Bill Douglas - "Jewel Lake" - "Angelico"

                           

       

 Bill Douglas ha sido uno de los pioneros y uno de los músicos más representativos de la música new age. Desde que descubrí su obra, me ha impresionado profundamente cómo ha sabido crear un sonido propiamente suyo, tan característico y distintivo de este género musical. Su estilo no solo es único, sino que también ha marcado un camino que muchos otros músicos han seguido, estableciendo prácticamente una escuela dentro de la música new age.

Bill Douglas ha sido un nombre influyente en el ámbito de la música new age, y su asociación con Hearts of Space Records ha sido un capítulo significativo en su carrera. Hearts of Space Records, conocida por su dedicación a la música espacial, ambiental y new age, ha sido una plataforma ideal para que Douglas despliegue su creatividad y su característico estilo musical. 

Douglas, con su talento único para combinar elementos de la música clásica, el jazz y la world music, encontró en Hearts of Space un hogar perfecto para su visión artística. Su música, conocida por sus melodías etéreas y arreglos orquestales, encaja a la perfección con la estética y la filosofía de este sello discográfico. 

Uno de los aspectos más destacados de su colaboración con Hearts of Space Records es cómo su sonido ha contribuido a definir la identidad musical del sello. Álbumes como "Jewel Lake" y "Songs of Earth & Sky" son ejemplos brillantes de esta sinergia. Estas obras no solo han capturado la esencia de la música new age, sino que también han mostrado la capacidad de Douglas para crear paisajes sonoros que invitan a la introspección y la contemplación. 

Una de las piezas más emblemáticas de su repertorio, "Angelico", del álbum "Jewel Lake", ejemplifica esta colaboración. La delicada y bella melodía de "Angelico" no solo marca el tono del disco, sino que también destaca como una de las composiciones más conmovedoras de Douglas. La producción impecable y la atmósfera envolvente de esta canción reflejan la calidad y el cuidado que Hearts of Space pone en cada uno de sus lanzamientos. 

Bill Douglas y Hearts of Space Records han creado juntos un legado que sigue resonando entre los amantes de la música new age. Esta alianza ha permitido a Douglas expandir su audiencia y continuar su exploración musical, mientras que Hearts of Space ha consolidado su reputación como uno de los sellos más importantes del género. La música de Douglas, con su belleza y profundidad, seguirá inspirando y deleitando a oyentes de todo el mundo, gracias en parte a su fructífera relación con Hearts of Space Records.

            

Ludovico Einaudi, Ballake Sissoko - Winter Nights - A L'Ombre

 

 

 El mundo de la música está lleno de colaboraciones sorprendentes que trascienden fronteras geográficas y culturales, y una de las más fascinantes en los últimos tiempos es la colaboración entre el renombrado pianista y compositor italiano Ludovico Einaudi y el virtuoso de la kora maliense Ballaké Sissoko.

 Este encuentro de talentos no solo une dos mundos musicales distintos, sino que también crea una sinergia única que eleva la música a nuevas alturas. Ludovico Einaudi, conocido por su estilo minimalista y emotivo, ha conquistado audiencias globales con su música que fusiona elementos clásicos con influencias contemporáneas. Su capacidad para evocar emociones profundas a través de composiciones simples pero poderosas ha resonado con oyentes de todas las edades. 

Por otro lado, Ballaké Sissoko, uno de los maestros de la kora, aporta la riqueza de la tradición musical de África Occidental a esta colaboración. La kora, un arpa de 21 cuerdas, es conocida por su sonido hipnótico y su capacidad para contar historias a través de la música. 

 La colaboración entre Einaudi y Sissoko es un testimonio de cómo la música puede servir como puente entre culturas. Su proyecto conjunto ha resultado en una fusión de sonidos que, aunque provienen de tradiciones distintas, encuentran un lenguaje común. 

Las melodías melancólicas y meditativas de Einaudi se entrelazan con los intrincados y rítmicos patrones de la kora de Sissoko, creando una experiencia auditiva que es a la vez innovadora y profundamente conmovedora.

La colaboración entre estos dos músicos viene de lejos , en el disco Diario Mali tenemos la canción A L´Ombre, reeditada en el EP Winter Nights 2023, donde la piano de Einaudi se mezcla de manera armoniosa con la kora de Sissoko, creando una atmósfera etérea y contemplativa. La pieza es una demostración perfecta de cómo dos artistas de diferentes partes del mundo pueden encontrar un terreno común y crear algo verdaderamente hermoso. La música resultante no solo es una celebración de sus habilidades individuales, sino también un testimonio del poder de la colaboración y la unidad. 

 La colaboración entre Ludovico Einaudi y Ballaké Sissoko es una invitación a explorar nuevas dimensiones musicales y a apreciar la belleza que surge cuando diferentes culturas se encuentran. Es un recordatorio de que, en un mundo a menudo dividido por fronteras y diferencias, la música sigue siendo un lenguaje universal que puede unirnos y enriquecer nuestras vidas de formas inesperadas y maravillosas.

Wim Mertens - Jardin Clos - Wound to Wound

 

         

"Jardin Clos" es uno de los discos más accesibles y encantadores de Wim Mertens. Lanzado en 1996 y compuesto por nueve canciones, este álbum captura la esencia del estilo minimalista de Mertens con melodías que se incrustan en la mente del oyente desde el primer momento, invitándote a tararearlas sin darte cuenta. 

Producido por el propio Mertens y publicado por Les Disques du Crépuscule, "Jardin Clos" se inspira en una expresión del siglo XIII usada en Alemania y Bélgica, referida a un grupo de mujeres independientes que crearon un "jardín cerrado" como un lugar fantástico para expresar, vivir y crear juntas su propia forma de arte. 

Este trasfondo femenino y de libertad creativa se refleja en la artesanía musical del álbum, similar al elaborado relicario que adorna su portada. ( Solsticio de Invierno )

 La Música El álbum es una perfecta mezcla de melodías y juegos entre piano y cuerdas. Cada una de las piezas tiene un tono amable y fácil de escuchar, logrando un atractivo comercial sin perder la profundidad artística característica de Mertens.

 "As Hay in the Sun": La canción que abre el disco es un ejemplo perfecto de la habilidad de Mertens para crear paisajes sonoros envolventes. Comienza con un piano juguetón que nos introduce lentamente en la canción, mientras se agregan capas de instrumentos de viento y cuerdas. La melodía se va desarrollando de manera exquisita, llevando al oyente a un clímax musical gradual. 

Dentro del disco podemos destacara canciones como :

 "Wound to Wound": Destaca por su ritmo trepidante y enérgico, mostrando otra faceta del talento de Mertens para manejar diferentes tempos y emociones dentro de su estilo minimalista.

 "Out of the Dust": Otra joya del álbum que merece una mención especial, con una estructura que combina simplicidad y complejidad de manera magistral. 

 "Often a Bird": Aunque merecedora de un análisis detallado aparte, es una de las composiciones más optimistas y vibrantes de Mertens, consolidándose como un tema favorito entre los oyentes.

 "Jardin Clos" es un disco que, sin saber muy bien por qué, se siente profundamente inspirado por esa idea de un espacio cerrado y seguro donde la creatividad puede florecer. Este álbum no solo ofrece una experiencia auditiva placentera, sino que también invita al oyente a un viaje introspectivo y emocional. 

Con melodías que se quedan contigo y una producción cuidadosa, "Jardin Clos" es una obra maestra accesible y una muestra brillante del talento de Wim Mertens para crear música que trasciende el tiempo y el espacio. Para aquellos que buscan una música que pueda ser tanto un refugio como una fuente de inspiración, "Jardin Clos" ofrece un equilibrio perfecto entre lo comercial y lo artístico, haciendo de cada escucha una experiencia renovadora y profundamente satisfactoria.

Hoy os propongo la canción Wound to Wound una canción enérgica y vibrante de principio a fin

Raphael - Music To Disappear In - Disappering In To You

                                    

             

 

 Raphael, músico estadounidense , es un músico cuya destreza y sensibilidad han dejado una huella profunda en el mundo de la música contemporánea y new age.

Raphael comenzó su viaje musical a una edad temprana, mostrando un talento natural para el piano. Su dedicación y pasión por la música lo llevaron a estudiar con algunos de los maestros más reconocidos del mundo, perfeccionando su técnica y desarrollando su propio estilo único. Las interpretaciones de Raphael se caracterizan por su profunda emotividad y su capacidad de transmitir una amplia gama de emociones a través de la música. Cada nota que toca está impregnada de sentimiento y transmite una historia que conmueve al alma.

 Su repertorio abarca una amplia gama de obras, desde las composiciones clásicas más conocidas hasta piezas contemporáneas menos conocidas. Sin embargo, independientemente de la pieza que interprete, Raphael siempre logra infundirle su propia personalidad y sensibilidad, creando una experiencia musical única para cada oyente

"Disappearing Into You" de Raphael es una obra maestra que encarna la esencia de la música new age y la música ambiental.

"Disappearing Into You" es una de esas canciones mágicas que, cuando la escuchas, te cautiva al instante con su sencillez y fascinación. Recuerdo claramente la primera vez que la escuché. Estaba buscando algo nuevo, algo que me transportara y me permitiera desconectar del ajetreo diario. Al escuchar los primeros compases de esta melodía, supe que había encontrado algo especial. 

La música de Raphael tiene esa capacidad única de tocar las fibras más sensibles del alma. "Disappearing Into You" es una obra maestra en la que cada nota, cada acorde, está meticulosamente colocado para crear una atmósfera de paz y serenidad. La sencillez de la melodía es engañosa; a primera vista, parece simple, pero es precisamente esta simplicidad la que la hace tan poderosa y cautivadora. Mientras la canción avanzaba, me sentí envuelto por capas de sonido que me llevaban a un estado de introspección y calma profunda. Los mantos de sintetizadores y las delicadas armonías crearon un espacio donde el tiempo parecía detenerse. En ese momento, todas mis preocupaciones se desvanecieron, y solo existía la música y yo.

La música de Raphael tiene una cualidad casi hipnótica, capaz de transportarnos a un estado de calma y contemplación profunda. A lo largo del álbum, Raphael demuestra su maestría en el uso del espacio y el silencio, elementos esenciales en la música new age. Las composiciones no están sobrecargadas de sonidos; en cambio, cada nota, cada acorde, está colocado con intención y precisión, creando un equilibrio perfecto entre sonido y quietud.

Bill Douglas - "Jewel Lake" - "Deep Peace"

 

        

       

"Jewel Lake" es uno de los álbumes más destacados del compositor canadiense Bill Douglas, lanzado en 1993. Este álbum refleja la habilidad única de Douglas para fusionar elementos de la música clásica, el jazz y la música del mundo, creando una experiencia auditiva profundamente emotiva y meditativa.

"Jewel Lake" se caracteriza por su atmósfera tranquila y contemplativa. Las composiciones en este álbum están llenas de melodías líricas y armonías ricas que evocan paisajes serenos y sentimientos profundos. Douglas utiliza una combinación de instrumentos, incluyendo piano, fagot, flauta, clarinete y una variedad de instrumentos de percusión, que contribuyen a la textura rica y diversa de sus piezas.

Douglas nació en 1944 en Carlisle, Ontario, y comenzó su viaje musical desde muy joven. Estudió en el Real Conservatorio de Música de Toronto y, más tarde, en la Juilliard School de Nueva York, donde perfeccionó sus habilidades en fagot y composición.

 Su formación clásica es evidente en la sofisticación de sus composiciones, que frecuentemente presentan melodías líricas y armonías ricas. Uno de los aspectos más notables del trabajo de Bill Douglas es su capacidad para evocar emociones profundas a través de sus obras. Su música a menudo se describe como meditativa y contemplativa, perfecta para momentos de introspección. 

 Bill Douglas ha lanzado varios álbumes que reflejan su enfoque ecléctico hacia la música. Entre sus trabajos más conocidos se encuentran álbumes como "Songs of Earth and Sky", "Jewel Lake" y "Earth Prayer". Estos álbumes son testimonio de su capacidad para crear paisajes sonoros que transportan a los oyentes a otros mundos, ofreciendo una experiencia auditiva verdaderamente inmersiva.

 "Jewel Lake" - La pista homónima del álbum es una hermosa pieza que combina melodías suaves de piano con arreglos orquestales sutiles, creando una sensación de paz y serenidad. "Morning Song" - Esta pista destaca por su frescura y optimismo, con un uso delicado de la flauta y el piano que evoca la tranquilidad de un amanecer.

"Deep Peace" utiliza voces corales junto con instrumentos clásicos para crear una atmósfera profundamente relajante y espiritual. "Heaven Earth" - Esta pieza presenta una mezcla fascinante de ritmos percusivos y melodías orquestales, mostrando la habilidad de Douglas para combinar influencias de diversas tradiciones musicales.

El estilo de Bill Douglas en "Jewel Lake" refleja su formación clásica y su amor por la música del mundo. Su habilidad para tejer estos elementos en una experiencia cohesiva y emocionalmente resonante es lo que distingue a su música. Las influencias del jazz se pueden notar en la libertad y fluidez de sus composiciones, mientras que los elementos de la música del mundo añaden una dimensión única y global a su obra.

"Jewel Lake" es uno de los discos más representativos de la llamada música New Age ,

ha sido aclamado por su belleza y profundidad emocional. Los oyentes encuentran en este álbum una fuente de tranquilidad y reflexión, convirtiéndolo en una opción popular para la meditación y el relax ,

Elmer Bernstein - Magnificent Seven • Main Theme

 

 

 Elmer Bernstein fue un compositor estadounidense legendario, reconocido por su habilidad para crear bandas sonoras que capturaban la esencia de las películas para las que fueron escritas. Su música acompañó a clásicos del cine de diversos géneros, desde western hasta musicales y dramas. 

 Nacido en Nueva York en 192 Bernstein, comenzó su carrera componiendo para la radio y la televisión en la década de 1950. Su salto a la fama en el cine llegó a principios de los años 60. A lo largo de su trayectoria, creó bandas sonoras para más de 200 películas, incluyendo éxitos como "Los diez mandamientos" (1956), "Los siete magníficos" (1960), "Matar a un ruiseñor" (1962), "¡Chitty Chitty Bang Bang!" (1968) y "Cazafantasmas" (1984). 

 La música de Bernstein era conocida por su emotividad y capacidad para realzar la narrativa de la película. Utilizaba una amplia gama de estilos e instrumentos, adaptándose perfectamente al tono y la ambientación de cada historia. Sus bandas sonoras se convirtieron en parte integral de las películas, siendo recordadas y queridas por los espectadores tanto como las propias imágenes.

El talento de Bernstein fue ampliamente reconocido a lo largo de su carrera. Recibió 14 nominaciones al Premio Óscar a la Mejor Banda Sonora Original, sin lograr llevarse la estatuilla a casa. Sin embargo, obtuvo otros galardones prestigiosos, incluyendo un Globo de Oro por "Los siete magníficos" y un premio Grammy por su trabajo en "Thoroughly Modern Millie" (1967).

 "Los siete magníficos" es una película de 1960 dirigida por John Sturges y protagonizada por un elenco estelar que incluye a Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach y James Coburn. La historia se inspira en la película japonesa "Los siete samuráis" (1954) y narra la lucha de un pueblo mexicano contra un bandido despiadado. Para defenderse, los aldeanos contratan a un grupo de siete pistoleros forasteros, cada uno con sus propias habilidades y motivaciones.

 La película se convirtió en un clásico del western, aclamada por la crítica y el público por su acción trepidante, sus personajes memorables y su banda sonora icónica. 

 El tema principal de "Los siete magníficos", compuesto por Elmer Bernstein, es una de las piezas musicales más reconocibles del cine western. La melodía, interpretada con trompetas y cornos franceses, evoca una sensación de heroísmo, aventura y el vasto paisaje del oeste americano. 

La música se convirtió en un símbolo de la película y del género en sí, siendo utilizada en innumerables trailers, programas de televisión y homenajes cinematográficos. La influencia del tema de "Los siete magníficos" se extiende más allá del cine. La canción ha sido versionada por diversos artistas de diferentes géneros musicales, consolidando su lugar como una obra maestra atemporal.

Ramin Djawadi - Game Of Thrones Theme Song | Fender Custom Shop | Fender

             

                

         

 Desde el momento en que los primeros acordes de la icónica melodía de "Juego de Tronos" llenan el aire, es imposible no sentirse transportado al complejo y fascinante mundo de Westeros. 

La magia detrás de esta inmersión es obra de Ramin  Djawadi, el compositor que ha logrado capturar la esencia de la serie en cada nota. La canción principal de "Juego de Tronos" es una obra maestra que combina una poderosa orquestación con un tema memorable y evocador. 

Desde su estreno en 2011, la música de Djawadi ha sido fundamental para construir la atmósfera de la serie. Con cada episodio, su partitura guía nuestras emociones, desde la tensión de una batalla hasta la melancolía de una pérdida. Uno de los aspectos más destacados de su composición es cómo utiliza diferentes instrumentos y motivos para representar a los diversos personajes y casas de Westeros. 

La distintiva viola de la casa Stark, la ominosa percusión que acompaña a los Lannister, o la majestuosa combinación de cuerdas y coros que enmarca a Daenerys Targaryen y sus dragones, son ejemplos de cómo Djawadi infunde cada escena con una identidad musical única. 

 La canción principal no solo es un preludio perfecto para cada episodio, sino que también ha trascendido la pantalla para convertirse en un fenómeno cultural. Las adaptaciones y covers de la melodía se han multiplicado, demostrando el impacto y la universalidad de la obra de Djawadi. 

 En definitiva, la música de Ramin Djawadi para "Juego de Tronos" no solo complementa la narrativa visual de la serie, sino que la enriquece profundamente. Su habilidad para crear temas que resuenan con los espectadores ha asegurado que, al escuchar esas primeras notas, inmediatamente volvamos a los reinos de Westeros, listos para emprender una nueva aventura.

Como nota curiosa os pongo un video de la canción , hecha con guitarras Fender en un tono más rockero , pero sin quitarle un ápice de calidad al tema

Stanton Lanier - "Before You Were Born" - "Come and Talk With Me"

 

         

 Stanton Lanier,  es un aclamado pianista y compositor estadounidense conocido por sus composiciones instrumentales inspiradoras y emotivas, ha lanzado su nuevo álbum titulado "Before You Were Born" en el año 2024. 

Este disco continúa su tradición de crear música que combina elementos de la música clásica, el jazz y el new age, ofreciendo una experiencia auditiva profundamente meditativa y tranquilizadora. 

 "Before You Were Born" es una colección de piezas que invitan a la reflexión y a la introspección, evocando sentimientos de paz y serenidad. Lanier ha explicado que este álbum está inspirado en las historias y momentos que preceden a nuestra existencia, explorando temas de identidad, propósito y conexión con lo divino. "Antes de que nacieras" ha estado en mi corazón desde el verano pasado, cuando leí un libro sobre la vida de Jeremías y recordé cómo Dios nos conoce y nos asigna una parte antes de que nazcamos (Jeremías 1:5) .

La idea evolucionó hasta mi decimosexto álbum con la nueva composición "Before You Were Born (Prelude)" como tema de apertura, seguido de una colección cuidadosamente ordenada de doce temas. El subtítulo "Meditaciones sinfónicas para las estaciones de la vida" describe el preludio seguido de cuatro conjuntos de tres canciones que representan la primavera, el verano, el otoño y el invierno.

Las composiciones de este álbum están llenas de melodías suaves y armoniosas, donde el piano de Lanier se complementa con arreglos orquestales delicados. Cada pista está diseñada para llevar al oyente a un viaje emocional y espiritual, ofreciendo un refugio sonoro en medio de la vida cotidiana.

Stanton Lanier, quien también es el fundador de Music to Light the World, una organización sin fines de lucro que busca brindar consuelo y esperanza a través de la música, continúa demostrando su habilidad para tocar el alma humana con su arte. "Before You Were Born" no es solo un álbum para escuchar, sino una experiencia para sentir y vivir, un testimonio del poder transformador de la música.

Entre los trece temas del álbum, quiero recomendar especialmente el segundo, titulado "Come and Talk With Me". Esta canción presenta una encantadora melodía de piano, enriquecida con capas de cuerdas melódicas que se entrelazan para crear una melodía bellamente armoniosa.

Kevin Burke - The Very Best of Celtic Christmas - On A Cold Winters Day - Christmas Eve

 

         

 Mis primeros comienzos en el mundo de la música New Age fueron gracias a aquellos discos iniciales del sello Windham Hill. Recuerdo con cariño las recopilaciones de canciones de sus mejores músicos que solían lanzar.

 Una de mis favoritas era la serie "Celtic Christmas", una compilación que, sin duda, capturaba la esencia de la temporada navideña con un toque celta único. Uno de los músicos que más me impactó en estas recopilaciones fue Kevin Burke.

 Burke es un violinista excepcional, conocido por su habilidad para fusionar la música tradicional irlandesa con estilos contemporáneos. Su virtuosismo y pasión por la música celta lo han llevado a ser una figura prominente en este género.

 Kevin Burke nació en Londres en 1950, en el seno de una familia irlandesa. Desde muy joven, mostró un talento natural para el violín, y su amor por la música tradicional irlandesa lo llevó a convertirse en un maestro del instrumento.

 Burke ha sido miembro de varias agrupaciones influyentes, como The Bothy Band y colaboro con el musico  Mícheál Ó Domhnaill entre otros muchos  . Su estilo es conocido por su fluidez, su emotividad y su habilidad para contar historias a través de su violín. 

 Una de las canciones que más me conmovió fue "On a Cold Winter’s Day / Christmas Eve", que apareció en uno de los volúmenes de "Celtic Christmas". Esta hermosa pieza, incluida en el disco , combina la magia de la Navidad con la tradición de la música celta. La canción se divide en dos partes una parte inicial más suave con notas un tanto melancólicas y la parte final más alegre ,  las suaves notas del violín de Kevin Burke se mezclan a la perfección con la guitarra de Mícheál Ó Domhnaill, creando una atmósfera serena y contemplativa. La melodía evoca la paz de un día frío de invierno, mientras que la progresión musical sugiere una creciente expectativa por la llegada de la Nochebuena.

Total Recall • Main Theme • Jerry Goldsmith

 

Nacido en Los Ángeles en 1929, Goldsmith comenzó a estudiar música a temprana edad. Tras graduarse de la Universidad de la Ciudad de Los Ángeles (UCLA), inició su carrera componiendo para la radio y la televisión en la década de 1950. Su salto a la fama en el cine llegó en la década de 1960 con películas como "Planeta prohibido" (1956) y "El planeta de los simios" (1968). 

Goldsmith tenía una habilidad única para crear música que capturaba la grandiosidad, el misterio y la tensión de las películas de ciencia ficción. Utilizaba una amplia variedad de instrumentos y técnicas, desde la orquesta sinfónica tradicional hasta sintetizadores electrónicos, para crear atmósferas sonoras únicas e innovadoras. 

 Su trabajo en películas como "Alien" (1979), "Star Trek: La película" (1979), "Poltergeist" (1982) y "Blade Runner" (1982) se convirtió en parte integral de la experiencia cinematográfica. Estas bandas sonoras no solo acompañan la acción en pantalla, sino que también la impulsan, creando emociones y tensiones memorables para el espectador.

 "Total Recall" es una película de ciencia ficción de 1990 dirigida por Paul Verhoeven y protagonizada por Arnold Schwarzenegger. Basada en el relato corto "We Can Remember It for You Wholesale" de Philip K. Dick, la película narra la historia de Douglas Quaid, un obrero atormentado por sueños de viajar a Marte. 

Cuando decide someterse a un tratamiento de implantación de memoria para vivir esa experiencia virtualmente, su vida se convierte en una vertiginosa mezcla de realidad y fantasía. 

"Total Recall" es una película trepidante, llena de acción y suspense. La banda sonora de Jerry Goldsmith refleja perfectamente ese ritmo frenético. La música combina momentos de calma intrigante con explosiones de acción orquestal, creando una atmósfera tensa y misteriosa que envuelve al espectador en el mundo de Quaid.

El tema principal de "Total Recall" es una pieza musical memorable que captura la esencia de la película. La melodía, interpretada con instrumentos de viento y percusión, evoca una sensación de aventura, incertidumbre y viaje hacia lo desconocido. La música se transforma a lo largo de la película, adaptándose a los diferentes giros de la trama. Sin embargo, el tema principal siempre está presente, sirviendo como un hilo conductor que une las distintas piezas sonoras y refuerza la identidad de la película.

 

Ennio Morricone - The Ecstasy of Gold

 

Nacido en Roma en 1928, Morricone comenzó a estudiar música a temprana edad, dominando instrumentos como la trompeta y el piano. En la década de 1950, comenzó a componer para la radio y la televisión, lo que lo llevó a trabajar en el cine a principios de la década de 1960. Su gran salto a la fama llegó con su colaboración con el director Sergio Leone en la trilogía del spaghetti western: "Por un puñado de dólares" (1964), "Por unos dólares más" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966).

 Las inolvidables melodías de Morricone para estas películas, como la icónica "The Ecstasy of Gold", definieron el sonido del género y lo catapultaron a la fama internacional. A lo largo de su carrera, Morricone trabajó con algunos de los directores más reconocidos del cine, como Bernardo Bertolucci , Giuseppe Tornatore ("Cinema Paradiso", "La leyenda del pianista en el océano"), y Brian De Palma ("Los intocables", "Mission: Impossible").

 Morricone recibió numerosos reconocimientos a lo largo de su carrera, incluyendo un Premio Óscar a la Mejor Banda Sonora Original por "Cinema Paradiso" en 1990. También recibió seis Globos de Oro, dos premios BAFTA y un Grammy. En 2007, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó un Óscar honorífico por su "contribución significativa al arte del cine".

 Morricone falleció en Roma en 2020 a la edad de 91 años, dejando un legado musical inigualable que continúa inspirando a músicos y cineastas de todo el mundo. 

 "The Ecstasy of Gold" es una de las composiciones más famosas de Morricone, y es un himno del spagueti western , reconocida como una de las melodías más emblemáticas de la historia del cine. Su sonido épico y triunfal captura perfectamente la emoción y la tensión de la escena final de "El bueno, el feo y el malo", donde los tres protagonistas se enfrentan en un duelo por un tesoro escondido. Su reconocible melodía sigue cautivando a las audiencias de todo el mundo, consolidando su lugar como una obra maestra de la música cinematográfica.

Kerani - Silent Heart

 

        

 Kerani,  es una destacada compositora y orquestadora holandesa, reconocida por sus paisajes sonoros emotivos y su capacidad para fusionar diferentes estilos musicales. Desde una edad temprana, Kerani mostró un talento innato para la música. 

Comenzó a tocar el piano a una edad temprana y rápidamente desarrolló una pasión por la composición. Después de estudiar música en la Universidad de Groningen, se sumergió en el mundo de la composición y la orquestación, explorando una variedad de géneros y estilos. 

 A lo largo de su carrera, Kerani ha lanzado una impresionante cantidad de música, incluyendo once álbumes y múltiples sencillos. Su música, que combina elementos de música clásica, new age y del mundo, ha sido aclamada por su belleza y su capacidad para evocar emociones profundas en el oyente.

 Kerani lanzó su último disco Silent Heart este pasado mes de Abril , donde nos vuelve a deslumbrar con 10 nuevas canciones llenas de encanto , para que nos embarquemos en un viaje musical lleno de magia .

 En un mundo lleno de ruido y agitación, las composiciones de Kerani sirven como oasis de calma. Cada nota de su música es como un bálsamo para el alma, llevándonos a un estado de paz interior en medio del caos.  Con influencias que van desde la música clásica hasta la new age y músicas del mundo, Kerani crea paisajes sonoros que trascienden fronteras culturales. Sus melodías nos transportan a lugares lejanos y nos conectan con lo más profundo de nuestro ser. 

Sería muy difícil de destacar alguna canción especial del disco , ya que  todos los temas mantienen una gran calidad , pero hoy os propongo la canción que da titulo al álbum Silent Heart

Oliver Patrice Weder - OPW - Hercules By The Ocean

     

       

 

Oliver Patrice Weder, es un compositor originario del pequeño pueblo de Lucerna, al pie de los Alpes en Suiza, ha forjado su carrera a través de extensos viajes por África, América del Norte y del Sur, así como por su estilo de vida nómada, estableciendo hogar en varios lugares de Europa. Ha concentrado estas experiencias en una predilección por la música vibrante y conmovedora que publica como artista en solitario bajo Moderna Records.

Weder escribe regularmente para imágenes, incluyendo televisión, películas y tráilers, y también ha aprovechado oportunidades en el mundo de la tecnología musical, estableciéndose como compositor principal para el gigante del muestreo Spitfire Audio. En 2023 fundó el colectivo de compositores y estudio de producción musical Smokestack Music.

Hoy os traigo el primer tema en este blog de este músico , una canción llamada Hercules By The Ocean de su disco OPW del año 2019 una canción sencilla , intimista de corte minimalista muy agradable de escuchar

 

Guido Negraszus - "Forgotten Jewels (2008-2016)" - Ocean Of Love

 

      

 Guido Negraszus (nacido el 22 de abril de 1966 en Vennikel, Alemania Occidental) es un compositor, pianista y tecladista germano-australiano. Además, es ingeniero de audio y Tonmeister, título que obtuvo en el prestigioso SAE Institute en Sídney, Australia. En 2001, Guido y su esposa Serene se mudaron permanentemente a Australia Occidental. Durante más de 30 años y con más de 30 álbumes lanzados, Guido Negraszus ha mantenido un flujo constante de nueva música que explora los límites de géneros como New Age, Chill-out, Worldbeat, Música Ambiental y, más recientemente, en la música de trailers (bajo los seudónimos de Akela Sun y Triple7music). 

Aunque se siente cómodo trabajando en diferentes géneros, como la Electrónica, la Meditación y la Música del Mundo, su género principal es el New Age: música que promueve un estilo tranquilo y relajante, con hermosas melodías, usualmente provenientes del piano, enriquecidas con teclados, guitarras, percusión y cuerdas. 

"Forgotten Jewels  (2008-2016)" presenta una recopilación de trece pistas que había compuesto hace tiempo y se habían quedado en el baúl de los recuerdos . El compositor explica el lanzamiento tardío de la siguiente manera: "A veces produces una gran pieza de música pero de alguna manera no puedes terminarla como quieres. Así que la pones en pausa con la idea de volver en una fecha posterior, con ideas frescas para completarla entonces. ¿Adivina qué? La mayoría de las veces, olvidas estas pistas. Los años pasan y luego, de repente, las redescubres por casualidad. Esto es lo que pasó aquí. Durante la 'limpieza de la casa' (revisando mis viejos discos duros) en septiembre de 2023, me sorprendió encontrar todas estas pistas. Algunas pistas estaban listas para salir solo necesitaban ser remasterizadas, mientras que otras necesitaban ser mejoradas con arreglos adicionales. Estoy realmente feliz con el resultado. Considerando que las pistas fueron grabadas con ocho años de diferencia, el álbum suena como si hubiera sido grabado y mezclado en una sola sesión de producción. En general, el álbum presenta una variedad de electrónica, ambient y downtempo de diversos géneros. ¡Espero que lo disfruten tanto como yo!"

Escogemos del disco la canción Ocean Of Love una canción que se mueve dentro del Chill Out que con tanta elegancia hace Guido Negraszus

Wim Mertens - Series Of Hands - "Navigare Necesse Est"

 

 

 Wim Mertens es un compositor y músico belga conocido por su obra innovadora y multifacética. Su álbum "Series of Hands", lanzado en 2011, es un testimonio de su habilidad para crear paisajes sonoros ricos en emoción y profundidad. Una de las piezas destacadas de este álbum es "Navigare Necesse Est", una composición que cautiva con su belleza y su complejidad.

 Wim Mertens, el compositor y pianista belga, ha sido una figura destacada en el panorama de la música contemporánea desde los años ochenta. A menudo asociado con la corriente minimalista junto con otros grandes como Philip Glass, Steve Reich y Michael Nyman, 

La obra de Wim Mertens está influenciada por una amplia gama de estilos musicales, desde el minimalismo y la música clásica hasta el jazz . Sin embargo, Mertens ha desarrollado un estilo único y personal que lo diferencia de otros compositores. Su música es a menudo descrita como "cinematográfica", ya que evoca imágenes y emociones vívidas en el oyente.

 Su doble disco Series Of Hands ,  ha pasado quizás desapercibido en comparación con el impacto que debería haber tenido ya que en el disco hay canciones como para que esten en lo mejor de su repertorio como la canción "Navigare Necesse Est"o como la canción que inicia el álbum The Great Outdoors  sin olvidarnos de la maravillosa In Zones  . 

En este trabajo, Mertens muestra una habilidad magistral para encontrar el equilibrio perfecto entre la experimentación y la melodía, creando piezas breves pero intensas que se destacan por su variedad y riqueza. 

 Lo que hace que este disco sea tan excepcional es la forma en que Mertens utiliza la instrumentación, con una amplia gama de músicos que van desde clavecines hasta instrumentos de cuerda y viento. Esta diversidad instrumental se combina con la voz única de Mertens, que tiene una tonalidad aguda y peculiar que añade una capa adicional de intriga a cada pieza. 

 El resultado es un trabajo que rebosa de rincones y matices, una verdadera obra maestra que revela nuevas profundidades con cada escucha. No es ni demasiado experimental ni demasiado melódico, sino un equilibrio perfecto entre ambos extremos que demuestra la habilidad y la visión artística de Wim Mertens.

La canción “Navigare Necesse Est” fue comisionada por el gobierno belga para la película Belgium beyond expectations con motivo de la Presidencia belga del Consejo de la Unión Europea y la Exposición Universal en Shanghái .

 Es interesante cómo esta frase latina ha inspirado a diferentes artistas a lo largo del tiempo. Desde los mitológicos Argonautas griegos hasta el músico Wim Mertens, la idea de que “navegar es necesario, pero vivir no lo es” sigue resonando en la cultura y la creatividad humana

Wim Mertens se ha inspirado en momentos históricos o culturales , para componer su música.  Aunque no hay detalles específicos sobre la inspiración detrás de “Navigare Necesse Est”, se sabe que Mertens ha sido influenciado por figuras históricas y literarias, o por sucesos históricos , así como por conceptos filosóficos y morales como la justicia, la prudencia, la templanza, el valor, la humildad

Joe Hisaishi - [Joe Hisaishi in Budokan] Studio Ghibli 25 Years Concert

 

       

La colaboración entre Hayao Miyazaki y Joe Hisaishi es una verdadera sinfonía creativa que ha dado vida a algunas de las películas animadas más queridas y emblemáticas de todos los tiempos.

 Miyazaki, el legendario director y cofundador del Studio Ghibli, y Hisaishi, el talentoso compositor, han trabajado juntos en numerosos proyectos, creando mundos mágicos que han cautivado a audiencias de todas las edades en todo el mundo. La relación entre Miyazaki y Hisaishi comenzó en 1984 con la película "Nausicaä del Valle del Viento", aunque formalmente no formaban un equipo establecido hasta "Mi vecino Totoro" en 1988. Desde entonces, han colaborado en casi todas las películas de Miyazaki, incluyendo clásicos como "El viaje de Chihiro", "El castillo en el cielo" y "La princesa Mononoke". 

 La música de Hisaishi es una parte integral de la experiencia cinematográfica de Miyazaki. Sus composiciones evocan una amplia gama de emociones, desde la maravilla y el asombro hasta la melancolía y la aventura.

 Su capacidad para capturar la esencia de los mundos imaginarios de Miyazaki y traducirla en música ha sido fundamental para el éxito de estas películas. 

 La colaboración entre Miyazaki y Hisaishi va más allá de la mera creación de bandas sonoras. Se ha descrito como una asociación simbiótica, donde las visiones de ambos artistas se complementan y potencian mutuamente. 

Miyazaki confía en Hisaishi para dar vida a sus visiones con música, mientras que Hisaishi encuentra inspiración en las imágenes y narrativas de las películas de Miyazaki. 

 La música de Hisaishi se ha convertido en una firma de las películas de Miyazaki, y su colaboración es ampliamente reconocida como una de las más exitosas y duraderas en la historia del cine de animación. 

 ¡El concierto "Studio Ghibli 25 Years Concert" de Joe Hisaishi es una experiencia que realmente deleita los sentidos y evoca la magia de las películas de Studio Ghibli! Este evento conmemorativo celebra el legado de una de las colaboraciones más icónicas en la historia del cine: la relación entre el renombrado compositor Joe Hisaishi y el legendario estudio de animación japonés, Studio Ghibli. 

 En el "Studio Ghibli 25 Years Concert", Hisaishi y su talentosa orquesta llevan al público en un viaje nostálgico a través de las melodías más queridas de las películas de Ghibli. 

Desde las piezas enérgicas y aventureras hasta las melodías melancólicas y conmovedoras, cada nota resuena con la esencia misma de las historias que han cautivado a audiencias de todas las edades en todo el mundo. 

 Pero este concierto es más que una simple interpretación musical; es una celebración de la creatividad, la imaginación y la emoción que Studio Ghibli ha compartido con el mundo durante un cuarto de siglo. 

Para los fans de Studio Ghibli y de la música de Joe Hisaishi, el "Studio Ghibli 25 Years Concert" es un evento verdaderamente inolvidable que captura la esencia misma de la magia cinematográfica. Es una oportunidad para sumergirse una vez más en los mundos fantásticos creados por Hayao Miyazaki y experimentar la poderosa conexión emocional que solo la música de Hisaishi puede ofrecer. En resumen, es un tributo a un legado duradero de creatividad y pasión que continúa emocionando a generaciones de espectadores en todo el mundo.

Eric Tingstad y Nancy Rumbel - Paradise - "Sailing"

 

         

 En el año 2000, el dúo estadounidense Eric Tingstad y Nancy Rumbel nos regaló un álbum que se convertiría en un refugio para muchos: Paradise. Este disco, como su nombre lo indica, nos invita a un viaje sonoro a un lugar de paz y tranquilidad, donde las preocupaciones se desvanecen y la belleza de la música nos envuelve por completo. Un sonido acústico cálido y acogedor Desde la primera nota, Paradise nos sumerge en un ambiente cálido y acogedor. La guitarra acústica de Tingstad se entrelaza con las melodías líricas del oboe, corno inglés y ocarinas de Rumbel, creando un sonido orgánico y rico en matices. La ausencia de percusión en la mayoría de las canciones refuerza la sensación de calma y serenidad que impregna todo el álbum. 

 El disco consta de 14 canciones que invitan a la reflexión y la introspección  Cada canción nos invita a reflexionar sobre nuestras propias vidas y a encontrar momentos de tranquilidad en medio del ajetreo del mundo. Un viaje a través de diferentes paisajes sonoros A lo largo de las 14 canciones del álbum, nos encontramos con una gran variedad de paisajes sonoros. Desde la suave brisa del mar en "Sailing" hasta la elegancia de un baile en "Zelda's Dance", Paradise nos ofrece un viaje musical diverso y lleno de sorpresas.

Sailing canción con la que comienza el álbum es la canción que destacamos hoy

Yanni - "Keys to Imagination"- Santorini

 

        

        

Recuerdo claramente mi primera incursión en el  mundo de la llamada "música new age", y uno de los primeros músicos que cruzó mi camino fue Yanni. Había escuchado alguna de sus canciones en recopilatorios, pero encontrar su música completa era todo un desafío en aquellos días. Sin embargo, la espera valió la pena cuando finalmente tuve en mis manos su álbum "Keys to Imagination", lanzado en 1986.

 Desde el momento en que presioné play, supe que estaba a punto de embarcarme en un viaje único. El disco me envolvió en una sensación de felicidad ; cada nota, cada melodía era como un oasis en medio del paisaje sonoro convencional de aquella época. 

Canciones como "Santorini", "Port of Mystery" y la misma "Keys to Imagination" se convirtieron rápidamente en mis favoritas. Lo que más me atrajo fueron los teclados de Yanni, que parecían tener vida propia, llenando el aire de misterio y emoción con cada acorde. 

Su música era diferente a todo lo que había escuchado antes, y eso es precisamente lo que estaba buscando en aquel momento. 

 "Keys to Imagination" no es solo un álbum; es una verdadera obra maestra de la música dramática de sintetizador. La pasión y la brillantez de Yanni se reflejan en cada nota, en cada composición. Sus melodías son memorables y su ejecución es simplemente excepcional. Este disco es extravagante en el mejor sentido de la palabra, rebosante de energía y vitalidad. Es una invitación a explorar nuevos territorios musicales, a sumergirse en un mundo de sonidos que despiertan la imaginación . 

 Desde entonces, la música de Yanni ha sido una fuente constante de inspiración y asombro para mí. "Keys to Imagination" no solo marcó el comienzo de mi amor por su música, sino que también abrió las puertas a un universo de posibilidades sonoras que nunca antes había explorado.

Hoy mi recuerdo es para la canción Santorini 

Santorini: un nombre que evoca instantáneamente imágenes de belleza, encanto y misterio. Esta canción, creada por el talentoso músico Yanni, es una verdadera joya musical que transporta a los oyentes a un viaje sensorial a través de sonidos cautivadores y evocadores.

Desde los primeros acordes, Santorini te envuelve en una atmósfera única, como si estuvieras contemplando el amanecer sobre las icónicas cúpulas blancas de esta isla griega. La melodía es cautivadora, con sus suaves arpegios y sus cambios de ritmo que te hacen sentir como si estuvieras flotando en un mar de emociones

La pieza está impregnada de la magia y el misterio que caracterizan la música de Yanni. Cada nota parece tener vida propia, cada acorde lleva consigo una historia por contar. Es una experiencia auditiva que va más allá de las palabras, una conexión profunda con la esencia misma de la belleza y la emoción.

David Arkenstone - "Winterlude" - “The Return of Jack Frost”

 

        

"Winterlude" de David Arkenstone es un álbum que celebra la magia y el misterio del invierno a través de su música. Una de las canciones destacadas de este álbum es "The Return of Jack Frost". Esta pieza musical evoca la imagen del mítico Jack Frost, personaje de la mitología popular asociado con el invierno y la escarcha. 

 La música de "The Return of Jack Frost" te transporta a un mundo de nieve brillante y paisajes helados. Con sus melodías hipnóticas y su atmósfera envolvente, la canción captura la esencia del invierno en toda su belleza y serenidad. Es una experiencia auditiva que te invita a sumergirte en la maravilla del frío y a dejarte llevar por la magia del momento.

Dentro de esta colección de melodías que evocan la serenidad y la belleza de la estación más fría,  destaca la pista “The Return of Jack Frost”. Esta canción, la séptima del álbum, es una oda a la naturaleza helada y a las figuras míticas que la habitan. Con una duración de 4:32 minutos, “The Return of Jack Frost” es una composición que combina armoniosamente el piano, cuerdas y otros elementos para crear una atmósfera que es a la vez etérea cálida y acogedora

 Con su característico estilo que fusiona lo ambiental, lo celta y lo neoclásico, David Arkenstone nos ofrece un disco con 10  temas a cual mejor

 El propio Arkenstone describe “Winterlude” como un intento de capturar las emociones que le provoca el invierno: un tiempo para la reflexión y la contemplación. Cada canción es como un capítulo de un libro, con “The Return of Jack Frost” representando ese momento mágico cuando el frío se hace presente y todo se cubre de una capa de escarcha brillante.