Wim Mertens - Dust of Thruts - Old Katarat

Wim Mertens es un renombrado compositor, pianista y músico belga conocido por su enfoque único y su contribución a la música minimalista y experimental. Nacido el 14 de mayo de 1953 en Neerpelt, Bélgica, Mertens ha dejado una huella significativa en el panorama musical con su estilo distintivo y su capacidad para combinar elementos de la música clásica, el minimalismo y la música pop.

 Desde sus inicios, Wim Mertens ha explorado la composición musical de manera innovadora y desafiante. Estudió música clásica en el Conservatorio de Música de Bruselas, donde se especializó en piano, teoría musical y música antigua. Durante su tiempo en el conservatorio, Mertens comenzó a experimentar con nuevas formas de expresión musical y a desarrollar su enfoque minimalista, caracterizado por la repetición y la exploración de estructuras rítmicas y armónicas. 

 En 1980, Wim Mertens lanzó su primer álbum, "For Amusement Only", que marcó el comienzo de su carrera musical. Sin embargo, fue con su trabajo posterior, en particular el álbum "Struggle for Pleasure" de 1983, que Mertens comenzó a ganar reconocimiento internacional. Este álbum presentaba la cautivadora pieza "Close Cover", que se convirtió en una de las composiciones más emblemáticas de Mertens. 

 "Old Katarakt" es una de las composiciones más exitosas de los últimos discos de Wim Mertens la canción forma parte del álbum "Dust of Truths", lanzado en 2016. Esta canción en particular destaca por su belleza y su capacidad para evocar emociones profundas en el oyente. 

Mertens crea una experiencia musical cautivadora al combinar elementos de la música clásica y el minimalismo con su enfoque característico. La canción comienza con arreglos de piano delicados y evocadores que establecen una atmósfera melancólica y contemplativa. La melodía se despliega gradualmente a través de repeticiones sutiles y variaciones, creando un sentido de movimiento y crecimiento. A medida que la pieza avanza, se añaden capas adicionales de instrumentación, como cuerdas y vientos, para enriquecer aún más el paisaje sonoro y profundizar la experiencia auditiva. 

 La composición de "Old Katarakt" refleja la habilidad de Mertens para crear un equilibrio entre la simplicidad y la complejidad musical. La repetición y la variación son elementos clave en su enfoque minimalista, y en esta canción en particular, Mertens utiliza estas técnicas para transmitir una sensación de nostalgia y reflexión. 

 En cuanto al álbum "Dust of Truths", es considerado uno de los trabajos más destacados de Wim Mertens. Lanzado en un momento en el que ya había ganado reconocimiento internacional, este álbum muestra la madurez artística y la evolución musical de Mertens. A lo largo del disco, se exploran diferentes temas y emociones a través de composiciones ricas y emotivas. en el disco destacan canciones como Nuanced un tema vitalista y muy bello 

 "Dust of Truths" presenta una combinación de composiciones instrumentales y vocales, cada una con su propia narrativa musical. Mertens utiliza su enfoque minimalista para crear piezas que cautivan al oyente con sus melodías sutiles y su cuidada instrumentación. El álbum abarca una amplia gama de emociones, desde la serenidad y la melancolía hasta la energía y la exaltación. 

 

Yanni - In Is Purest Form - The Mermaid

 

          

 Yanni es un compositor y pianista griego-estadounidense de música new age. Es uno de los artistas más populares y exitosos del género, con más de 20 millones de discos vendidos en todo el mundo. 

 Yanni nació en Kalamata, Grecia, en 1954. Comenzó a tocar el piano a los cuatro años y mostró un talento natural para la música. A los 14 años, ganó un concurso de piano nacional y recibió una beca para estudiar en el Conservatorio de Atenas. 

 En 1976, Yanni se trasladó a Estados Unidos para estudiar en el Berklee College of Music en Boston. Después de graduarse, se mudó a Los Ángeles para seguir una carrera musical. Yanni lanzó su primer álbum, Odyssey, en 1984. El álbum fue un éxito comercial y le valió a Yanni un contrato con la discográfica CBS Records.

 Yanni siguió lanzando álbumes exitosos a lo largo de la década de 1980, incluyendo Chameleon (1986), Out of Silence (1987) y Keys to the Imagination (1990). 

 En 1994, Yanni lanzó su álbum más exitoso, In Celebration of Life. El álbum vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo y fue seguido por una gira mundial que atrajo a más de 2 millones de personas. Yanni ha continuado lanzando álbumes y girando por el mundo durante las últimas décadas.

 En 2020, lanzó su último álbum, In My Purest Form. In My Purest Form es un álbum de regreso a las raíces de Yanni. El álbum está compuesto principalmente por piezas de piano solo, con una producción minimalista que permite que la música fluya libremente. 

 El álbum recibió críticas positivas de los críticos, quienes elogiaron la belleza y la simplicidad de la música. 

En este disco Yanni regresa a sus raíces con un álbum de piano solo. La canción "Mermaid" es una de las más destacadas del álbum, con una hermosa melodía que evoca calma y sosiego . La canción comienza con un suave arpeggio de piano que crea una atmósfera de calma y serenidad. A medida que la canción avanza, el piano se vuelve más expresivo, creando una sensación de movimiento y emoción. La melodía de la canción es simple pero hermosa, con un ritmo que es a la vez relajante y estimulante. Los acordes del piano son ricos y resonantes, creando una sensación de gran belleza.

Andreas Vollenweider - Cosmopoly - Long Road to You

 

 

 

 Andreas Vollenweider, nacido el 4 de octubre de 1953 en Zurich, Suiza, es un músico conocido por su habilidad para fusionar géneros musicales y crear paisajes sonoros únicos. Comenzó su carrera musical en la década de 1970, experimentando con diferentes instrumentos y técnicas de grabación. Sin embargo, fue su invención del arpa eléctrica y su enfoque en la música new age y world music lo que lo llevó a la prominencia en la escena musical. 

 Vollenweider es reconocido por su capacidad para crear atmósferas etéreas y relajantes, a menudo combinando elementos electrónicos con melodías influenciadas por la música folclórica y étnica. A lo largo de su carrera, ha lanzado una serie de álbumes aclamados, cada uno explorando diferentes facetas de su enfoque musical distintivo. En 1999, 

Andreas Vollenweider lanzó su álbum "Cosmopoly", que fue un regreso a su enfoque de la improvisación libre y los diálogos musicales íntimos. Para el álbum, Vollenweider invitó a una serie de artistas de todo el mundo, incluidos Bobby McFerrin, Milton Nascimento, Abdullah Ibrahim, Djivan Gasparyan, Carlos Núñez, Carly Simon y Ray Anderson. 

 En 2000, Vollenweider llevó el proyecto "Cosmopoly" de gira por Europa y los Estados Unidos. La configuración de la banda cambió constantemente, reflejando el concepto abierto del álbum. En Nueva York, Vollenweider tocó dos conciertos con Carly Simon, Mind Jostyn, Carlos Núñez, Djivan Gasparyan, Xiaojing Wang y Walter Keiser. 

En Brasil, dio conciertos acompañado por Milton Nascimento y el compositor y pianista Wagner Tiso. La gira "Cosmopoly" fue un éxito, y el álbum fue nominado al Grammy al mejor álbum de new age. El álbum fue un punto culminante en la carrera de Vollenweider, y demostró su versatilidad como compositor y músico.

 Una de las gemas " hay unas cuantas " de "Cosmopoly" es la canción Long Road to You

hecha en colaboración con Solis String Quartet , Vincenzo DiDonna entre otros la canción comienza con una bella melodía de flauta acompañada por el arpa de Andreas creando una atmosfera muy bella y bucólica

Michael Nyman - Mozart 252 - Revisiting the Don

       

          

Michael Nyman es un compositor británico conocido por su música minimalista de reconocido prestigio creador de excelsas obras musicales así como operas . En 2008, lanzó el álbum Mozart 252, un homenaje al 252 aniversario del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart. 

 La música de Mozart ha sido una gran influencia en la obra de Michael Nyman. El compositor ha dicho que Mozart es "su compositor favorito" y que su música lo ha inspirado a lo largo de su carrera. 

 La influencia de Mozart se puede apreciar en la música de Nyman  a menudo suele utilizar  técnicas musicales similares a las de Mozart,

  "Mozart 252" es una suite de música de cámara que combina elementos del estilo minimalista con la musicalidad característica de Mozart. 

Nyman fusiona su estilo repetitivo y melódico con fragmentos de melodías mozartianas, creando una obra única que rinde homenaje a la maestría de Mozart 

 El álbum está compuesto por 10 piezas, de las cuales 8 son arreglos de obras de Mozart y 2 son composiciones originales de Nyman para este disco . Las piezas de Mozart incluyen extractos de óperas, sinfonías y conciertos. Las composiciones originales de Nyman, "In Re Don Giovanni" y "Revisiting the Don", están inspiradas en la ópera Don Giovanni de Mozart. 

 "Revisiting the Don" es una pieza de 4 minutos y 25 segundos que comienza con una melodía evocadora interpretada por el piano. La melodía se repite a lo largo de la pieza, acompañada de una variedad de instrumentos, incluidos el violín, la viola, el violonchelo y el oboe. La pieza es a la vez hermosa y melancólica, y evoca la compleja personalidad del personaje de Don Giovanni.

 El álbum Mozart 252 fue un éxito de crítica y comercial. Fue elogiado por su belleza musical y su originalidad. La pieza "Revisiting the Don" fue especialmente aclamada, y se ha convertido en una de las obras más conocidas de Nyman.

Mike Oldfield - Tubular Bells II -Maya Gold

 

        

 Tubular Bells II es un álbum instrumental lanzado por el músico británico Mike Oldfield en 1992. Se trata de una secuela de su exitoso álbum debut Tubular Bells, lanzado en 1973, que le valió reconocimiento mundial. 

Tubular Bells II continúa la tradición de Oldfield de fusionar géneros musicales diversos y crear paisajes sonoros únicos, y en este contexto, la pista "Maya Gold" emerge como una pieza especialmente fascinante. 

 Después del éxito de Tubular Bells, Mike Oldfield enfrentó el desafío de crear una secuela que no solo mantuviera la esencia de su música, sino que también la llevara hacia nuevas direcciones. Tubular Bells II fue su respuesta a esta tarea, y aunque sigue una estructura similar a su predecesor, incorpora elementos de música electrónica más contemporánea, junto con arreglos orquestales expansivos.

 El álbum está dividido en varios movimientos, cada uno de los cuales presenta una amalgama de instrumentación y estilo. Creo que Tubular Bells II es un muy buen disco , pero siempre lo comparamos con el Tubular Bells original y en ese contexto siempre tiene las de perder , pero es un disco que me apasiona y tiene momentos esplendidos 

 Una de las piezas más notables de Tubular Bells II es "Maya Gold". Esta canción, ubicada en el segundo movimiento del álbum, captura la atención del oyente con su melódica introducción de guitarra , que evoca una sensación de serenidad y misterio. A medida que la canción avanza, Oldfield introduce capas de sintetizadores y arreglos orquestales, creando una textura sonora que es tanto rica como expansiva. 

 La instrumentación ecléctica es una característica distintiva de "Maya Gold". Oldfield combina elementos electrónicos con instrumentos acústicos y voces etéreas, creando un contraste interesante entre lo orgánico y lo sintético. 

Esto refleja la naturaleza evolutiva de la música de Oldfield, que abraza la tecnología mientras mantiene un enlace con la herencia musical clásica. 

 "Maya Gold" y Tubular Bells II en su conjunto ilustran la capacidad de Mike Oldfield para explorar nuevos territorios musicales sin perder su identidad distintiva. A través de esta canción, los oyentes pueden escuchar cómo Oldfield fusiona elementos musicales de diferentes géneros y épocas para crear una melodía única.

Thomas Bergersen - Humanity V - Iron Will

 

                          

       

  Thomas Bergersen es un compositor y multiinstrumentista procedente de Noruega. Probablemente hayas escuchado su trabajo a través de su productora, Two Steps from Hell, que hace música para películas y también para sus campañas de marketing. Su música ha sido utilizada para numerosos tráileres de películas de reconocido prestigio

“Humanity” es la última colección masiva de música de Thomas Bergersen. Compuesta por 7 capítulos repartidos en 7 temas diferentes sobre la humanidad, esta colección incomparable de música emocional ha ocupado la mayor parte del tiempo de Thomas en los últimos 6 años y es, con mucho, su obra más grande hasta la fecha.

La música cubre todos los rangos de la emoción humana y la historia y explora un territorio musical completamente nuevo, mientras desarrolla el enfoque estilístico único y establecido por el que Thomas es tan conocido.

 “Humanity” representa la evolución de los exitosos álbumes de Thomas , Illusions y Sun, los cuales han alcanzado el estatus de platino. “Humanity” es una continuación más profunda y desarrollada, y cubre un amplio espectro de estilos y expresiones musicales. Thomas acaba de lanzar el volumen V de esta saga musical , un disco esplendido como todos los anteriores donde nos deja momentos extremadamente bellos 

 El Capítulo V trata sobre la aventura de la vida. Se abre con la canción “Aventura”, un tema escrito para representar el espíritu de las aventuras, pruebas y tribulaciones de la vida. Es deliberadamente tenue, comenzando con un piano simple que crea el ambiente, evolucionando lentamente hacia una manta de calidez y amor. para dar paso al tema de hoy Iron Will una canción más vitalista donde Bergersen cambia por completo el enfoque para dar paso al comienzo de una aventura musical audaz y emocionante , no hay vuelta atrás hay que afrontar la vida con ganas y valentía para alcanzar tus sueños   Thomas Bergersen

King Crimson - In The Court of the Crimson King - Epitaph

 

                                

  

"Epitaph" es una pieza icónica del álbum "In the Court of the Crimson King" de King Crimson, lanzado en 1969. Esta canción no solo destaca por su distintivo estilo musical, sino también por su profundo y atemporal mensaje lírico. 

 Epitaph es una canción de la banda británica de rock progresivo King Crimson. Fue escrita por Peter Sinfield, el letrista de la banda, y publicada en 1969 como la tercera pista de su álbum debut, In the Court of the Crimson King.

 La canción habla de la decadencia de la sociedad y la esperanza de un futuro mejor. El título de la canción hace referencia a un epitafio, una inscripción en una tumba que sirve como recuerdo del difunto 

 "In the Court of the Crimson King" es un álbum fundamental en la historia del rock progresivo. Fue el álbum debut de King Crimson y se considera un pionero del género. El disco aborda temas de introspección, cambio social y la lucha entre la luz y la oscuridad. "Epitaph" se destaca como una de las pistas más destacadas del álbum debido a su contenido lírico y musicalmente intrigante. La canción habla de un mundo en crisis, donde los muros que protegían a la humanidad se están desmoronando, y los "profetas" han escrito sus advertencias en vano.

 El mensaje es a la vez una crítica social y una llamada a la acción para enfrentar los problemas del mundo. La frase "Confusion will be my epitaph" ("La confusión será mi epitafio") resalta la incertidumbre que envuelve la existencia humana.

 Sin duda Epitaph es una de las canciones más bellas que haya escuchado , es de esas canciones que empiezas a escucharla y te quedes inmóvil admirando tanta belleza , se podría decir que es una canción perfecta 

 "Epitaph" presenta una combinación única de elementos progresivos, psicodélicos y sinfónicos  La canción comienza con un intro de mellotrón que crea un ambiente de misterio y melancolía. La voz de Greg Lake es suave y melancólica, y las guitarras de Robert Fripp son virtuosas y llenas de sentimiento.. La canción avanza gradualmente desde secciones más suaves y melódicas hasta momentos más intensos y apasionados, representando visualmente el mensaje lírico de la canción. La incorporación de mellotrón y secciones orquestales agrega un toque sinfónico distintivo.

Jillian Ladage - The Ancestry - Eve of Night

 

                                 

             

 "Nacida en enero de 1980, en una granja lechera rural de Illinois, Jillian LaDage creció rodeada de las mismas praderas en las que se asentaron sus antepasados ​​escoceses/irlandeses cuando emigraron a Estados Unidos casi dos siglos antes. Inmersa en la música a una edad temprana, Jillian descubrió rápidamente la vocación de su vida. “No estoy seguro si me enamoré de la música o si la música se enamoró de mí. Siendo una soñadora, comencé a escribir canciones cuando era niña y me imaginaba actuando. Seguí los caminos disponibles para mí en ese momento y canté en las congregaciones locales y en las celebraciones. Mientras leía libros, me cautivó la música y el legado profundo y maravilloso de los celtas durante los días de Riverdance y Braveheart. Atraída por los ritmos y los sonidos, me fascinó descubrir el pasado y tender un puente sobre el abismo hacia el presente”.

 The Ancestry,  es la grabación debut de Jillian LaDage y su sello discográfico,  Tarith Cote

Estudió arpa celta bajo la tutela del arpista renombrado Kim Robertson y técnica vocal moderna con el principal entrenador vocal de Chicago, Randy Buescher. A lo largo de más de diez años, escribió y grabó composiciones originales para diversos proyectos profesionales. 

 Su álbum debut, "The Ancestry", es una exploración musical que combina elementos de diferentes culturas y épocas. A través de piezas como "The Black Woods", "Manzikert", "Bonny Was The Lady", "Endless Knot", "Keltoi" y "Vanished Secrets", Jillian lleva a los oyentes en un viaje melódico alrededor del mundo y a lo largo de los siglos. Su música transmite una esencia de ritmos evocadores y movimientos musicales provocativos, evocando un sentido de misterio y conexión con la historia. Además de su carrera musical, Jillian es una apasionada celticista, historiadora, mitóloga y musicóloga.

Eve of night es una de las canciones a parte de las mencionadas anteriormente que más me gustan de este disco , es una pieza de una sensibilidad extraordinaria donde la excelente voz de Jillian resalta , como una de las mejores voces Celtas de la actualidad

                             

Oystein Sevag - Global House - Norwegian Mountains

 

 

Øystein Sevåg (Bærum, Noruega, 19 de marzo de 1957) es un teclista, flautista y compositor noruego de música new age , nacido en las cercanías de Oslo, comenzó a estudiar piano a la edad de cinco años. En su adolescencia tocó el bajo en un grupo de rock, si bien regresó pronto a una formación musical clásica, perfeccionando sus estudios de piano, flauta y composición en un conservatorio privado de Oslo. En la década de los años ochenta, Sevåg quedó fascinado por las posibilidades que se abrían para la música con el desarrollo de los sintetizadores y comenzó a experimentar con la música electrónica, lo que daría sus frutos con la auto publicación de su primer álbum, “Close Your Eyes and See” (1989).

"Global House" es un álbum del músico noruego Øystein Sevåg, lanzado en 1994. Este disco es una muestra del enfoque ecléctico y la habilidad de Sevåg para fusionar diferentes géneros y estilos musicales en una experiencia auditiva única. 

"Global House" es una obra que captura la esencia de la música global, mezclando elementos de la música new age, world music y electrónica. El álbum ofrece una exploración musical que transporta a los oyentes a través de una variedad de paisajes sonoros y culturas musicales. 

 Øystein Sevåg explora diferentes culturas y estilos musicales, creando un álbum que invita a los oyentes a un viaje musical a través de las fronteras y las influencias globales. Con su habilidad para fusionar elementos musicales de manera cohesiva, Sevåg demuestra su maestría en la creación de ambientes y emociones a través de la música. Este álbum sigue siendo apreciado por aquellos que buscan una experiencia auditiva diversa y enriquecedora.

 Norwegian Mountains es una canción incluida dentro del álbum Global House editado en 1994 , a Sevag lo descubrí al comprar una colección de música New Age , nunca había escuchado nada de el y me quede prendado de la calidad del disco y en concreto de esta canción 

Wim Mertens - "Epic That Never Was" - "The Land Belongs to the Sunset"

 

Wim Mertens es un músico y compositor reconocido por su habilidad para crear composiciones épicas y evocadoras que nos transportan a paisajes sonoros emocionantes. Una de sus obras destacadas es la canción "The Land Belongs to the Sunset". Presentada en su álbum en vivo "Epic That Never Was" (Aquel Épico que Nunca Fue), esta pieza musical cautiva a los oyentes con su belleza y emotividad.

"The Land Belongs to the Sunset" es una canción que encarna la destreza de Wim Mertens en la creación y ejecución  de atmósferas emotivas y evocadoras. 

La pieza comienza con suaves acordes de piano que establecen un ambiente sereno y contemplativo. Conforme avanza, se van incorporando progresivamente otros instrumentos, como cuerdas y vientos, para agregar capas de riqueza sonora. 

 La melodía de "The Land Belongs to the Sunset" es hipnótica y envolvente. Sus notas se entrelazan con gracia y crean una sensación de expansión y trascendencia. A medida que la canción se desarrolla, el ritmo aumenta gradualmente, evocando un sentimiento de movimiento y progresión hacia un destino desconocido. 

 La voz de Mertens, profunda y emotiva, se suma a la intensidad de la canción.. La combinación de su voz y la instrumentación crea un ambiente cargado de pasión y emotividad.

 A lo largo de "The Land Belongs to the Sunset", Mertens nos lleva a un viaje sonoro que despierta nuestra imaginación y nuestras emociones más profundas. La canción nos invita a sumergirnos en un mundo de paisajes emocionales

 

Rodrigo Leao - Ave Mundi Luminar- A Espera

 

       

Rodrigo Leao es un músico y compositor portugués  En 1982,  fundó el grupo musical Sétima Legião junto a Nuno Cruz y Pedro Oliveira. Tres años después, inició el proyecto Madredeus con Pedro Ayres Magalhães. 

En 1994, dejó Madredeus para centrarse en su carrera en solitario y lanzó obras como "Mysterium" (1995, EP) y "Theatrum" (1996).

 Como solista, experimentó con música instrumental utilizando teclados electrónicos y instrumentos de cuerda clásica, influenciado por la música minimalista contemporánea. Comenzó a mezclar sus composiciones clásicas-modernas con formas de canciones e instrumentación tradicional en su álbum "Alma Mater" colaborando con artistas como Lula Pena y Adriana Calcanhotto. 

También tuvo invitados como Sónia Tavares y Nuno Gonçalves de The Gift, así como Rui Reininho de GNR, para su álbum en vivo "Pasión" 

Tanto el álbum "Alma Mater" como el propio músico recibieron reconocimientos como Disco del Año y Artista del Año en los premios DN+ y Premios Blitz respectivamente.

 En 2004, lanzó "Cinema" elogiado por la revista Billboard, y contó con la colaboración de Beth Gibbons y Ryuichi Sakamoto, entre otros. 

En 2006, lanzó una retrospectiva de su carrera titulada "O Mundo [1993-2006]" que incluyó seis canciones inéditas. En 2007, compuso la banda sonora de la serie documental "Portugal, um retrato social." Entre 2008 y 2009, compartió la responsabilidad de la banda sonora de la serie de televisión "Equador" con Sérgio Godinho, incluyendo temas originales y de trabajos anteriores. En 2010, dirigió un concierto en el Museo del Oriente. En 1993, Rodrigo Leão lanzó su primer álbum en solitario, titulado "Ave Mundi Luminar". Este álbum marcó su salida de la banda Séptima Legião y estableció su presencia como solista en la escena musical. 

"Ave Mundi Luminar" es un trabajo ambiental y evocador que refleja su habilidad para tejer melodías cautivadoras y atmosféricas. El álbum presenta una fusión de influencias clásicas, electrónicas y étnicas, creando un paisaje sonoro único que transporta al oyente a un viaje emocional. 

Las composiciones de Leão en "Ave Mundi Luminar" exploran temas de introspección, espiritualidad y conexión con el mundo que lo rodea. 

 Con "Ave Mundi Luminar", Rodrigo Leão estableció las bases de su carrera en solitario, demostrando su capacidad para crear música que trasciende las fronteras y conecta con las emociones más profundas del público. 

 El álbum debut en solitario de Rodrigo Leão, "Ave Mundi Luminar", es una joya musical que captura la esencia de su habilidad para crear paisajes sonoros evocadores y emocionales. A través de una combinación única de influencias clásicas, electrónicas y étnicas, el disco nos invita a un viaje introspectivo donde la luz y la oscuridad se entrelazan en una experiencia auditiva inolvidable. Una de las canciones que destacan dentro del álbum es "A Espera" . Esta es una pieza tranquila y melancólica, . La música es una mezcla de sonidos clásicos y modernos, que le aportan a la canción una belleza y una marca de la música de Rodrigo Leao

Madredeus - O Paraiso - Haja O Que Houver

 

                

 En 1985, Pedro Ayres Magalhães y Rodrigo Leão, músicos y amigos, crean un nuevo grupo musical con raíces portuguesas, excluyendo el fado. A pesar de estar involucrados en otros proyectos (Herois do mar y Sétima legião), buscan nuevas expresiones musicales y artísticas. Se les unen Gabriel, acordeonista, y Francisco Ribeiro, violonchelista con habilidades vocales. Sin embargo, necesitaban una voz inspiradora para sus canciones sobre el mar, la tierra y los sueños. 

Tras audiciones fallidas, Rodrigo y Francisco descubren en una taberna a Teresa Salgueiro, una joven de 17 años que cantaba fados por diversión. Esta encuentro marcó el inicio de Madredeus. El nombre del grupo proviene del lugar de ensayo, el Teatro Ibérico junto al Convento de Madre de Deus, en Lisboa. Al principio, la gente pedía que les llevasen  para ir a los ensayos usando "¿me puedes llevar hasta Madredeus, al concierto?", y con el tiempo se abrevió a "me llevas a Madredeus," convirtiéndose en el nombre definitivo del grupo.

 O Paraíso es el séptimo álbum de estudio de la banda portuguesa Madredeus, lanzado en 1994. El álbum es una obra de música melancólica y evocadora, que mezcla elementos de la música tradicional portuguesa, y la música clásica. El álbum fue producido por Pedro Ayres Magalhães y cuenta con la participación de Teresa Salgueiro (voz), Rodrigo Leão (teclados), Francisco Ribeiro (violoncelo), Gabriel Gomes (acordeón) y Jaime Reis (percusión). El álbum fue un éxito comercial y crítico, y ayudó a consolidar el estatus de Madredeus como uno de los grupos más importantes de Portugal. 

 La canción "Haja Que Houver" es una de las canciones más destacadas del álbum. Es una canción melancólica y conmovedora, que habla de la esperanza y la resiliencia en tiempos difíciles.

Vangelis - "L'Apocalypse des Animaux" - La Petite Fille De La Mer

 

          

 Vangelis, cuyo nombre real es Evángelos Odysséas Papathanassíou, es un músico y compositor griego conocido por su habilidad para crear paisajes sonoros cautivadores y emotivos. Nacido en Volos, Grecia, en 1943, Vangelis ha dejado una huella imborrable en la música electrónica y en la banda sonora de películas.

 "La Petite Fille de la Mer" es una emotiva y evocadora composición musical del reconocido músico y compositor griego Vangelis. Esta hermosa pieza fue lanzada en 1973 como parte de su álbum "L'Apocalypse des Animaux" 

 "L'Apocalypse des Animaux" es un documental dirigido por Frédéric Rossif y lanzado en 1970. Este documental exploraba la vida de los animales en la naturaleza y buscaba capturar la belleza y la diversidad del mundo animal en diferentes hábitats. El documental abarcaba una variedad de temas, desde la caza y la supervivencia hasta la migración y la reproducción de diversas especies animales. La película presentaba imágenes impresionantes de la vida silvestre en su entorno natural, con una narrativa visual que a menudo se centraba en el comportamiento de los animales y en su interacción con el entorno. 

 Vangelis fue el encargado de componer la banda sonora para "L'Apocalypse des Animaux". Su música complementó perfectamente las imágenes en pantalla, agregando una dimensión emocional y atmosférica al documental. Una de las piezas más destacadas de la banda sonora fue "La Petite Fille de la Mer", que se convirtió en un elemento distintivo del documental y se ha mantenido como una de las composiciones más memorables de Vangelis. 

La melodía de "La Petite Fille de la Mer" es una experiencia auditiva hipnótica y encantadora. Vangelis, con su destreza en el uso de sintetizadores y teclados, logra crear una atmósfera que transporta a los oyentes a un mundo de ensueño, donde las olas del mar y el viento se fusionan en una danza musical sublime.

 La música fluye con una gracia etérea y una sensación de serenidad, como si estuvieras flotando en las aguas tranquilas del océano. Cada nota y cada acorde parecen acariciar el alma, creando una experiencia auditiva que es tanto relajante como emotiva.

 Esta obra maestra musical es una muestra del talento excepcional de Vangelis como compositor y su habilidad para crear paisajes sonoros que trascienden fronteras y culturas. Su música tiene el poder de comunicar emociones universales y dejar una impresión duradera en el corazón y el alma de quienes la escuchan. 

"La Petite Fille de la Mer" es una joya musical que sigue siendo apreciada y admirada por su belleza intemporal y su capacidad para transportar a los oyentes a un mundo de ensueño y emoción.

Kate Price - So Ghostly The Girl Came In

 

             

 Kate Price es una destacada arpista y cantante estadounidense conocida por su habilidad para fusionar la música celta con otros géneros y estilos musicales. Nació en California y comenzó a tocar el arpa a una edad temprana, desarrollando una pasión por este instrumento de cuerda. Price se dedicó a estudiar música en el Mills College, donde se graduó con un título en Interpretación de Arpa. 

Durante sus años de formación, se sumergió en la tradición de la música celta y se convirtió en una experta en el estilo. A lo largo de su carrera, Kate Price ha lanzado varios álbumes en solitario, cada uno de ellos destacando su habilidad excepcional en el arpa y su talento vocal. Sus composiciones son una fusión de influencias celtas, folclóricas y contemporáneas, creando un sonido único y distintivo. Price ha compartido escenario con reconocidos músicos y ha colaborado con artistas de renombre, ampliando aún más su alcance musical. Su música ha sido reconocida y aclamada tanto en la comunidad de la música celta como en la escena musical en general. Además de su carrera como solista, Kate Price ha participado en producciones teatrales y ha compuesto música para películas y programas de televisión. Su versatilidad y talento la han llevado a explorar diferentes formas de expresión musical, siempre manteniendo su conexión con la música celta. 

 Con su arpa y su voz cautivadora, Kate Price ha llevado la música celta a audiencias de todo el mundo. Su dedicación a la tradición musical y su capacidad para incorporar elementos contemporáneos han hecho de ella una figura destacada en el panorama de la música celta. Su legado musical continúa inspirando a otros músicos y amantes de la música en todo el mundo.

Capercaillie - The Blood is Strong - "Fear a' Bhàta"

 

            

                                     

 Capercaillie es un grupo escocés de música folk que ha estado activo desde 1984. La banda está formada por Karen Matheson (voz), Donald Shaw (teclados, acordeón, voz), Charlie McKerron (fiddle, voz), Michael McGoldrick (flauta, whistle, gaitas irlandesas, guitarra), Manus Lunny (bouzouki, guitarra, voz), Ewen Vernal (bajo), Che Beresford (batería) y David 'Chimp' Robertson (percusión). 

 El grupo ha lanzado 15 álbumes de estudio, incluyendo The Blood is Strong (2017). El álbum fue un éxito comercial y de crítica, y fue nominado a un premio Grammy al Mejor Álbum de Música del Mundo 

 A lo largo de su carrera, Capercaillie ha sido conocido por su habilidad para fusionar la música tradicional celta con sonidos modernos, como el pop, el jazz y la electrónica. La voz distintiva de Karen Matheson, junto con la destreza instrumental de los miembros de la banda, ha definido su sonido único. 

 La banda ha lanzado numerosos álbumes a lo largo de los años y ha sido un actor clave en la revitalización de la música tradicional escocesa. Han ganado reconocimiento tanto en Escocia como internacionalmente, y han influido en la música celta moderna al combinar tradición y experimentación. 

 Lanzado en 2017, "The Blood Is Strong" es un álbum de Capercaillie que celebra su trigésimo aniversario. El álbum fue bien recibido por la crítica, y muchos elogiaron la mezcla de sonidos tradicionales y modernos de la banda. El álbum alcanzó el número 1 en la lista de álbumes de Escocia y el número 2 en la lista de álbumes independientes del Reino Unido.

La canción "Fear a' Bhàta" es una canción tradicional escocesa que ha sido interpretada en el contexto de la música celta. Esta canción ha sido popular en la tradición celta y ha sido interpretada por varios artistas a lo largo de los años, incluyendo la versión de la banda escocesa Capercaillie en su álbum "The Blood is Strong". La maravillosa voz de Karen Matheson transmite todo el sentimiento que la canción merece

Fear a' Bhàta (traducido como El barquero ) es una canción en gaélico escocés de finales del siglo XVIII, escrita por Sìne NicFhionnlaigh  , (Jean Finlayson) de Tong , que cortejaba a un joven pescador de Uig , Dòmhnall MacRath. La canción captura las emociones que ella soportó durante su noviazgo. La parte de la historia que rara vez se cuenta es que se casaron poco después de que ella compusiera la canción. 

"Fear a' Bhàta" encaja perfectamente en el repertorio de la música celta debido a su tema marítimo y su emotiva narrativa. La canción evoca la  conexión entre los marineros y sus seres queridos en tierra. El uso de instrumentos tradicionales y el estilo vocal pueden acentuar aún más el ambiente celta.

 En la música celta, las canciones tradicionales como "Fear a' Bhàta" son apreciadas por su capacidad para transmitir la rica historia y la cultura de las regiones celtas. Estas canciones a menudo se transmiten de generación en generación y se mantienen vivas a través de interpretaciones contemporáneas. 

John Barry - Dances with Wolves - "The John Dunbar Theme"

 

 

         

 John Barry nació en Londres, Inglaterra, en 1933. Comenzó a estudiar piano a la edad de cinco años y composición a la edad de 11. En 1952, se graduó del Royal College of Music. Barry comenzó su carrera como compositor escribiendo música para programas de televisión y anuncios publicitarios. En 1962, escribió su primera partitura para una película, The Servant. 

Desde entonces, ha escrito música para más de 100 películas, incluyendo Goldfinger, Dances with Wolves, Out of Africa y The Lion in Winter. 

 Barry es más conocido por su trabajo en las películas de James Bond, para las que escribió la música de 11 películas, incluyendo Goldfinger, On Her Majesty's Secret Service, Diamonds Are Forever y Moonraker. Su música para las películas de James Bond es conocida por su uso de instrumentos de jazz y su estilo pegadizo.

 En 1968, Barry ganó un Oscar a la Mejor Música Original por su trabajo en la película Born Free. En 1990, ganó otro Oscar a la Mejor Música Original por su trabajo en la película Dances with Wolves. 

 Barry murió en Londres, Inglaterra, en 2011 a la edad de 77 años.

 Uno de los puntos culminantes de la carrera de John Barry fue su trabajo en la banda sonora de la película "Dances with Wolves" (1990), dirigida y protagonizada por Kevin Costner. La película es conocida por su enfoque en la relación entre un oficial del ejército estadounidense y una tribu de nativos americanos Sioux.

 La banda sonora de "Dances with Wolves" captura la majestuosidad de los paisajes naturales y la emotividad de la historia. Barry utilizó instrumentación orquestal y elementos tradicionales nativos americanos para crear una partitura evocadora que reflejara la conexión entre el protagonista y la tierra, así como la rica cultura de los nativos americanos.

 La canción principal de la banda sonora, "Dances with Wolves", se ha convertido en un tema emblemático de la película y del trabajo de Barry. Su habilidad para mezclar la sensibilidad emocional con elementos culturales y sonidos de la naturaleza se destaca en esta composición. 

 La banda sonora de Dances with Wolves ganó un Oscar a la Mejor Música Original en 1991. También fue nominada a un Grammy a la Mejor Banda Sonora Original para una Película, Televisión u Otro Medio Visual. 

Wim Mertens -The Belly of an Architect - Strugle for Pleasure

                            

                              

            

           

 

Wim Mertens nació en Neerpelt, Bélgica, el 14 de mayo de 1953. Es un compositor, cantante, guitarrista, pianista y musicólogo belga. Estudió en el Conservatorio Real de Lieja y comenzó su carrera como compositor de música clásica. En los años 70, comenzó a experimentar con la música electrónica y lanzó su primer álbum, "Afterglow", en 1978. 

 La música de Mertens a menudo se describe como ambiental o minimalista, y es conocido por su uso de patrones repetitivos y melodías simples. También ha incorporado elementos de jazz, música clásica y música del mundo en su trabajo. 

 En 1987, Mertens fue contratado para componer la banda sonora de la película "El vientre del arquitecto" del director Peter Greenaway. La película es una sátira oscura y surrealista del mundo del arte, y la partitura de Mertens captura a la perfección la atmósfera de la película. 

 El tema "Struggle for Pleasure", que presenta la música de la película, fue un éxito de crítica y comercial, algo inesperado en un músico como Mertens que hasta entonces no gozaba de la popularidad actual 

 La película "The Belly of an Architect" (1987) exploraba la vida de un arquitecto estadounidense que se encuentra en Roma para montar una exposición. La banda sonora de la película, compuesta por Wim Mertens, incluye la icónica pieza "Struggle for Pleasure". Esta canción se ha convertido en una de las composiciones más conocidas y emblemáticas de Mertens. 

 "Struggle for Pleasure" encapsula el estilo distintivo de Mertens, que combina repeticiones rítmicas y melodías sutiles. La pieza es minimalista en su enfoque, con una sensación de repetición hipnótica que crea una atmósfera meditativa y emocional.

 La colaboración con Peter Greenaway y la inclusión de "Struggle for Pleasure" en la película ayudaron a aumentar la visibilidad de Wim Mertens y su estilo musical único. 

 La colaboración con Peter Greenaway en "The Belly of an Architect" marcó el comienzo de una relación creativa que continuó con otras colaboraciones en películas como "The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover" (El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante) y "Prospero's Books" (Los libros de Próspero). La música de Mertens complementó el enfoque visual distintivo y a menudo provocador de Greenaway.

                           

Ennio Morricone -The Mission - Gabriel's Oboe

 

                     

 Ennio Morricone (1928-2020) fue un compositor, director de orquesta y arreglista italiano, reconocido por su trabajo en la composición de bandas sonoras cinematográficas. Nació en Roma, Italia, y demostró un talento musical excepcional desde una edad temprana.

 Estudió en el Conservatorio de Santa Cecilia en Roma y se graduó en composición y trompeta.

 La influencia musical de Morricone abarca una amplia gama de estilos y géneros, desde la música clásica hasta el jazz y la música contemporánea. Sin embargo, es especialmente conocido por su contribución a la música cinematográfica, donde desarrolló un estilo distintivo que mezclaba elementos vanguardistas, experimentales y emocionales. Su capacidad para crear melodías memorables y utilizar instrumentación única lo convirtió en un pionero en el mundo de las bandas sonoras de películas. 

 El legado musical de Ennio Morricone es vasto y duradero. Compuso más de 400 bandas sonoras para películas y programas de televisión a lo largo de su carrera. Es ampliamente reconocido por su colaboración con el director Sergio Leone en las películas del género spaghetti western, como "Por un puñado de dólares", "La muerte tenía un precio" y "El bueno, el malo y el feo". Estas películas redefinieron el género y la música de Morricone fue fundamental para su éxito. 

"La Misión" y  "Gabriel's Oboe" fueron  obras maestras de Morricone en la banda sonora de la película "La Misión" (1986), dirigida por Roland Joffé. 

La música de la película es célebre por su emotividad y profundidad, y a menudo se considera uno de los puntos culminantes de la carrera de Morricone. 

Una de las piezas más icónicas de esta banda sonora es "Gabriel's Oboe" , una melodía hermosa y conmovedora interpretada en oboe, y se convirtió en uno de los temas más reconocibles de Morricone. Representa la espiritualidad y la lucha interior de los personajes en la película. La pieza captura la esencia de la historia y ha sido interpretada y versionada en múltiples ocasiones por artistas de todo el mundo

 Ennio Morricone falleció el 6 de julio de 2020 a los 91 años en Roma. A pesar de su partida, su legado musical sigue vivo a través de su influyente trabajo en la música cinematográfica y su impacto duradero en la industria del entretenimiento. Su estilo único y su habilidad para evocar emociones a través de la música lo convierten en uno de los compositores más influyentes y respetados de todos los tiempos.