spotted Eagle es un músico y productor de renombre en el mundo de de la música  New Age, conocido por su habilidad para fusionar sonidos tradicionales nativos americanos con elementos contemporáneos. Su música, rica en historia y cultura, ofrece una experiencia auditiva profunda y evocadora. 

 Douglas Spotted Eagle no es solo un músico; es un verdadero narrador de historias a través de su arte. Su trabajo abarca una variedad de estilos, desde la música ambiental hasta el New Age, siempre manteniendo una conexión profunda con sus raíces nativas americanas. 

Sus composiciones utilizan flautas tradicionales, tambores y otros instrumentos indígenas, entrelazados con arreglos modernos que crean una atmósfera única y envolvente. 

  Uno de sus mejores discos cayó en mis manos y descubrí una nueva música , se trata de "Closer to Far Away": Este álbum es un viaje sonoro que combina la belleza de los paisajes naturales con la introspección personal. Las melodías de la flauta nativa americana se mezclan con sintetizadores suaves, creando un ambiente de paz y reflexión. 

 Este disco es una obra maestra que encapsula la esencia de la música ambiental , New Age y músicas nativas americanas, ofreciendo una experiencia auditiva profundamente conmovedora.

 "Closer to Far Away" destaca por su habilidad para mezclar melodías de la flauta nativa americana con texturas electrónicas modernas. Esta combinación crea un paisaje sonoro que es a la vez etéreo y terrenal, transportando al oyente a un estado de paz y reflexión. 

 Dentro del álbum destacan pistas como "Closer To Far Away": Esta pista que da nombre al álbum destaca por su melodía suave y meditativa que evoca la tranquilidad de las montañas. La flauta nativa americana guía al oyente a través de un viaje interior, mientras los sintetizadores crean un fondo atmosférico que realza la sensación de soledad y serenidad. 

"Closer Still": En esta composición, Spotted Eagle nos ofrece una delicada melodía haciéndose acompañar por  un solitario piano y la flauta , luego iran entrando otros instrumentos sin alterar la melodía .

"Arrival": Una celebración de la vida y la naturaleza, esta pista combina una bella melodía con canticos nativos , una maravilla de canciónpara cerrar el disco . 

 "Closer to Far Away" es más que un simple álbum; es una herramienta para la meditación y la contemplación. Cada pista está diseñada para guiar al oyente a un estado de tranquilidad y autodescubrimiento. La música de Spotted Eagle no solo entretiene, sino que también sana y eleva el espíritu.

                                           

Michael Manring - "Sanctuary: 20 Years of Windham Hill" - Wide Asleep

Siempre que caía en mis manos un disco de algún recopilatorio del sello Windham Hill, me llevaba una gran alegría. Poder tener en un solo disco lo mejor de los artistas de la New Age era suficiente para alegrarme el día. 

 Hoy vamos a hablar del recopilatorio "Sanctuary: 20 Years of Windham Hill". Windham Hill Records, reconocido por su música tranquila y evocadora, ha sido durante mucho tiempo un refugio para los amantes de los sonidos acústicos e instrumentales. 

El álbum recopilatorio "Sanctuary: 20 Years of Windham Hill" es un testimonio de su legado, produciendo música que calma el alma y trasciende el tiempo. 

 Lanzado en celebración del vigésimo aniversario de Windham Hill, "Sanctuary" presenta una selección cuidadosamente curada de temas que personifican el sonido característico del sello. El álbum reúne a algunos de los mejores artistas y composiciones que han adornado el catálogo de Windham Hill, ofreciendo a los oyentes un viaje a través de paisajes serenos y momentos introspectivos.

 El álbum incluye contribuciones de artistas legendarios como George Winston, Ray Lynch y Nightnoise, entre otros renombrados artistas. Cada tema muestra su maestría en la instrumentación acústica, mezclando melodías intrincadas con una expresión emotiva.

 Uno de los temas que más me gustan es "Wide Asleep" de Michael Manring. 

 Michael Manring es conocido por su virtuosismo en el bajo y su capacidad para explorar nuevas fronteras sonoras. Su canción "Wide Asleep" es un testimonio de su innovador enfoque musical y su habilidad para crear paisajes sonoros cautivadores y emocionales. "Wide Asleep" es una pieza que destaca por su complejidad técnica y su profundidad emocional. Manring utiliza técnicas avanzadas de bajo, como la afinación alternada y el uso de armónicos, para tejer una melodía que es a la vez etérea y profundamente resonante. Manring es famoso por su uso de afinaciones inusuales y la técnica de "hyperbass", un bajo modificado que permite cambios de afinación en medio de la interpretación. En "Wide Asleep", estas técnicas crean una textura rica y multidimensional que es difícil de lograr con métodos convencionales. 

La canción tiene una cualidad soñadora y reflexiva, capturando la sensación de estar entre el sueño y la vigilia. Manring logra esto mediante el uso de tonos suaves y resonantes, que envuelven al oyente en una atmósfera de tranquilidad y contemplación.

  A pesar de la naturaleza relajante de la canción, la estructura subyacente es compleja, con cambios de ritmo y melodías entrelazadas que mantienen el interés del oyente. Cada escucha revela nuevos detalles y capas que pueden haber pasado desapercibidos antes. "Sanctuary: 20 Years of Windham Hill" y "Wide Asleep" de Michael Manring son ejemplos perfectos del talento y la innovación que Windham Hill ha fomentado durante décadas. Si eres amante de la música que calma y inspira, este álbum y esta canción son imprescindibles en tu colección.

Douglas Spotted Eagle - "Closer to Far Away"- "Closer to Far Away"

 

 

 Douglas Spotted Eagle es un músico y productor de renombre en el mundo de de la música  New Age, conocido por su habilidad para fusionar sonidos tradicionales nativos americanos con elementos contemporáneos. Su música, rica en historia y cultura, ofrece una experiencia auditiva profunda y evocadora. 

 Douglas Spotted Eagle no es solo un músico; es un verdadero narrador de historias a través de su arte. Su trabajo abarca una variedad de estilos, desde la música ambiental hasta el New Age, siempre manteniendo una conexión profunda con sus raíces nativas americanas. 

Sus composiciones utilizan flautas tradicionales, tambores y otros instrumentos indígenas, entrelazados con arreglos modernos que crean una atmósfera única y envolvente. 

  Uno de sus mejores discos cayó en mis manos y descubrí una nueva música , se trata de "Closer to Far Away": Este álbum es un viaje sonoro que combina la belleza de los paisajes naturales con la introspección personal. Las melodías de la flauta nativa americana se mezclan con sintetizadores suaves, creando un ambiente de paz y reflexión. 

 Este disco es una obra maestra que encapsula la esencia de la música ambiental , New Age y músicas nativas americanas, ofreciendo una experiencia auditiva profundamente conmovedora.

 "Closer to Far Away" destaca por su habilidad para mezclar melodías de la flauta nativa americana con texturas electrónicas modernas. Esta combinación crea un paisaje sonoro que es a la vez etéreo y terrenal, transportando al oyente a un estado de paz y reflexión. 

 Dentro del álbum destacan pistas como "Closer To Far Away": Esta pista que da nombre al álbum destaca por su melodía suave y meditativa que evoca la tranquilidad de las montañas. La flauta nativa americana guía al oyente a través de un viaje interior, mientras los sintetizadores crean un fondo atmosférico que realza la sensación de soledad y serenidad. 

"Closer Still": En esta composición, Spotted Eagle nos ofrece una delicada melodía haciéndose acompañar por  un solitario piano y la flauta , luego iran entrando otros instrumentos sin alterar la melodía .

"Arrival": Una celebración de la vida y la naturaleza, esta pista combina una bella melodía con canticos nativos , una maravilla de canciónpara cerrar el disco . 

 "Closer to Far Away" es más que un simple álbum; es una herramienta para la meditación y la contemplación. Cada pista está diseñada para guiar al oyente a un estado de tranquilidad y autodescubrimiento. La música de Spotted Eagle no solo entretiene, sino que también sana y eleva el espíritu.

                                           

Mike Howe - Lichens - Into the Night

         

 Lichens, el quinto álbum del guitarrista y multiinstrumentista galés Mike Howe, marca un hito importante en su carrera al ser su primer lanzamiento como artista independiente. Inspirado por la belleza natural de Gales, donde trabaja como ecologista en los parques nacionales, Howe nos invita a sumergirnos en un paisaje sonoro lleno de paz, serenidad y conexión con la tierra.

 El título del álbum, Lichens, hace referencia a un tipo de organismo formado por la unión simbiótica de un hongo y un alga. Esta metáfora refleja la profunda conexión de Howe con la naturaleza, la cual se ve plasmada en cada nota de su música. Los paisajes, las personas y la flora de Gales se convierten en la musa inspiradora que da vida a sus composiciones. 

 A lo largo de las doce pistas que componen Lichens, Howe nos lleva en un viaje musical diverso y lleno de matices. Desde la pieza rítmica inicial Into the Night, hasta la tranquilidad etérea de Remember y la encantadora You Know Me, cada canción nos invita a conectar con diferentes emociones y atmósferas. 

 Como artista independiente, Howe se permite explorar nuevos territorios sonoros sin las limitaciones de un sello discográfico. En este álbum encontramos una mayor variedad de estilos interpretativos, desde el jazz suave de Joni hasta el rock ligero de Plains. La guitarra acústica sigue siendo el instrumento principal, pero se ve acompañada por sintetizadores, bajos, teclados y batería, creando una textura rica y envolvente. 

 En un mundo lleno de ruido y ajetreo, Lichens se convierte en un oasis de paz y tranquilidad. La música de Howe nos invita a tomar una pausa, respirar profundamente y conectar con la belleza que nos rodea. Es un álbum perfecto para aquellos que buscan un refugio del estrés diario y un momento de conexión con la naturaleza y las emociones más profundas

Capercaillie - Reloved - Tobar Mhoire (feat. BBC Scottish Symphony Orchestra)

 

                 

 Capercaillie es una banda de folk escocesa icónica, reconocida por su sonido distintivo que fusiona la tradición musical celta con influencias contemporáneas Formada en 1984, Capercaillie ha cautivado al público durante cuatro décadas con su energía en vivo y su habilidad para evocar el espíritu de las Tierras Altas de Escocia.

Su sonido característico fusiona la tradición musical gaélica con el folk rock y el pop, creando una experiencia sonora vibrante y llena de energía. Las gaitas, el violín, el bodhrán y la guitarra eléctrica se entrelazan con las potentes voces de la banda, dando vida a canciones que hablan de la historia, la cultura y la belleza de las Tierras Altas de Escocia.

Las voces de sus miembros, en especial la de su vocalista principal Karen Matheson, son otro elemento distintivo que aporta fuerza y emotividad a sus canciones. Sus letras, en gaélico e inglés, a menudo se inspiran en los paisajes impresionantes de Escocia, su rica historia y su folclore . 

En 2024, Capercaillie sigue vigente. Su reciente lanzamiento, "ReLoved", es un álbum que reimagina sus clásicos en colaboración con la BBC Scottish Symphony Orchestra, demostrando su capacidad de innovar y sorprender a sus fans.

 Capercaillie es más que una banda; es un símbolo de la cultura y la identidad escocesa. Su música ha contribuido a la preservación de la lengua gaélica y ha inspirado a nuevas generaciones de músicos celtas.

En el 2024, la legendaria banda escocesa de folk Capercaillie marca su 40º aniversario con un lanzamiento especial: "ReLoved", un álbum que recuerda sus temas más conocidos en arreglos sinfónicos junto a la BBC Scottish Symphony Orchestra. 

 Grabado en los estudios RSNO St. Luke's en Glasgow, "ReLoved" representa un hito para Capercaillie. La oportunidad de colaborar con una orquesta de tal calibre ha sido descrita por la banda como "un sueño hecho realidad".

 Los arreglos sinfónicos del álbum fueron realizados por tres talentosos compositores: Greg Lawson (Grit Orchestra), Donald Shaw y Kate St. John. Cada uno aportó su estilo único al proyecto, creando una experiencia auditiva fresca y emocionante para los fanáticos de Capercaillie.

 

Claire Pelletier - Galileo - "Hildegarde de Bingen"

  Claire Pelletier nació en Saint-Pascal, Quebec en 1959. Desde muy joven, se sintió atraída por la música, especialmente los sonidos tradicionales y folclóricos. Claire ha tenido una exitosa carrera musical, destacando por su voz angelical y su habilidad para fusionar diferentes estilos musicales. 

Su música combina folk, pop y música del mundo, y sus letras a menudo exploran temas poéticos y espirituales. Desde temprana edad, Claire mostró un gran interés por la música y comenzó su carrera en los años 70 como parte de varios grupos musicales antes de lanzarse como solista. 

A lo largo de su carrera, ha lanzado varios álbumes reconocidos por la crítica y ha ganado numerosos premios, consolidándose como una figura prominente en la escena musical de Quebec. Su carrera profesional comenzó en la década de 1980 con la formación del dúo "Les Sérénades". Con el paso de los años, Pelletier ha lanzado varios álbumes como solista y ha colaborado con diversos artistas, explorando diferentes géneros musicales, desde el folk celta hasta el pop. 

Pelletier es reconocida por su cálida y expresiva voz, así como por su capacidad para crear atmósferas únicas en sus canciones. Sus letras a menudo tratan sobre la historia, la naturaleza y el amor. 

El álbum "Galileo", lanzado en el año 2000, es uno de los trabajos más destacados de Claire Pelletier.  Basado en la figura de Galileo y otras figuras históricas , este disco se caracteriza por su riqueza musical y su profundidad lírica. Es una fusión de influencias renacentistas y modernas que crea un sonido único y evocador. 

"Galileo" destaca por sus arreglos orquestales elaborados y la integración de instrumentos tradicionales con contemporáneos. Cada canción del álbum invita al oyente a un viaje musical a través de diferentes épocas y estilos, todo ello unificado por la inconfundible voz de Claire. Este álbum no solo muestra el talento de Pelletier como cantante, sino también su habilidad como narradora, capaz de transportar a la audiencia a paisajes sonoros variados y detallados. 

Una de las canciones más destacadas de Claire Pelletier es "Hildegarde de Bingen", inspirada en la vida y obra de Hildegard von Bingen, una abadesa benedictina alemana del siglo XII conocida por su labor como compositora, filósofa , naturalista , médica y mística.

 La canción rinde homenaje a esta figura histórica, destacando su influencia y legado en la música y la espiritualidad. En "Hildegarde de Bingen", Claire Pelletier utiliza su voz para capturar la esencia mística y trascendental de Hildegard, creando una pieza que es a la vez un tributo y una evocación de la profunda conexión espiritual que la abadesa tenía con la naturaleza y lo divino. La música combina elementos medievales con toques modernos, creando una atmósfera que es tanto antigua como contemporánea, reflejando la atemporalidad de la inspiración que Hildegard von Bingen representa

.

Michael Nyman - "Mozart 252" - In Re Don Giovanni

                       

       

Michael Nyman es un compositor británico reconocido por su estilo minimalista y su habilidad para fusionar elementos clásicos y contemporáneos.

 Una de sus obras destacadas en este sentido es su álbum "Mozart 252", que incluye la fascinante pieza "In Re Don Giovanni". 

"Mozart 252" es un álbum lanzado por Michael Nyman en 2008 para conmemorar el 252 aniversario del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart. 

Este proyecto es una celebración del legado de Mozart, reinterpretado a través de la lente moderna y minimalista de Nyman. 

El álbum es una exploración creativa de las composiciones de Mozart, donde Nyman rinde homenaje a su obra mientras la transforma con su estilo único. 

 "In Re Don Giovanni" se basa en la ópera "Don Giovanni" de Wolfgang Amadeus Mozart. Nyman se inspiró en el aria del catálogo de Leporello, en la que el sirviente de Don Giovanni enumera las conquistas amorosas de su amo.

 Nyman extrajo   15 compases de este aria y la utilizó como base para su propia composición. "In Re Don Giovanni" consta de ocho movimientos, cada uno de los cuales explora un aspecto diferente de la frase original de Mozart. 

Nyman utiliza una variedad de técnicas minimalistas, como la repetición, el canon y el ostinato, para crear una obra compleja y cautivadora.

                

Andreas Vollenweider -Cosmopoly - "Hus, My Heart Be Still"

 

        

 Andreas Vollenweider es un músico y compositor suizo, conocido principalmente por su virtuosismo con el arpa eléctrica y su estilo musical único que fusiona elementos de la música clásica, el jazz, la música new age y sonidos del mundo. 

Nacido el 4 de octubre de 1953 en Zurich, Suiza, Vollenweider ha logrado crear un sonido distintivo que ha encantado a audiencias globales durante varias décadas. La música de Andreas Vollenweider es difícil de encasillar en un solo género, lo que la hace extraordinariamente única y atractiva. Su habilidad para combinar diferentes estilos musicales le ha permitido crear paisajes sonoros que son a la vez evocadores y relajantes. Utilizando el arpa eléctrica, Vollenweider explora una vasta gama de sonidos y texturas, desde tonos suaves y melódicos hasta complejos arreglos rítmicos.

Algunos de sus álbumes más destacados son "Behind the Gardens - Behind the Wall - Under the Tree" (1981) "White Winds" (1984) "Down to the Moon" (1986) "Dancing with the Lion" (1989 ), Uno de los discos que también merecen mucho la pena es su disco Cosmopoly .

 "Cosmopoly" es uno de los álbumes más innovadores y emocionantes del arpista suizo Andreas Vollenweider, lanzado en 1999. Este trabajo destaca no solo por su música evocadora, sino también por las impresionantes colaboraciones con artistas de diversos géneros y culturas. "Cosmopoly" es una celebración de la diversidad musical y una manifestación del enfoque global y inclusivo de Vollenweider hacia la composición y la interpretación.

"Cosmopoly" es una palabra inventada que refleja la visión de Vollenweider de una ciudad global de la música, donde diferentes culturas y estilos se entrelazan para crear algo nuevo y hermoso. 

El álbum es una mezcla de sonidos de todo el mundo, integrando elementos de la música clásica, jazz, folk, y música del mundo en un todo cohesivo.

El estilo de "Cosmopoly" refleja el compromiso de Andreas Vollenweider con la exploración musical y la integración de diferentes tradiciones culturales. Cada pista es una aventura sonora que lleva al oyente a través de paisajes musicales variados, desde los ritmos latinos hasta las melodías orientales, pasando por el jazz y la música clásica.

 La temática del álbum gira en torno a la idea de unidad y conexión a través de la música. Vollenweider utiliza su arpa y sus composiciones para construir puentes entre culturas, demostrando que la música es un lenguaje universal capaz de trascender fronteras. 

Es muy difícil destacar alguna canción sobre otra , podríamos escoger cualquiera , hoy me voy a decantar por Hus , My Heart Be Still en colaboración con Djyvan Gasparian . "Hus, My Heart Be Still" es una colaboración emotiva y poderosa entre el arpista suizo Andreas Vollenweider y el renombrado dudukista armenio Djivan Gasparyan. 

Esta pieza destaca por su capacidad para fusionar las tradiciones musicales de Occidente y Oriente, creando una experiencia auditiva que es tanto exótica como profundamente conmovedora. Andreas Vollenweider,  encontró en Djivan Gasparyan un socio perfecto para explorar nuevas dimensiones sonoras. Gasparyan, maestro del duduk, un antiguo instrumento de viento armenio, es conocido por su capacidad para evocar emociones profundas a través de su música. Esta colaboración reúne el arpa eléctrica de Vollenweider y el duduk de Gasparyan en una conversación musical que trasciende fronteras culturales.