Deuter - "Koyasan: Reiki Sound Healing" - “Lovesong from the Mountains”

 

        

 “Lovesong from the Mountains” es una hermosa composición del músico alemán Deuter. Esta pieza se encuentra en su álbum "Koyasan: Reiki Sound Healing". 

 Deuter es un músico cuyo trabajo ha sido un faro de luz en el panorama de la música New Age . 

Nacido en Alemania en la década de 1940 como Georg Deuter, este visionario artista ha creado un vasto y diverso cuerpo de trabajo que ha tocado los corazones y las almas de millones en todo el mundo. Su música es un viaje en sí misma, una travesía a través de paisajes sonoros que van desde lo celestial hasta lo terrenal.

 Inspirada por sus propias experiencias de meditación y espiritualidad, las composiciones de Deuter son un testimonio de su profundo compromiso con la exploración interior y la conexión con lo divino. Lo que distingue a Deuter es su habilidad para fusionar una amplia gama de influencias musicales en algo verdaderamente único. Desde la música clásica hasta la new age, pasando por el jazz y la música étnica, su obra trasciende las fronteras culturales y estilísticas, creando un lenguaje universal que habla al corazón humano. 

Deuter fue autodidacta cuando empezó a tocar la guitarra y otros instrumentos. Sin embargo, fue después de un accidente automovilístico casi fatal  cuando decidió dedicarse a la música. 

La instrumentación de Deuter es igualmente ecléctica. A lo largo de los años, ha dominado una variedad de instrumentos, desde la flauta y el piano hasta la guitarra y el sintetizador. Cada instrumento es una extensión de su expresión artística, una herramienta para transmitir emociones profundas y estados de ánimo sutiles. Pero más allá de la técnica y la habilidad musical, es la intención detrás de la música de Deuter lo que la hace verdaderamente especial. Cada nota, cada melodía, está impregnada de una energía curativa y restauradora. Sus composiciones tienen el poder de calmar la mente,  y elevar el espíritu. A lo largo de su carrera, Deuter ha sido reconocido como uno de los pioneros de la música new age, pero su impacto va mucho más allá de ese género.

 "Love Song from the Mountains" es una joya musical creada por el venerado músico Deuter. Esta obra maestra encapsula la esencia misma de la serenidad y la conexión con la naturaleza, mientras transmite un mensaje profundo de amor incondicional. Desde los primeros compases, la canción transporta al oyente a un reino de calma y belleza intemporal. Las melodías suaves y etéreas fluyen como arroyos cristalinos a través de paisajes montañosos, evocando una sensación de paz y asombro ante la grandeza del mundo natural.

  Deuter utiliza una variedad de instrumentos, desde la flauta hasta el piano, para crear capas de sonido que se entrelazan de manera armoniosa, como la danza de las hojas en el viento. Pero más allá de su belleza puramente estética, "Love Song from the Mountains" lleva consigo un mensaje de amor a lo que nos rodea. 

A través de su música, Deuter nos recuerda la importancia de amar y apreciar la naturaleza tal como es, con todos sus matices y ciclos de vida."Love Song from the Mountains" es más que una simple melodía; es un himno a la belleza del mundo natural y a la fuerza del amor que lo sustenta. En un mundo cada vez más caótico y desconectado de la tierra, esta canción nos invita a reconectar con nuestras raíces y a encontrar consuelo y esperanza en la belleza eterna que nos rodea.

Pengiun Cafe Orchestra - Music For A Found Harmonium

         

 

                

 Penguin Cafe Orchestra (PCO) fue una unión libre de músicos encabezada por el guitarrista clásico, compositor y arreglista Simon Jeffes (Sussex, Inglaterra, 1949-1997)Helen Liebmann, la chelista y cofundadora, también fue miembro permanente y núcleo del grupo. La banda se formó en 1972 y se mantuvo activa hasta 1997, grabando y realizando música durante 24 años hasta que Jeffes falleció debido a un tumor cerebral inoperable. 

 Jeffes fundó el PCO con la intención de explorar nuevas formas de música, influenciado por su fascinación por la música folclórica y su interés en la experimentación sonora. A lo largo de los años, la alineación del grupo cambió, pero Jeffes permaneció como su figura central y compositor principal.

 El estilo musical de Penguin Cafe Orchestra es difícil de clasificar en un solo género. Su música incorpora una amplia gama de influencias, desde la música clásica hasta el folk y el jazz, fusionadas con elementos experimentales y minimalistas. Utilizaban una variedad de instrumentos, tanto acústicos como electrónicos, para crear composiciones atmosféricas y melódicas.

 La música del PCO es conocida por su belleza serena y su capacidad para evocar paisajes sonoros únicos. A menudo se caracteriza por su uso de patrones repetitivos y estructuras simples, pero profundamente evocativas.

 El sonido de la Penguin Cafe Orchestra no se clasifica fácilmente. Combina elementos de música folk exuberante con una estética minimalista ocasionalmente reminiscente de compositores como Philip Glass. La música de PCO es mercurial y llena de contradicciones, con fuertes melodías, ingenio y una sensación distintivamente inglesa, pero también influencias rítmicas y melódicas de África y América del Sur.

 Una de las piezas más famosas de PCO es “Music for a Found Harmonium”, que Jeffes escribió en un armonio que encontró en una calle trasera en Kioto. La pieza ha aparecido en películas y es un ejemplo destacado del estilo único de la banda. 

 Además, en 2009, el hijo de Jeffes, Arthur, fundó una banda sucesora simplemente llamada Penguin Cafe. Aunque no incluye miembros originales de PCO, la banda presenta muchas piezas de PCO en su repertorio en vivo y graba e interpreta música nueva escrita por Arthur

Clannad - "Vellum" - "A Song in Your Heart"

 

       

 Clannad es un grupo musical irlandés originario de Gweedore, en el Condado de Donegal. Su música ha sido catalogada como folk, new age y celta. La formación original incluye a Máire Ní Bhraonáin (ahora conocida como Moya Brennan), sus hermanos Ciarán O’Braonáin y Pól O’Braonáin, y sus tíos Noel y Pádraig O’Dugáin. La hermana de Máire, Eithne Ní Bhraonáin (más conocida como Enya Brennan), también fue miembro del grupo durante dos años entre 1979 y 19821. 

 El nombre Clannad proviene de la frase gaélica “an Clann as Dobhar”, que significa “la familia de Dore”. El grupo se fundó en 1970 y comenzaron tocando en la taberna de su padre, Leo. 

Su música ha dejado una huella significativa, y su canción “Theme from Harry’s Game” de la que ya hemos hablado anteriormente , alcanzó el número 5 en la lista de sencillos británicos en 1982, siendo el único sencillo n.º 1 en el Reino Unido cantado íntegramente en gaélico irlandés. 

Lanzado en 2013 Nadur supone un regreso triunfal para Clannad . Con este álbum la banda se reconecta con sus raíces de una manera poderosa y emotiva. El título mismo significa naturaleza en gaélico irlandés, y refleja la profunda conexión que Clannad tiene con su tierra natal , y con la esencia de la música celta

Nádúr es un disco que refleja una celebración de la vida  el amor y la naturaleza. Desde las melodías más nostálgicas hasta los ritmos más vigorizantes , cada pista te sumerge en un mundo de belleza y emoción

Dentro del álbum "Nádúr"  reside una joya musical llamada "A Song in Your Heart". Esta canción es un testimonio del talento incomparable de la banda para crear melodías que tocan el alma. Con su instrumentación evocadora y la voz celestial de Moya Brennan, "A Song in Your Heart" es un recordatorio de la belleza que reside en la simplicidad. Esta canción es un viaje emocional que deja una impresión duradera en todos aquellos que tienen el placer de escucharla.

Stanton Lanier - “A Thousand Years”

 

          

 Stanton Lanier es más que un simple pianista; es un artista cuyas melodías trascienden el tiempo y el espacio, tocando los corazones y elevando los espíritus de aquellos que tienen el privilegio de escucharlo. 

 Con una carrera musical que abarca décadas, Lanier comenzó su viaje en la música clásica y, a lo largo del camino, descubrió una pasión por crear piezas que van más allá de los límites tradicionales del piano. Es un maestro en traducir emociones complejas en notas simples, dejando una impresión duradera en quienes lo escuchan.

 El estilo de Lanier es único e inconfundible. Sus composiciones combinan hábilmente elementos de música clásica, contemporánea y espiritual, creando una experiencia auditiva que es a la vez calmante e inspiradora. Cada nota es cuidadosamente elegida, cada acorde es como una pincelada en una obra de arte sonora.

 Stanton Lanier no solo es un pianista, sino también un compositor, autor y creyente. Su visión es crear encuentros con Dios para todas las generaciones a través de música instrumental inspirada en las Escrituras. 

Después de una carrera de quince años en negocios, Stanton fundó el ministerio sin fines de lucro Music to Light the World. A través de este ministerio, ha donado 75,000 CD a pacientes con cáncer y otras personas necesitadas de esperanza y sanación . Además de su habilidad técnica excepcional, es la profundidad emocional de su música lo que realmente resuena con su público. 

Lanier no solo toca el piano; cuenta historias con sus melodías. Cada pieza es un viaje emocional, llevando al oyente a lugares de serenidad, esperanza y reflexión. Sus actuaciones en vivo son verdaderamente cautivadoras. La atmósfera que crea es mágica, envolviendo al público en un mundo de belleza sonora. Es una experiencia trascendental, donde las preocupaciones del mundo cotidiano desaparecen y solo queda la música, fluyendo suavemente como un río del alma. 

Dentro de su discografía destaca  “December Peace II”: Un proyecto navideño. “So Loved”: Con bandas sonoras de personajes bíblicos que invitan a Dios a cantar sobre nuestras vidas e historias. 

“A Thousand Years”: disco editado en 2011 y reconocido como Mejor Álbum Neoclásico y Música Sagrada Notable. escogemos de este disco el tema Bread Of Angels

kerani - The Water Of Life - Cascade

 

       

Kerani es una verdadera maestra en la síntesis de sonido. Tiene una gran  capacidad para combinar elementos electrónicos con melodías etéreas creando paisajes sonoros que trascienden lo común. Desde sintetizadores hasta instrumentos tradicionales, Kerani fusiona lo antiguo con lo moderno, creando una experiencia auditiva única que transporta a los oyentes a nuevos mundos sonoros.

 Kerani se inspira en los elementos que nos rodean para crear sus obras . Dieciocho meses exactos después del lanzamiento de su galardonado álbum "Sands of Time", nos sorprende con una nueva y cautivadora obra llamada "The Water of Life". 

 Las diez piezas de este álbum fueron escritas con el agua en mente, como fuente de inspiración. Todos estamos familiarizados con la ciencia que rodea al agua. Por lo tanto, la idea era llevar el agua al primer plano de nuestra conciencia como fuente de vida, renacimiento y regeneración.

 La música presenta a Kerani en el piano y sintetizadores, respaldada por una sección de cuerdas en vivo y una vocalista. El agua, uno de los cinco elementos de la vida, es un limpiador y sanador. Todos los seres vivos somos inseparables de él. 

El agua que fluye a través de nuestro cuerpo físico, que representa el 65% del cuerpo humano, está profundamente conectada con los océanos, mares y ríos de nuestro planeta. 

Humanos y naturaleza son uno en ese sentido. "Con este álbum, quiero llevar el agua al primer plano de nuestra conciencia como fuente de vida, renacimiento y regeneración", dice Kerani.

 The Water of Life es un álbum editado en el año 2022 . El álbum presenta 10 pistas que exploran la inspiración y la vitalidad del agua. Cada pieza es una expresión artística única que resalta diferentes aspectos del agua y su significado en nuestras vidas

La primera pista de este álbum , titulada como el disco The Water Of Life nos hace ver por sonde va el resto del disco , Kerani crea una etérea melodía con sonidos relajantes y envolventes y nos  describe el increíble poder del agua y el misterio y majestuosidad de los océanos.

 Cascade es otra de las melodías que me cautivaron de este disco . Esta composición épica evoca la imagen de una cascada gigante con un comienzo suave , el agua se acumula en lo alto , luego la melodía   va in  crescendo , hasta caer salvaje al final de su caída para encontrar su camino hacia abajo en un arroyo . 

El agua, uno de los cinco elementos de la vida, es un limpiador y sanador. Todos los seres vivos están inseparablemente conectados a él. El agua que fluye a través de nuestro cuerpo físico está profundamente relacionada con los océanos, mares y ríos de nuestro planeta. Humanos y naturaleza son uno en ese sentido. 

Capercaillie - Delirium - Dr MacPhail's Reel

 

        

 Capercaillie es una de las bandas de música celta que mejor ejemplifica lo que debe ser un gran grupo de música flok guardando la tradición pero siempre mirando hacia el futuro sin perder la esencia del camino recorrido.

  El urogallo, o Capercaillie, es una especie emblemática de aves de bosque que ha inspirado tanto la música como la imaginación de muchos. Capercaillie, la banda escocesa de música celta contemporánea, adoptó su nombre de esta majestuosa ave, y a lo largo de su carrera ha tejido una rica amalgama de sonidos tradicionales y contemporáneos. 

 La banda, fundada por Donald Shaw en 1984 y liderada por la carismática Karen Matheson, ha sido pionera en fusionar la música gaélica con elementos modernos, atrayendo a una audiencia global con su energía y sensibilidad. 

Su disco "Delirium", lanzado en 1991, fue uno de los primeros que escuché y sin duda es un disco esencial en su  trayectoria, consolidando su posición como una de las principales voces en la escena de la música celta. 

 "Delirium" es un álbum que desafía las expectativas y transporta al oyente a un viaje sonoro emocionante y evocador. Entre sus pistas,  destacan Coisich a Ruin un tema tradicional arreglado por  y "Dr. MacPhail's Reel" una melodía animada que captura la esencia juguetona y virtuosa de la música tradicional escocesa y una canción esencial en la carrera del grupo y que se podía escuchar regularmente en el programa Diálogos Tres de Ramon Trecet . Esta canción en particular muestra la habilidad técnica y el espíritu contagioso de la banda, con su fusión única de instrumentación tradicional y arreglos contemporáneos.

 A lo largo de su carrera, Capercaillie ha continuado explorando y expandiendo los límites de la música celta, incorporando influencias de otros géneros y culturas. Su compromiso con la preservación y la celebración de la herencia musical gaélica ha ganado admiradores en todo el mundo, y su legado perdura a través de su innovación y pasión inquebrantable por la música.

Max Richter - The New Four Seasons Vivaldi Recomposed - Winter 3

 

     

      

 Max Richter, un talento multifacético nacido en Hamelín, Alemania, ha dejado una marca imborrable en el mundo de la música contemporánea y minimalista. Con una formación musical que abarca desde la Universidad de Edimburgo hasta el tutelaje del renombrado compositor Luciano Berio en Florencia, Richter ha cultivado un estilo único que fusiona lo clásico con lo contemporáneo. 

 Una de las empresas más audaces de Richter fue la reinterpretación completa de una de las obras maestras más veneradas de todos los tiempos: "Las Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi. 

Con su álbum "Recomposed by Max Richter: Vivaldi - The Four Seasons", Richter desafió las convenciones musicales al reconstruir y reimaginar esta obra icónica para el siglo XXI. Lo que hace que esta reinterpretación sea tan especial es la forma en que Richter conserva la esencia y la belleza del original mientras infunde su propio estilo distintivo. 

Al conservar el 75% del material original de Vivaldi, Richter deja espacio para su creatividad, añadiendo capas de minimalismo y modernidad que resuenan con la sensibilidad contemporánea. A través de su visión única, Richter logra mantener el espíritu barroco de la obra original mientras le da un giro fresco y emocionante. Su enfoque respetuoso pero innovador ha sido aclamado por críticos y audiencias por igual, demostrando que la música clásica puede ser atemporal y relevante incluso en la era moderna. 

 Richter utiliza elementos de fase y bucle que enfatizan su enfoque en la música postmoderna y minimalista. La pieza se estrenó en el Reino Unido en el Barbican Centre en 2012, interpretada por la Britten Sinfonia, dirigida por André de Ridder, con el violinista Daniel Hope. Richter grabó una nueva versión de Las Cuatro Estaciones en 2022 junto al violinista Elena Urioste y la Orquesta Chineke!, lanzándola como Las Nuevas Cuatro Estaciones - Vivaldi Recomposed.

En Posts anteriores hemos traído algún tema de este disco .Hoy os traigo el movimiento Winter correspondiente a su último disco Las Nuevas Cuatro Estaciones - Vivaldi Recomposed. interpretada por la orquesta Chineke 

 

Seamus Egan - When Juniper Sleeps

 

Seamus Egan es un músico irlandés-estadounidense de renombre internacional, conocido por su habilidad como multi instrumentista y compositor. 

Nacido en 1969 en Filadelfia, Pensilvania, Egan comenzó su carrera musical a una edad temprana, mostrando un talento innato para una variedad de instrumentos tradicionales irlandeses, incluyendo la flauta, el tin whistle, la mandolina y el banjo, entre otros. 

 Su interés por la música tradicional irlandesa fue fomentado por su familia, especialmente por su padre, quien lo introdujo a este género musical desde una edad temprana. A lo largo de los años, Egan ha perfeccionado su técnica y ha explorado una amplia gama de estilos musicales, desde el tradicional hasta el contemporáneo, fusionando influencias de diferentes culturas y géneros. 

 Uno de los hitos en la carrera de Seamus Egan es su álbum "When the Juniper Sleeps", lanzado en 2006. Este álbum es un testimonio de la profundidad de su talento como compositor y músico. "When the Juniper Sleeps" ofrece una experiencia auditiva única que combina elementos de la música tradicional irlandesa con influencias contemporáneas, creando paisajes sonoros emotivos y evocadores.

 El álbum presenta una variedad de instrumentos interpretados magistralmente por Egan, incluyendo la flauta, el tin whistle y la mandolina, entre otros. Las composiciones son ricas en texturas y melodías, transportando al oyente a paisajes imaginarios y emociones profundas. Desde piezas animadas y enérgicas hasta baladas melancólicas, "When the Juniper Sleeps" demuestra la versatilidad y la maestría de Seamus Egan como músico y compositor. 

 Además de su trabajo como solista, Seamus Egan ha colaborado con una variedad de artistas y ha participado en numerosos proyectos musicales a lo largo de su carrera. Su influencia en la escena musical irlandesa-estadounidense es innegable, y su legado perdurará en la música tradicional y contemporánea durante generaciones.

Dentro del disco destacan canciones como The Lark una bonita y sofisticada canción y la canción que da titulo al álbum , When Juniper Sleeps una canción que me recuerda en el comienzo de la canción al celebre Canon de Pachelbel , para luego ir transformándose en una bella melodía Celta

Himekami - Moonwater - Moonwater

 

          

 Himekami es un grupo de música new age japonés fundado en 1980 por el compositor Yoshiaki Hoshi y su esposa Etsuko. Originalmente conocido como Himekami Sensation, el grupo adoptó su nombre definitivo en 1984, inspirado en el Monte Himekami, ubicado en la prefectura de Iwate. 

 Su música se caracteriza por fusionar elementos de la música tradicional japonesa con sonidos electrónicos y ambientales, creando paisajes sonoros evocadores que transportan al oyente a través de la rica cultura y la belleza natural de Japón.

 A lo largo de su trayectoria, Himekami ha lanzado más de 30 álbumes, ganando reconocimiento internacional por su estilo único y conmovedor.

"Moonwater" es una de las canciones más populares de Himekami, incluida en su álbum homónimo de 1989. La pieza se caracteriza por su melodía suave y etérea, acompañada de sintetizadores y percusiones delicadas que crean una atmósfera serena y reflexiva. 

La canción evoca imágenes de la luna reflejándose en la superficie tranquila del agua, invitando a la introspección y la conexión con la naturaleza. 

"Moonwater" se encuentra en el álbum homónimo Moonwater , lanzado en 1989. Este álbum es considerado uno de los trabajos más representativos del grupo, y ha sido elogiado por su belleza atemporal y su capacidad para conectar con las emociones del oyente.

Si bien "Moonwater" es una de las canciones más conocidas de Himekami, el grupo ofrece una amplia gama de composiciones que exploran diversos temas y atmósferas.

Loreena McKennitt - "Elemental"- "Stolen Child"

 

      

      

 Loreena McKennitt es una cantante, compositora y multi instrumentista canadiense conocida por su música inspirada en elementos celtas, folclóricos y mundiales. Su voz etérea y habilidades instrumentales en instrumentos como arpa, teclado y acordeón, combinadas con letras poéticas, transportan a los oyentes a paisajes sonoros de cuentos antiguos y viajes mágicos. 

 Nacida en 1957 en Morden, Manitoba, McKennitt comenzó su carrera musical en la década de 1980. Lanzó su primer álbum, "Elemental", en 1985, que ya revelaba su pasión por la mezcla de culturas y tradiciones musicales.

 Sin embargo, fue con el lanzamiento de "The Visit" en 1991 que su carrera comenzó a despegar internacionalmente. Uno de los álbumes más aclamados de McKennitt es "The Book of Secrets", lanzado en 1997, que presenta canciones como "The Mummer's Dance" y "Dante's Prayer". Este álbum ejemplifica su habilidad para combinar instrumentación exótica, como la gaita irlandesa y el bouzouki, con letras que exploran temas de mitología, historia y espiritualidad. 

 Además de su música, Loreena McKennitt también es conocida por su compromiso con la preservación del patrimonio cultural. Fundó Quinlan Road, su propio sello discográfico independiente, que le permitió mantener un control creativo total sobre su música y apoyar proyectos relacionados con el arte y la cultura.

 McKennitt sigue cautivando a fans de todo el mundo con su música única y poderosa. Su capacidad para crear un sentido de encanto y misterio a través de su arte la convierte en una figura notable en la escena musical contemporánea, inspirando tanto a amantes de la música folclórica como a buscadores de experiencias trascendentales.

 "Elemental" es el álbum debut de Loreena McKennitt, lanzado en 1985. Este álbum estableció el estilo distintivo de McKennitt, fusionando elementos de música celta, folclore y tradiciones mundiales.

"Elemental" presenta una variedad de instrumentos, incluyendo la voz distintiva de McKennitt, así como la guitarra, el piano, la mandolina y la arpa, entre otros. Una de las pistas destacadas de "Elemental" es "Stolen Child", una adaptación del poema homónimo de William Butler Yeats. Esta canción encapsula la habilidad de McKennitt para tejer magistralmente música y poesía en una experiencia auditiva inolvidable.

 "Stolen Child" transporta a los oyentes a un reino de ensueño, donde las palabras de Yeats cobran vida a través de la voz emotiva de McKennitt y la rica instrumentación que la acompaña. 

 La canción evoca una sensación de misterio y maravilla, capturando la esencia del poema original que trata sobre las hadas que seducen a un niño humano para llevarlo a su mundo encantado. La interpretación de McKennitt resalta la dualidad entre la belleza y la oscuridad, creando una atmósfera evocadora que invita a la reflexión sobre la naturaleza de la realidad y la fantasía. "Stolen Child" es un ejemplo perfecto del talento de Loreena McKennitt para fusionar la literatura y la música de una manera que trasciende el tiempo y el espacio, dejando una impresión eterna en aquellos que tenemos el placer de escucharla.

Greg Maroney - “Pete & Penelope: A Love Story” - Longing For Love

 

 Greg Maroney es un artista que se destaca en el género de la música para piano solo. Su estilo se caracteriza por ser introspectivo y expresivo, a menudo inspirado en la naturaleza y las experiencias personales. 

La música de Maroney puede variar desde piezas tranquilas y meditativas hasta composiciones más dinámicas y emocionalmente intensas. Su habilidad para capturar la esencia de las emociones humanas y traducirlas en música es lo que hace que su trabajo sea tan conmovedor y memorable. 

 A lo largo de su carrera, Maroney ha colaborado con varios artistas, lo que ha enriquecido su repertorio. Estas colaboraciones han permitido que su música alcance una mayor profundidad y variedad, combinando el piano con otros instrumentos como la flauta y el violonchelo. Estas sinergias musicales han dado lugar a proyectos que exploran nuevas texturas sonoras y emociones, ampliando el alcance de su expresión artística.

 El enfoque de Maroney hacia el piano es  de profunda conexión y comunicación. Su técnica de tocar es fluida y adaptativa, permitiéndole fluir con la música de manera que parece casi improvisada. Esta capacidad de ser espontáneo, mientras mantiene una estructura musical coherente, es una de las razones por las que su música es tan apreciada. Cada nota y cada pausa están imbuidas de intención y sentimiento, invitando al oyente a un viaje emocional a través del sonido.

Uno de sus últimos discos es el álbum  del año 2023, titulado “Pete & Penelope: A Love Story”, es una colección de 15 canciones que exploran la narrativa de una historia de amor a través de la música para piano. Este trabajo refleja la habilidad de Maroney para contar historias emotivas y profundas sin necesidad de palabras, utilizando en su lugar la expresión y la melodía. 

 Cada pieza del álbum es una representación musical de los altibajos, las alegrías y las tristezas que acompañan a una historia de amor. 

La música de Maroney es conocida por su capacidad para evocar imágenes y emociones, y este álbum no es una excepción. 

“Pete & Penelope: A Love Story” es un testimonio del talento de Maroney como compositor y pianista. Su música es a menudo descrita como un bálsamo para el alma, y este álbum, con su temática romántica y su ejecución exquisita, seguramente resonará con aquellos que buscan una experiencia musical que hable directamente al corazón.

Longing For Love es la canción escogida de este álbum , un tema romántico y delicado como nos acostumbra Maroney  

Thomas Bergersen - "Humanity II" - "We Are Legends"

 

 

Thomas Bergersen es un productor y artista musical galardonado y tres veces platino, originario de Trondheim, Noruega. Es mejor conocido por sus producciones bajo el sello Two Steps From Hell, del cual es cofundador.

 Su música ha sido reproducida más de 6 mil millones de veces en todas las plataformas de streaming, y de las 100 canciones más reproducidas de Two Steps From Hell, Thomas ha escrito más de 90 de ellas. 

Ha proporcionado música para innumerables producciones de Hollywood y tráilers de películas, incluyendo Harry Potter, Jurassic Park, Star Wars, Avengers, Indiana Jones, Interstellar, entre otras. Su último trabajo musical incluye la primera sinfonía híbrida del mundo, "Seven", así como una nueva serie masiva de música llamada "Humanity", que se lanzará secuencialmente en 7 capítulos.

 Hoy quiero volver a hablarles sobre uno de mis músicos favoritos, Thomas Bergersen, y su impresionante saga de 7 volúmenes titulada "Humanity" donde el músico explora la evolución de la humanidad desde sus comienzos todo ello en clave musical. 

Hasta el momento, Bergersen ha lanzado 5 discos de esta serie, y en este espacio he compartido algunos temas de cada uno. Pero dado que no hay noticias sobre nuevos lanzamientos, he decidido volver a explorar los volúmenes anteriores, ya que la calidad de su música merece ser revisitada. 

 En esta ocasión, quiero destacar una canción inigualable de su segundo volumen, "Humanity II", titulada "We Are Legends". En esta pieza, Bergersen demuestra una vez más su maestría, llevándonos a través de un viaje épico que abarca una amplia gama de emociones y estilos musicales.

 "We Are Legends" es una obra que muestra todos los recursos de Bergersen en su máxima expresión. A lo largo de sus trece minutos de duración, la canción nos sumerge en momentos de serenidad casi onírica, para luego llevarnos a pasajes más clásicos y, en ocasiones, incluso abrazar tintes más rockeros todo ello bajo la impronta épica de Bergersen . 

Es difícil de creer cómo puede fusionar todos estos elementos de manera tan magistral, pero el resultado es simplemente asombroso. Cada vez que escucho esta maravillosa canción, me siento transportado a un mundo de pura emoción y energía. Es un verdadero lujo poder disfrutar de una obra tan extraordinaria, y estoy ansioso por compartir más joyas de la serie "Humanity" a medida que Thomas Bergersen continúe su legado musical.

7and5 - "Hope, Destiny, And Choice" - "Arrival"

 

         

  7and5 es un proyecto musical creado por el compositor y productor musical John H. Nixon. Su música se centra principalmente en géneros como el new age, ambiental y electrónico. Aunque no es tan conocido como algunos artistas más populares, 7and5 ha desarrollado un seguimiento fiel debido a su enfoque único y evocador en la creación musical.

 7and5 se caracteriza por su estilo melódico y atmosférico. La música  presenta sonidos electrónicos y sintetizadores que crean paisajes sonoros relajantes y evocadores. Es ideal para aquellos que buscan música ambiental para la relajación, la meditación o simplemente para disfrutar de una experiencia auditiva única. 

 Aunque no hay información clara sobre las influencias específicas de 7and5, su música refleja la influencia de la música new age y ambiental en general. 

Nixon ha trabajado en colaboración con otros artistas y músicos para enriquecer sus composiciones. 

 Aunque puede no ser tan conocido en el mundillo musical, 7and5 ha recibido elogios por su enfoque original y su capacidad para crear música que conecta con las emociones del oyente. Su música a menudo se encuentra en listas de reproducción de música relajante y ha ganado seguidores en la comunidad de música ambiental.

El álbum "Hope, Destiny, And Choice" de 7and5 es un vibrante y vitalista viaje musical que comienza desde la primera nota de "Arrival". Este disco no solo nos sumerge en el mundo de la música electrónica y Chill Out, sino que también infunde cada pista con una esencia única y emotiva. 

 La primera canción, "Arrival", sirve como puerta de entrada a un ambiente electrizante y lleno de vida. La música electrónica de 7and5 adquiere una dimensión especial, impregnada de una vibración que trasciende el simple ritmo. Cada composición parece tener su propio latido, su propia alma. Dentro del álbum, nos encontramos con momentos relajantes que suavizan la experiencia auditiva, sumergiéndonos en ambientes serenos y tranquilos. Cada nota lleva consigo una sensación de relajación, creando un contraste fascinante con la energía pulsante que caracteriza al álbum en su conjunto.

Siempre que tengo algún momento distendido suelo poner algo de este grupo porque me resulta muy agradable  y me revitaliza escuchar su música , hoy quiero destacar de este grupo la canción Arrival una canción que me resulta muy relajante y me aporta vitalidad cada vez que la escucho 

Jim Chappell - Tender Ritual

 

       

 Desde los más profundo de su innovadora colección de piano en solitario, "Tender Ritual", hasta cautivar a audiencias  en todo el mundo, Jim Chappell ha consolidado su lugar como uno de los compositores y artistas más cautivadores de la música contemporánea. 

Con un impresionante repertorio que cuenta con 18 álbumes, el viaje musical de Chappell ha sido nada menos que extraordinario. El talento de Chappell trasciende fronteras, cautivando a audiencias en todo el mundo. Sus conciertos, que a menudo se presentan ante auditorios llenos, han sido inmortalizados a través de transmisiones televisivas nacionales, mostrando su magnética presencia en el escenario y su incomparable destreza musical. 

 Destacadamente, la destreza artística de Chappell le ha valido oportunidades prestigiosas, incluida una actuación en la ilustre celebración del 50 cumpleaños de Robert DeNiro. En medio de la élite de Hollywood, la música de Chappell resonó con una multitud en silencio, afirmando su estatus como una figura destacada en la industria. 

 Más allá de sus presentaciones en vivo, las composiciones de Chappell han obtenido aclamación generalizada en las ondas de radio. 

Varios de sus álbumes han disfrutado de una amplia difusión en estaciones de radio de formato Smooth Jazz, y su álbum "Over The Top" alcanzó el primer puesto en las listas nacionales. La huella musical de Chappell se extiende mucho más allá de las ondas radiofónicas, con sus composiciones enriqueciendo la música. 

 El impacto de la música de Chappell trasciende el mero entretenimiento, resonando profundamente con audiencias en diversos medios.

 La emotiva interpretación del patinador de oro Brian Boitano con la música de Chappell en una presentación televisada nacional en el Día de Acción de Gracias sirve como testimonio del poder emotivo y el atractivo universal de las composiciones de Chappell. 

 El viaje musical de Jim Chappell es un testimonio del poder transformador del arte. Con cada nota, continúa cautivando corazones y mentes, dejando una marca indeleble en el mundo de la música contemporánea.

Tender Ritual es una composición de los comienzos de Jim Chappell , el tema pertenece al disco homónimo Tender Ritual editado en el año 1985 , un tema muy tranquilo y emotivo de piano solo

Karen Matheson - "Time to Fall" - "All the Flowers of the Bough"

 

      

Karen Matheson es una de mis cantantes favoritas desde que la conocí con su grupo Capercaillie. Desde el primer momento, quedé cautivado por su voz, que parece estar tocada por los mismos dioses. Hay un encanto único en su forma de cantar que la diferencia del resto. Karen Matheson alterna sus apariciones con su grupo Capercaillie y con su trayectoria en solitario, y hoy quiero hablar sobre su disco en solitario "Time to Fall", editado en el año 2002.

 Este álbum consta de 12 canciones donde Karen desarrolla todo su talento compositivo y su legado musical en la música celta. "Time to Fall" es una obra maestra que fusiona la tradición celta con influencias contemporáneas de una manera que solo Matheson puede lograr. 

 Desde los primeros compases de "Time to Fall", el oyente es transportado a un mundo de belleza melódica y lírica poética. Las canciones exploran temas de amor, pérdida, nostalgia y esperanza, todos envueltos en la distintiva voz de Matheson, que transmite una profundidad emocional única. 

 Uno de los aspectos más destacados del álbum es la habilidad de Matheson para transmitir una sensación de serenidad y calma a través de su música. Las melodías fluyen con gracia y elegancia, mientras que la voz de Matheson, con su tono suave y emotivo, envuelve al oyente en un abrazo musical reconfortante. 

 Las colaboraciones en el álbum también merecen ser mencionadas. Matheson ha reunido a un elenco de músicos talentosos que complementan perfectamente su estilo único. Desde arreglos instrumentales meticulosos hasta coros exquisitos, cada pista de "Time to Fall" es una obra maestra en sí misma. 

Una de las canciones que destacan dentro del álbum es "All the Flowers of the Bough". Esta canción se aparta de su tradición más celta tomando toques más pop  , pero conservando esa   voz que es un instrumento de pureza y poder, capaz de transmitir una gama completa de sentimientos, desde la melancolía hasta la esperanza, con una sola nota. La voz de Karen y la bella orquestación hacen de esta canción una pequeña obra maestra.

Ottmar Liebert - "Bare Wood 2" - Las Nubes

 

Ottmar Liebert, junto con su banda Luna Negra, ha logrado destacarse como uno de los instrumentistas más exitosos en la escena musical actual, gracias a su distintivo sonido que fusiona elementos del flamenco, la new age, el jazz,  y el rock . 

 Nacido en Colonia, Alemania, Liebert comenzó su viaje musical aprendiendo a tocar la guitarra clásica a la temprana edad de 11 años. Durante su adolescencia, tuvo la oportunidad de explorar diferentes tradiciones musicales mientras viajaba por Europa y Asia junto a sus padres. 

Después de una temporada en Boston, donde se involucró en bandas de rock, Liebert finalmente se estableció en Santa Fe a finales de los años 80. En Santa Fe, Liebert encontró su hogar musical y formó la banda Luna Negra, con la cual comenzó a tocar música instrumental acústica con influencias flamencas en hoteles y bares locales. Su demo autoproducido pronto atrajo la atención de las radios locales, lo que llevó a Liebert a firmar con el sello discográfico Higher Octave.

 El debut resultante, titulado "Nouveau Flamenco", lanzado en 1989, se convirtió rápidamente en un éxito rotundo, alcanzando el doble platino en los Estados Unidos. A lo largo de su carrera, Liebert ha continuado expandiendo su sonido único, lanzando más de 30 discos que van desde álbumes de estudio hasta grabaciones en vivo y proyectos especiales. 

Cinco de sus lanzamientos han sido nominados al Grammy en la categoría de mejor New Age, demostrando el impacto duradero de su música en la industria. En la última década, Liebert ha seguido innovando y lanzando discos aclamados por la crítica, incluida una recopilación titulada "Bare Wood" y "three-oh-five" en 2014. Un año después, grabó "Waiting n Swan", un tributo emotivo a la música de Bob Marley. 

Su más reciente trabajo, "Bare Wood 2", lanzado en 2021, presenta versiones completamente acústicas de algunos de sus éxitos anteriores, así como cuatro nuevas composiciones originales. 

 A lo largo de su carrera, Ottmar Liebert ha demostrado una habilidad innata para fusionar diversos estilos musicales con maestría, creando una experiencia auditiva única y cautivadora para sus oyentes en todo el mundo. Su legado como músico y compositor continúa resonando con una audiencia cada vez más amplia, solidificando su lugar como uno de los artistas más influyentes en la música contemporánea.

Dentro del disco destaca la canción Las Nubes  un tema donde Liebert nos demuestra el dominio de la guitarra y la armonía para crear una bonita canción fusionando el flamenco con ritmos New Age

Nightnoise - "A Different Shore" - "Call of the Child"

 

                     Descubriendo la Belleza Oculta de Nightnoise: Una Experiencia Personal

 Nightnoise es uno de esos grupos de música celta que, a pesar de su talento extraordinario, a menudo pasan desapercibidos para el gran público. Para mí, descubrir su música fue como tropezar con un tesoro escondido en el vasto paisaje musical. 

Comenzaron como una colaboración entre el violinista estadounidense Billy Oskay y el guitarrista irlandés Mícheál Ó Domhnaill, y desde entonces, su arte ha cautivado corazones de todo el mundo.

 Recuerdo la primera vez que escuché su álbum debut homónimo, "Nightnoise", lanzado en 1984. Su música me envolvió en una atmósfera mágica, donde la tradición celta se mezclaba con un toque jazzístico, creando un sonido completamente único que resonaba en lo más profundo de mi ser. 

Pero fue tres años después cuando su formación se completó con la incorporación de Tríona Ní Dhomnaill al piano y voz, así como Brian Dunning a la flauta, que el verdadero poder de Nightnoise se manifestó plenamente.

 Desde el primer momento, el grupo me cautivó con su habilidad para tejer paisajes sonoros emocionantes y melódicos. Su respeto por la tradición celta se entrelazaba con una creatividad innovadora, llevando la música a nuevas alturas de belleza y emoción. Cada canción era como un viaje emocional, transportándome a lugares de ensueño y reflexión. 

 Hoy quiero compartir con ustedes una de las joyas ocultas de Nightnoise: "Call of the Child", de su álbum "A Different Shore" de 1995. Esta canción, escuchada recientemente, me dejó maravillado por su simplicidad y profundidad. Con solo tres instrumentos - una guitarra, una flauta y un violín - Nightnoise logra crear una melodía que es pura magia sin que echemos en falta nada más. 

 Nightnoise es mucho más que un grupo de música celta. Son narradores de historias, poetas del sonido, capaces de transportarnos a mundos de belleza y emoción con cada nota que tocan. Descubrir su música ha sido un regalo para mí, y espero que también lo sea para ustedes. Si aún no han tenido la oportunidad de escuchar a Nightnoise, les animo a que lo hagan. Quién sabe, tal vez también encuentren un tesoro escondido en su música.

Eric Tingstad y Nancy Rumbel - "Pastorale" - "Guinevere's Lament"

                  

 Eric Tingstad es un músico estadounidense conocido por su habilidad como guitarrista y su contribución al género de la música instrumental, particularmente en el ámbito de la música new age y folk. 

 Eric Tingstad nació el 16 de diciembre de 1954 en Seattle, Washington, Estados Unidos. Comenzó su carrera musical en la década de 1980 y se hizo conocido por su estilo de guitarra fingerstyle, que combina elementos de folk, blues y música clásica. A lo largo de su carrera, ha colaborado con varios músicos y ha lanzado numerosos álbumes tanto en solitario como en colaboración. 

 Una de sus asociaciones más destacadas es con la violinista Nancy Rumbel. Juntos, formaron el dúo Tingstad & Rumbel y lanzaron varios álbumes aclamados por la crítica que fusionan elementos de la música folk, clásica y new age. 

Su música es conocida por su belleza serena y evocadora.

 Nancy Rumbel es una músico, compositora y productora discográfica estadounidense. Nació el 24 de febrero de 1958 en San Antonio, Texas. Es conocida por su trabajo como flautista, oboísta y ocarinista, y ha grabado y producido música en una variedad de géneros, incluyendo el new age, la música clásica y la música tradicional.

 Rumbel comenzó a tocar la flauta a la edad de 10 años, y comenzó a estudiar oboe y clarinete en la escuela secundaria. Después de graduarse de la escuela secundaria, estudió etnomusicología en la Northwestern University, donde trabajó con Ray Sills de la Orquesta Sinfónica de Chicago. 

 Rumbel es una músico versátil y talentosa, y su trabajo ha sido elogiado por su belleza, su sensibilidad y su originalidad. Es una de las flautistas más destacadas de la música new age, y su trabajo ha inspirado a una generación de músicos.

 A lo largo de su carrera, Eric Tingstad y Nancy Rumbel  han ganado varios premios, incluyendo premios Grammy en la categoría de Mejor Álbum New Age. 

Su música a menudo se asocia con paisajes naturales y escenas rurales, creando atmósferas relajantes y emotivas para los oyentes. 

 En 1997 , Tingstad y Rumbel lanzaron  su álbum  "Pastorale". El álbum es un viaje musical a través de los paisajes rurales de América, y presenta una variedad de influencias, incluyendo el folk, el blues y la música tradicional americana .

Dentro de este magnífico álbum, destaca la canción "Guinevere's Lament". Con sus suaves acordes de guitarra y la emotiva interpretación de la oboe de Rumbel, esta pieza nos sumerge en la nostalgia y la melancolía. La melodía fluye como un arroyo tranquilo, llevándonos a tiempos de  recuerdos y  emociones en una época perdida en la bruma del tiempo. 

 Eric Tingstad y Nancy Rumbel son maestros en el arte de crear música que trasciende fronteras y emociones. Con "Pastorale" y canciones como "Guinevere's Lament", nos invitan a un viaje sonoro lleno de belleza y significado.