Max Richter - The New Four Seasons – Vivaldi Recomposed: Spring 3

Max Richter (22 de marzo de 1966, Hamelín, Alemania) es un productor, pianista y compositor alemán de música contemporánea y minimalista, conocido por su vasta producción. Compone y graba su propia música; escribe para teatro, ópera, ballet y cine; produce y colabora en la grabación y presentación de otros artistas.

 Ha grabado siete álbumes en solitario y su música se usa ampliamente tanto  en el cine como en series de televisión.

 Nacido en Alemania y criado en Reino Unido, Max Richter cursó estudios de composición y piano en la Universidad de Edimburgo, en la Real Academia de Música, y, más tarde, con el compositor Luciano Berio en Florencia.[cita requerida] Cuando completó sus estudios, cofundó Piano Circus, un iconoclasta conjunto de música clásica en el que interpretó durante diez años junto a nombres como Arvo Pärt, Brian Eno, Philip Glass, Julia Wolfe y Steve Reich.

Tener la idea de hacer una nueva versión de las cuatro estaciones de Vivaldi , no parece lo mejor que se le pueda ocurrir a alguien pero si además tienes la osadía de hacerlo le podrían tachar a uno de loco, pero el bueno de Max lo hizo y encima le salió bien la jugada pues obtuvo buenas criticas musicales desde los críticos más clásicos 

 Y así, aunque reescribir “Las Cuatro Estaciones” parecía una mala idea, Max Richter sale victorioso del envite: hace suya una obra universal , la trata con respeto pero sin reverencia absoluta, es capaz de reprogramar su mecanismo y hacer que todo suene reconocible pero nuevo, igual pero distinto, familiar pero extraño, como esta Venecia que inspiró la música de Vivaldi, tan distinta hoy a lo que era entonces, pero cautivadora en igual medida

"Recomposed by Max Richter: Vivaldi - The Four Seasons" ,Las Cuatro Estaciones, de Vivaldi, recompuestas por Max Richter. Composición que vio la luz el 31 de agosto, bajo el amparo de Universal Classics and Jazz (Alemania), una división de Universal Music Group y Deutsche Gramophon; posteriormente, en 2019, se realizó una segunda grabación/edición en Rubicon Classics. En la edición de Deutsche Gramophon, los intérpretes fueron la Konzerthaus Kammerorchester Berlin, dirigida por André de Rider, con Daniel Hope como violín solista, que para la ocasión dispuso de un instrumento excepcional: el violín denominado Ex-Lipinski, construido por Giuseppe Guarneri del Gesú, en 1742 (prestado para la ocasión por la familia propietaria del mismo, que prefirió permanecer en el anonimato).

 Para la edición de Rubicon Classics se contó con la Covent Garden Sinfonia (formalmente Orquesta de St. Paul), dirigida por Ben Palmer, y la intervención de Fenella Humpreys como solista, quien utilizaría otro instrumento exclusivo: un violín del círculo de Peter Guarneri, de Venecia, fabricado en 1727.

Según cuenta Max Richter no es una versión , si no que es una reinterpretación y recomposición completa de la extraordinaria obra de Vivaldi , conservando el 75% de su material original mientras que el 25% restante sería la aportación de Richter dándole una visión más minimalista a la obra en cuestión pero siendo muy respetuoso con el espíritu original de la obra  y manteniendo su esencia barroca

 

Ólafur Arnalds - re:member

 

Ólafur Arnalds (nacido el 3 de noviembre de 1986 en Mosfellsbær) es un músico, compositor y productor islandés.​ Mezcla cuerdas con piano, agregando elementos electrónicos, pasando de la música clásica a la moderna 

Remember es el cuarto álbum de estudio de Ólafur es una oda al proceso creativo. Ólafur lo ha llamado su „álbum que rompe el caparazón“ donde da rienda suelta a sus variadas influencias y creatividad. 

 "re:member" presenta a Arnalds trabajando con el nuevo software Stratus, que transforma el piano en un instrumento casi completamente nuevo y utiliza estos métodos para revitalizar la experiencia compositiva, retroalimentando el proceso creativo de una manera completamente nueva. 

En este álbum, el uso de la tecnología Stratus permite que las notas tocadas en un piano principal generen notas diferentes en dos pianos complementarios. Por supuesto, Arnalds es un músico demasiado inteligente y sofisticado para permitir que esta innovación sea otra cosa que un medio para explorar nuevos efectos de armonía que pueden llevar su talento compositivo aún más lejos.

 Desde el principio, en la canción que da título al disco "re:member", se establece un equilibrio bien definido aunque nunca inventado entre teclados, cuerdas y un ritmo lleno de sutilezas rítmicas contundentes

 “Este es mi álbum rompedor dice Ólafur  . Soy yo tomando las influencias crudas que tengo de todos estos diferentes géneros musicales y no filtrándolas. Explora el proceso creativo y cómo uno puede manipularlo para salir del círculo de las expectativas y el hábito”.

 

David Arkenstone - The Water Fairy

 

David Arkenstone (Chicago, Illinois; 1 de julio de 1952) es un compositor e intérprete estadounidense de música new age. Su música es principalmente instrumental, con vocalizaciones ocasionales. Ha escrito música para videojuegos, televisión y documentales 

Arkenstone es un prolífico músico tiene una capacidad compositiva digna de elogio , cada año saca varios álbumes tanto en solitario como en cooperaciones con otros músicos

El disco al que nos referimos hoy es Fairy Dreams , un disco editado en el año 2019 en el que Arkenstone da rienda suelta a toda su capacidad compositiva para crear mundos mágicos sonoros y trasladarnos a un cuento de hadas

Una de sus composiciones más fascinantes es "The Water Fairy" ("El hada del agua"), una pieza musical que te transporta a un mundo encantado lleno de misterio y belleza. La melodía fluida y etérea de la canción evoca la sensación de estar rodeado por la magia del agua y la presencia de una mágica criatura.  

 un tema lleno de encanto y misterio , donde David crea una melodía donde el clímax sonoro va in crescendo adentrándonos en una misteriosa música que nos atrapa con sus bellos y armónicos ritmos , La composición combina instrumentos como la flauta, el piano y las cuerdas para crear una atmósfera relajante y llena de encanto. 

 

Wim Mertens - Voice of The Living - Escape and Recapture

 

 

Durante más de cuarenta años, Wim Mertens ha creado música notable que le ha otorgado fama internacional. A lo largo de su prolífica carrera, este destacado compositor belga ha experimentado una constante evolución en sus estilos musicales, explorando desde su base melódica hasta adentrarse en el minimalismo, la música vanguardista, ambiental y neoclásica. Wim Mertens , fiel a su cita como todos los años  , lanza al mercado un nuevo disco llamado  Voice of The Living  y son ya más de setenta discos en su arsenal musical , digamos nuevo entre comillas ya que este obra fue un  encargo y la obra se estreno el 28 de Octubre de 2014, pero no se había lanzado al mercado hasta Mayo del 2023

Su última composición, "Voice of the Living", fue encargada por el gabinete del Primer Ministro belga como parte de la conmemoración de la Gran Guerra ( 1914-1918 ), se convierte en una poderosa expresión musical. 

 "Voice of the Living" se estrenó el 28 de octubre de 2014 en la Catedral de San Martín de Ypres y fue dedicada a los habitantes de esta ciudad histórica a petición del propio Mertens. La composición de la obra parte desde el  punto de vista del soldado que está inmerso en la guerra, explorando las experiencias más horribles vividas en el campo de batalla. La música de este álbum es compleja y profundamente emocional en su contenido. 

El mundo parece que se ha acostumbrado a estar sempiternamente en guerra y ya no nos choca o vemos con demasiada frialdad el numero de bajas que hay en las guerras. Wim Mertens se inspira especialmente en eso , en recordarnos a través de la memoria de los vivos , los horrores que vivieron los que padecieron ese infierno o no pudieron salvarse , de ahí el nombre del disco Voice of The Living

 Las canciones de "Voice of the Living" se caracterizan por armonías enigmáticas y poderosas en constante cambio ,  los instrumentos como cuerdas, vientos, arpa y percusión  se entrelazan entre sí creando melodías en constante cambio  ,  la voz y el piano de Mertens son parte vital  al proporcionar un elemento melódico que suaviza las sorprendentes vueltas y giros de las composiciones, de toda esa amalgama de sonidos tan emocionantes creando una obra impresionante y emocional

Mertens logra plasmar musicalmente el estancamiento y la locura de la guerra. Sus composiciones son intensas y poderosas, dándose  el contrapunto de la belleza de la música de Mertens , con los horrores y el desasosiego que acompaña a la guerra.

"Voice of the Living", al igual que gran parte de la obra de Mertens, no es una pieza musical fácil de digerir, sino que requiere tiempo y atención para apreciar su feroz contenido emocional.

 La música de Mertens se convierte en un poderoso medio para reflexionar sobre las consecuencias devastadoras de la guerra y honrar a aquellos que han sido afectados por ella.

 Wim Mertens ha demostrado ser un músico excepcional a lo largo de su carrera, y su obra "Voice of the Living" destaca como una composición musical conmovedora y desafiante. La capacidad de Mertens para transmitir emociones complejas y capturar la esencia de los horrores de la guerra a través de su música es admirable. "Voice of the Living" no solo nos sumerge en un pasado lejano, sino que también nos obliga a enfrentar los conflictos bélicos actuales. 

Dentro de las diez canciones que componen el disco destaca Escape and Recapture Una canción vibrante, donde los constantes cambios de ritmo marcan la canción. La voz de Wim parece estar contando la historia de la batalla en su lenguaje imaginario.

King Crimson - Islands - Song of the Gulls

Islands es el cuarto álbum de la banda inglesa de rock progresivo King Crimson, publicado en 1971. Es el último álbum de estudio de la banda antes de adentrarse en la trilogía conformada por Larks' Tongues in Aspic, Starless and Bible Black y Red, y el último con la colaboración del letrista Peter Sinfield y con el clásico sonido sinfónico de la formación.

 El álbum "Islands" nos invita a un viaje emocional a través de sus canciones. Desde la delicada y conmovedora "Formentera Lady" hasta la evocadora "The Letters" y la enigmática "Sailor's Tale", cada pista es una isla por descubrir, un autentico tesoro con su propio mundo de sentimientos y sensaciones.

 La interacción de las diferentes capas instrumentales, como las guitarras, los teclados y los saxofones, crea una textura rica y compleja que nos sumerge en un torbellino emocional. La habilidad de King Crimson para crear atmósferas y paisajes sonoros únicos es palpable en cada nota, transportándonos a lugares donde la música se convierte en un lenguaje universal de expresión.

 "Islands" destaca por su audacia musical y su deseo de explorar territorios inexplorados. King Crimson se aventura más allá de los límites convencionales del rock progresivo, experimentando con estructuras y texturas que desafían las expectativas. Cada canción se convierte en un lienzo sonoro en el que se entrelazan elementos de jazz, música clásica y rock. Los cambios de tiempo y las progresiones armónicas impredecibles nos mantienen en vilo, atrapados en un viaje musical lleno de sorpresas y emociones

 Nos invita a sumergirnos en el océano de nuestros propios pensamientos y descubrir los tesoros que yacen en nuestro interior. En cada acorde y cada verso, King Crimson nos recuerda la importancia de encontrar momentos de calma y reflexión en nuestras vidas agitadas. Nos invita a desconectar de las preocupaciones diarias y sumergirnos en la belleza de nuestro entorno, permitiendo que nuestra mente y nuestro espíritu se renueve

 A medida que los acordes iniciales se despliegan, somos transportados a un paisaje musical donde las convenciones se desvanecen y la experimentación toma el control. King Crimson, maestros de la música progresiva, nos guían a través de diferentes texturas y cambios de ritmo, creando una experiencia inmersiva y sorprendente.

Elementos del rock progresivo, jazz y música clásica se entrelazan en una sinfonía en constante evolución. La habilidad técnica de los músicos se combina con una sensibilidad artística profunda, llevando a los oyentes a un estado de trance auditivo.

 

 Islands es uno de esos discos en los que el artista se siente orgulloso de haber hecho una obra maestra , si " In the Court of the crimson King " es un disco de leyenda que ha pasado a la historia del rock progresivo , este Islands es una auténtica joya del rock progresivo donde Fripp saca todas sus esencias desparramándolas a lo largo del disco , por momentos en forma de rock sinfónico , a veces en forma de Jazz rock o como en " Song of the Gulls " que parece una pieza clásica , una autentica preciosidad , la canción  de poco más de cuatro minutos nos deja el lado más clásico de King Crimson , el grupo crea una maravilla de canción totalmente instrumental donde va tejiendo preciosas melodías como si fuera una orquesta de cámara  construyendo una pieza orquestal de gran belleza en donde sobresale el oboe interpretado por Robin Miller, sobre un fondo de violines ejecutado por músicos no acreditados ,   hay quien argumenta que se parece demasiado o pudiera estar influenciado por el concierto en re mayor de Tomasso Albinoni 

Russel Walder. Pure Joy -This Moment Now

 

Russell Walder es un músico estadounidense conocido por su virtuosismo en el oboe y su talento como compositor. Nació el 28 de mayo de 1959 en Portland, Oregón. A lo largo de su carrera, ha explorado diferentes géneros musicales, desde el jazz hasta la música new age y contemporánea.

 Walder comenzó a tocar el oboe a una edad temprana y mostró un gran talento en el instrumento. Estudió música en la Universidad de Boston, donde perfeccionó su técnica y se sumergió en el mundo de la improvisación y la composición. Durante sus años de estudio, también tuvo la oportunidad de tocar con músicos destacados, lo que enriqueció su experiencia musical. En la década de 1980, Walder se trasladó a California y se unió a la escena musical de Los Ángeles. Fue allí donde comenzó a colaborar con diversos artistas y bandas, ganando reconocimiento por su habilidad en el oboe y su estilo único. 

Participó en grabaciones y giras con artistas como Jackson Browne, David Sylvian, Tangerine Dream y Vangelis, entre otros. En 2002, Russell Walder lanzó su álbum debut como solista titulado "Pure Joy"  anteriormente lanzó dos discos junto al pianista Ira Stein .

 El disco capturó la belleza y la emotividad del oboe de Walder, fusionando elementos de jazz, música clásica y new age. 

Las composiciones de Walder en "Pure Joy" transmiten una sensación de calma y serenidad, evocando paisajes sonoros llenos de melancolía y esperanza. Una de las canciones destacadas en el álbum es "This Moment Now". Esta pieza combina la melodía delicada del oboe con sutiles arreglos instrumentales, creando una atmósfera introspectiva y emotiva. 

"This Moment Now" captura la habilidad de Walder para transmitir emociones a través de su interpretación y composición, envolviendo al oyente en una experiencia auditiva profunda. 

 A lo largo de su carrera, Russell Walder ha seguido explorando su creatividad musical y ha lanzado otros álbumes notables, como "Rise" (2006) .

 Su contribución al mundo de la música con el oboe ha sido reconocida y admirada por su habilidad técnica y su capacidad para transmitir emociones a través de su instrumento.

 Podríamos resumir que, Russell Walder es un talentoso músico y compositor conocido por su maestría en el oboe. Su álbum "Pure Joy" destaca por su belleza y emotividad, y la canción "This Moment Now" es un ejemplo de su habilidad para crear paisajes sonoros evocadores. A través de su música, Walder ha dejado una marca significativa en la escena musical contemporánea

             

David Arkenstone - Angels in the Snow

"Celtic Christmas III", es un disco  que fue lanzado en 1997. Este álbum es una recopilación de varios artistas que interpretan música navideña en estilo celta. El álbum captura la magia y la alegría de la temporada navideña con arreglos celtas, instrumentación tradicional y voces emotivas.

 "Celtic Christmas III" es una opción maravillosa para aquellos que disfrutan de la música celta y desean sumergirse en la atmósfera festiva durante la temporada navideña. Las melodías y los arreglos evocadores crean un ambiente mágico y transportan a los oyentes a un mundo lleno de encanto y calidez.

 Uno de los temas que destaca dentro del disco es Angels in the Snow del compositor David Arkenstone" Angels in the Snow" es una hermosa melodía instrumental que captura la magia y la tranquilidad de la temporada navideña. La canción se destaca por su atmósfera relajante y su arreglado musical lleno de armonías suaves y delicadas. A medida que escuchas "Angels in the Snow", puedes imaginarte caminando por un paisaje invernal cubierto de nieve, con una sensación de serenidad y calidez.

 Los arreglos de David Arkenstone transportan al oyente a un estado de paz y contemplación, permitiendo que la música se convierta en una experiencia sensorial. 

 La composición de Arkenstone es hábil en la creación de una atmósfera mágica y evocadora. A través de su uso de instrumentos tradicionales celtas como la flauta, el violín y la guitarra acústica, así como de sintetizadores y texturas ambientales, logra una fusión armoniosa que llena de encanto la canción.

 "Angels in the Snow" es una pista que refleja la habilidad de David Arkenstone para capturar la esencia de la Navidad y la belleza del invierno a través de su música. Su capacidad para combinar elementos musicales diversos en una composición cohesiva y emotiva es evidente en esta canción.

Michael Nyman - The Piano - The Heart Asks Pleasure First

 

         

Michael Nyman es un reconocido compositor, pianista y musicólogo británico que ha dejado una profunda huella en la música contemporánea y en el mundo del cine. Su estilo único y distintivo combina elementos minimalistas con influencias clásicas y contemporáneas. 

 Michael Laurence Nyman nació el 23 de marzo de 1944 en Stratford, Londres, Inglaterra. Estudió música en la Universidad de Londres y más tarde en la Universidad de King's College. A lo largo de su carrera, Nyman ha trabajado en una amplia variedad de proyectos, incluyendo música de concierto, ópera, música experimental y bandas sonoras para el cine.

 Una de las contribuciones más destacadas de Michael Nyman al mundo del cine es su aclamada banda sonora para la película "The Piano" (1993), dirigida por Jane Campion. 

La música de Nyman para esta película cautivó a audiencias de todo el mundo con su belleza y emotividad. La partitura se caracteriza por su estilo minimalista, con repeticiones rítmicas y melódicas que crean una sensación de cautivadora simplicidad.

 Dentro de la banda sonora de "The Piano", se encuentra la hermosa canción instrumental "The Heart Asks Pleasure First". Esta pieza musical ha ganado una enorme popularidad y se ha convertido en una de las composiciones más reconocidas de Michael Nyman. Con su melodía delicada y conmovedora, "The Heart Asks Pleasure First" captura la esencia de la película y evoca una amplia gama de emociones en el oyente. 

 La canción es un ejemplo perfecto del estilo distintivo de Nyman, con una combinación de notas repetitivas y progresiones armónicas evocadoras. Ha sido interpretada en conciertos y se ha convertido en una pieza muy querida por los seguidores de la música de Nyman y de la película "The Piano".

  

Wim Mertens - Passend

 

En el disco "Receptacle" del talentoso compositor Wim Mertens, encontramos una pieza musical notable llamada "Passend". Esta cautivadora composición nos invita a un viaje sonoro trascendental, donde las notas se entrelazan para crear una experiencia musical conmovedora

 "Passend" es una de las canciones  que destaca en el disco "Receptacle". La pieza comienza con una melodía suave y delicada, interpretada en piano, que nos envuelve en una atmósfera de serenidad y misterio. A medida que la composición avanza, se añaden capas adicionales de instrumentación, como cuerdas y vientos, que enriquecen la experiencia auditiva y agregan una sensación de expansión.

 La belleza de "Passend" radica en su capacidad para crear una conexión emocional profunda. Las notas fluyen y se entrelazan de manera armoniosa, transmitiendo una sensación de trascendencia y elevación.

 La melodía se desarrolla con paciencia y precisión, permitiendo que el oyente se sumerja en un estado de contemplación y reflexión. La interpretación de Mertens en "Passend" es magistral. Su habilidad para transmitir emociones a través de las teclas del piano es evidente en cada matiz y variación. Cada nota es ejecutada con una delicadeza y una pasión que se siente en lo más profundo del corazón. Mertens nos guía a través de una experiencia musical que va más allá de las palabras y nos sumerge en un estado de elevación espiritual. 

 "Passend" es una pieza musical que invita a la introspección y a la conexión con algo más allá de lo tangible. A través de sus arreglos meticulosos y su riqueza emocional, Wim Mertens nos guía una vez más en un viaje sonoro hacia la belleza y la trascendencia.

 

Peter Kater - Rapture

 

Peter Kater, cuyo nombre de nacimiento es Peter Thomas, es un pianista y compositor de música new age contemporánea. Nació el 18 de octubre de 1958 en Múnich, Alemania, pero se mudó a Estados Unidos a la edad de cuatro años junto con su familia. 

 Desde temprana edad, Kater mostró interés y talento por la música. Comenzó a tocar el piano a los siete años y luego estudió música clásica en el Conservatorio de Boston. Durante su formación musical, también se vio influenciado por una variedad de géneros musicales, incluyendo rock, jazz y música étnica. En la década de 1980, Peter Kater comenzó a involucrarse en la escena de la música new age, un género que combina elementos de música clásica, música ambiente y música del mundo para crear un sonido relajante y contemplativo. 

Lanzó su primer álbum, titulado "Spirit", en 1983, y desde entonces ha producido más de 60 álbumes en solitario y colaboraciones. 

 La música de Kater se caracteriza por sus melodías emotivas, armonías suaves y uso de instrumentación variada. A menudo incorpora sonidos de la naturaleza, como el canto de los pájaros o el sonido del océano, en sus composiciones para crear una atmósfera tranquila y pacífica.

 Su disco Rapture es uno de los mejores discos de Kater , en el disco nos ofrece doce composiciones que no tienen desperdicio , son doce paisajes sonoros llenos de melodía y encanto sonoro que te envuelven nada más escucharlo 

 Rapture comienza con la canción principal que da titulo al disco, es una canción épica que posee un tono cinematográfico arrollador y una evolución que incluso sorprendió a Kater.

 “Al principio, realmente pensé que solo se trataría de la parte del piano. Pero mientras escucho la grabación de piano, de repente, escucho esta melodía completamente diferente sobre la parte superior de la pieza. No tenía idea de que la canción iba allí”. " Peter Kater "

Michael Gettel -Narada - Grand Piano - Prelude First Snow

 

Michael Gettel es un compositor, pianista y artista de grabación estadounidense conocido por su trabajo en los géneros de música new age e instrumental contemporánea. Ha lanzado varios álbumes a lo largo de su carrera, mostrando su habilidad como pianista y su capacidad para crear composiciones hermosas y evocadoras. 

 La música de Michael Gettel se caracteriza a menudo por sus cualidades relajantes y reflexivas, con solos de piano melódicos acompañados de arreglos orquestales o texturas ambientales. Sus composiciones suelen evocar una sensación de serenidad y tranquilidad, lo que hace que su música sea popular para la relajación, la meditación y como ambiente de fondo. 

 Narada Music, también conocida como Narada Productions, es un sello discográfico y una compañía de distribución musical que se especializa en géneros como New Age, música instrumental y música del mundo. 

Fue fundada en 1983 por Michael Aczon y Gary Reiner. El nombre del sello proviene del sabio mitológico hindú Narada, quien es venerado como un músico divino y comunicador. Narada Music ganó prominencia en las décadas de 1980 y 1990 al lanzar álbumes de reconocidos artistas en la escena de la música New Age e instrumental. 

Se enfocaron en crear música relajante y reconfortante que incorporaba elementos de diversas culturas alrededor del mundo. El catálogo del sello incluía artistas como David Lanz, David Arkenstone, Jesse Cook, Yanni y muchos otros. 

 La música lanzada por Narada a menudo presenta melodías suaves, paisajes sonoros ambientales y una fusión de instrumentos acústicos y electrónicos. Los artistas del sello frecuentemente incorporan elementos de diferentes tradiciones musicales, como celtas, latinas, nativas americanas y del Medio Oriente, creando un sonido diverso y multicultural. 

 Los álbumes de Narada Music suelen asociarse con la relajación, la meditación y el alivio del estrés. Han sido populares entre los oyentes que buscan música tranquila y calmante, así como aquellos interesados en explorar diferentes tradiciones musicales culturales. Si bien la popularidad de la música New Age ha disminuido un poco en los últimos años, la influencia y el legado de Narada Music continúan resonando dentro del género. Su catálogo de álbumes sigue disponible para aquellos que aprecian su estilo único y sus propuestas musicales.

 Gettel consolidó su contrato con Narada durante un viaje de mochilero al suroeste de Estados Unidos con estudiantes de la Escuela Bush de Seattle , en la que había aceptado un puesto de profesor en 1988. El contrato le fue enviado por fax al Parque Nacional Zion .

  Grand Piano es una compilación del año 1997 del sello  Narada . Alcanzó el puesto número 10 en las listas de álbumes Top New Age de Billboard en el mismo año. 

El piano ha sido uno de los instrumentos más recurrentes en la historia de Narada ningun otro instrumento representa mejor el espíritu de Narada , por lo cual no tuvo más remedio que hacer un homenaje a este instrumento con un disco doble editado en 1997 con lo más granado del sello discográfico , lleno de enorme talento

"Prelude to First Snow" es una hermosa pieza instrumental compuesta por Michael Gettel. Es conocida por su calidad serena y etérea, capturando la esencia de un apacible paisaje invernal antes de la primera nevada. La composición se caracteriza por sus suaves melodías de piano, delicados acordes de cuerdas y sutiles elementos atmosféricos, creando una atmósfera tranquilizadora y contemplativa.

Barbara Higbie , Nina Herber - A Windham Hill Christmas- In Dulci Jubilo

"A Windham Hill Christmas" es un álbum recopilatorio de música navideña lanzado por el sello discográfico Windham Hill. El álbum presenta una selección de canciones navideñas interpretadas por diversos artistas asociados con el sello, quienes ofrecen su propia versión y estilo de las melodías tradicionales. 

 El contenido musical del álbum incluye una variedad de géneros y estilos, que van desde la música instrumental hasta voces solistas y arreglos orquestales. Las canciones están diseñadas para crear una atmósfera cálida y festiva durante la temporada navideña.

 Algunos de los artistas destacados que han contribuido en los diferentes volúmenes de "A Windham Hill Christmas" incluyen a Steve Erquiaga, Liz Story, Jim Brickman, Will Ackerman, David Arkenstone, entre otros. 

Cada artista aporta su enfoque único a las canciones navideñas, ofreciendo una experiencia musical diversa y enriquecedora. La música en "A Windham Hill Christmas" es conocida por su estilo tranquilo, relajante y melódico, perfecta para disfrutar en momentos de paz y contemplación durante las festividades navideñas. 

 Una de las canciones destacadas en el álbum es "In Dulci Jubilo", interpretada por Barbara Higbie en el piano y Nina Gerber en la guitarra. 

 Barbara Higbie es una talentosa pianista y violinista, reconocida por su habilidad en la música instrumental y su estilo único que fusiona influencias de géneros como el jazz, el folk y la música clásica. Nina Gerber, por otro lado, es una guitarrista notable conocida por su habilidad en la guitarra acústica y su colaboración con diversos artistas. 

 La interpretación de "In Dulci Jubilo" por Barbara Higbie en el piano y Nina Gerber en la guitarra en este álbum navideño ofrece una versión especial y emotiva de la canción.

 "In Dulci Jubilo" es un himno navideño tradicional y la interpretación de estas talentosas músicas enriquece la melodía con su estilo y destreza instrumental.

 

Himekami - Voyage to Another World - Goddess of White Mountain

Himekami, también conocido como Yoshiaki Hoshi, es un músico y compositor japonés. Nació el 26 de noviembre de 1950 en la ciudad de Niigata, Japón. Se especializa en la creación de música new age y ambiental, fusionando elementos tradicionales japoneses con sonidos contemporáneos.

 Himekami comenzó su carrera musical a principios de la década de 1980 y se hizo conocido por su enfoque único en la música ambiental. Sus composiciones suelen estar inspiradas en la naturaleza y los paisajes japoneses, evocando una sensación de calma y serenidad. 

 A lo largo de su carrera, Himekami ha lanzado numerosos álbumes, muchos de los cuales han sido bien recibidos tanto en Japón como en el extranjero. Algunos de sus álbumes más populares incluyen "Himekami" (1982), "Moonwater" (1989) y "Snow Godeess" (1991). 

 Himekami ha utilizado varios instrumentos tradicionales japoneses, como el shakuhachi (flauta de bambú), el koto (arpa japonesa) y el shamisen (instrumento de cuerda), combinados con sintetizadores y sonidos electrónicos para crear una atmósfera única en su música.

  Voyage to Another World es un disco recopilatorio de las mejores canciones de Himekami que compuso para la serie Japonesa de TV Voyage to Another World , el disco cuenta con nueve melodías agradables de escuchar , donde Himekami nos hace  deleitarnos con esas envolventes y etéreas composiciones musicales

Una de las canciones que destaca dentro del álbum es Goddess  of White Mountain

Secret Garden - Nocturne

 

"Secret Garden"  es el nombre de  un dúo musical compuesto por la violinista irlandesa Fionnuala Sherry y el compositor noruego Rolf Løvland. Son conocidos por sus composiciones etéreas y melódicas, que a menudo combinan influencias clásicas y folclóricas con elementos contemporáneos. Fionnuala Sherry nació el 15 de septiembre de 1962 en el condado de Louth, Irlanda. Comenzó a tocar el violín a una edad temprana y desarrolló una profunda pasión por la música. Estudió violín clásico en el College of Music en Dublín y luego siguió una carrera en solitario, actuando con varias orquestas y artistas. 

 Rolf Løvland nació el 19 de abril de 1955 en Kristiansand, Noruega. Mostró talento musical desde temprana edad y comenzó a componer música como adolescente. Løvland estudió en la Academia Noruega de Música en Oslo y ganó reconocimiento como compositor, al ganar el Festival de la Canción de Eurovisión en 1985 con la canción "La det swinge" interpretada por el dúo Bobbysocks. 

 Fionnuala Sherry y Rolf Løvland se conocieron por primera vez en 1994, cuando fueron presentados por un amigo en común. Pronto descubrieron una conexión musical y comenzaron a colaborar en su primer álbum, "Songs from a Secret Garden", que se lanzó en 1995. 

El álbum tuvo un gran éxito, especialmente en Noruega, y fue seguido por varios álbumes más aclamados por la crítica, como "White Stones" (1997) y "Dawn of a New Century" (1999).

 Uno de los logros más destacados de Secret Garden ocurrió en 1995, cuando ganaron el Festival de la Canción de Eurovisión con su composición "Nocturne". Esta hermosa y cautivadora pieza instrumental conquistó los corazones del público en toda Europa y les brindó reconocimiento internacional. 

 A lo largo de los años, Secret Garden siguió lanzando álbumes y realizando giras en todo el mundo, cautivando a su audiencia con su música encantadora y emotiva. Sus composiciones a menudo presentan las melodías hipnóticas del violín de Fionnuala Sherry acompañadas de las intrincadas armonías de piano de Rolf Løvland y elementos orquestales. 

 A lo largo de su carrera, Secret Garden ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su música, incluido el Premio Grammy al Mejor Álbum de New Age en 1997. Su música ha sido utilizada en películas, programas de televisión y comerciales, ampliando aún más su alcance y popularidad. "Songs from a Secret Garden" es en realidad el título del primer  álbum lanzado por el dúo irlandés-noruego Secret Garden en 1995. 

Paul Mounsey -From Ebb To Flood

 

Paul Mounsey: Un viaje musical envolvente con "From Ebb To Flood" y el álbum "Nahoo"

Paul Mounsey es un talentoso músico y productor que ha cautivado a audiencias de todo el mundo con su visión musical única. Su álbum "Nahoo", lanzado en 1994, es una obra maestra que combina una amplia gama de influencias y géneros musicales. Una de las canciones destacadas de este álbum es "From Ebb To Flood". 

 "From Ebb To Flood" es un viaje musical en sí mismo. Con una introducción etérea y enigmática, la canción se despliega gradualmente con capas de sonidos intrincados y texturas sonoras. Mounsey fusiona hábilmente elementos de la música electrónica, el folk, la música tradicional y otros estilos, creando una experiencia auditiva inmersiva. La canción está impregnada de una atmósfera hipnótica y emocional. Las melodías evocadoras y las armonías envolventes nos sumergen en un estado de contemplación y reflexión. 

La instrumentación cuidadosamente elegida, que incluye desde elementos electrónicos hasta instrumentos tradicionales, agrega profundidad y riqueza a la composición. 

Las voces suaves y emotivas de la canción,  a modo de mantra se entrelaza con la música, transmitiendo las letras poéticas y evocadoras de la canción.

 "From Ebb To Flood" habla de la transformación y el flujo constante de la vida, invitándonos a sumergirnos en nuestras propias emociones y experiencias. 

 "Nahoo", el álbum que alberga esta joya musical, es una amalgama de estilos y géneros. Mounsey demuestra su talento como arreglista y productor, creando una fusión arriesgada pero efectiva de elementos musicales diversos. Cada canción es una aventura sonora que lleva al oyente a paisajes musicales fascinantes y únicos. 

 Con "From Ebb To Flood" y "Nahoo", Paul Mounsey ha dejado una huella indeleble en la música contemporánea. Su capacidad para experimentar con sonidos y géneros, y su habilidad para crear composiciones emotivas y envolventes, lo han establecido como un verdadero visionario musical. En resumen, "From Ebb To Flood" es una joya musical dentro del álbum "Nahoo" de Paul Mounsey. Esta canción y su álbum son testimonios de su genialidad como músico y productor. Si buscas un viaje musical cautivador y estimulante, no puedes dejar de explorar la obra de Paul Mounsey y dejarte llevar por la magia de "From Ebb To Flood".

David Lanz - Narada - Summers Child

David Lanz es un pianista y compositor estadounidense conocido por su música instrumental contemporánea. Nació el 28 de junio de 1950 en Seattle, Washington. Lanz comenzó a tocar el piano desde una edad temprana y desarrolló un estilo único que combina elementos de jazz, música clásica y new age. 

 Lanz obtuvo reconocimiento significativo a fines de la década de 1980 con su álbum "Cristofori's Dream", que se convirtió en uno de los álbumes instrumentales más vendidos. El tema principal, inspirado en el inventor del piano, Bartolomeo Cristofori, recibió una amplia aclamación y sigue siendo una de las composiciones más emblemáticas de Lanz. A lo largo de su carrera, David Lanz ha lanzado numerosos álbumes, explorando diferentes temas musicales y colaborando con otros artistas.  La música de Lanz evoca con frecuencia una sensación de introspección, tranquilidad y profundidad emocional. Incorpora la improvisación y un enfoque melódico en sus composiciones, creando una atmósfera relajante y contemplativa.

Narada Music, también conocida como Narada Productions, es un sello discográfico y una compañía de distribución musical que se especializa en géneros como New Age, música instrumental y música del mundo. 

Fue fundada en 1983 por Michael Aczon y Gary Reiner. El nombre del sello proviene del sabio mitológico hindú Narada, quien es venerado como un músico divino y comunicador. Narada Music ganó prominencia en las décadas de 1980 y 1990 al lanzar álbumes de reconocidos artistas en la escena de la música New Age e instrumental. 

Se enfocaron en crear música relajante y reconfortante que incorporaba elementos de diversas culturas alrededor del mundo. El catálogo del sello incluía artistas como David Lanz, David Arkenstone, Jesse Cook, Yanni y muchos otros. 

 La música lanzada por Narada a menudo presenta melodías suaves, paisajes sonoros ambientales y una fusión de instrumentos acústicos y electrónicos. Los artistas del sello frecuentemente incorporan elementos de diferentes tradiciones musicales, como celtas, latinas, nativas americanas y del Medio Oriente, creando un sonido diverso y multicultural. 

 Los álbumes de Narada Music suelen asociarse con la relajación, la meditación y el alivio del estrés. Han sido populares entre los oyentes que buscan música tranquila y calmante, así como aquellos interesados en explorar diferentes tradiciones musicales culturales. Si bien la popularidad de la música New Age ha disminuido un poco en los últimos años, la influencia y el legado de Narada Music continúan resonando dentro del género. Su catálogo de álbumes sigue disponible para aquellos que aprecian su estilo único y sus propuestas musicales.

  Grand Piano es una compilación del año 1997 del sello  Narada . Alcanzó el puesto número 10 en las listas de álbumes Top New Age de Billboard en el mismo año. 

El piano ha sido uno de los instrumentos más recurrentes en la historia de Narada ningún otro instrumento representa mejor el espíritu de Narada , por lo cual no tuvo más remedio que hacer un homenaje a este instrumento con un disco doble editado en 1997 con lo más granado del sello discográfico , lleno de enorme talento

La canción Summer´s Child es una canción de David Lanz que lanzo en su exitoso disco Cristoforis Dream , el sello Narada la seleccionó para su recopilatorio Grand Piano , en este tema David nos vuelve a demostrar su destreza con la composición creando una hermosa composición llena de belleza

 

Hans Zimmer - Now We Are Free

 

Hans Zimmer es un reconocido compositor de música de cine y productor discográfico alemán. Nació el 12 de septiembre de 1957 en Frankfurt, Alemania. 

Zimmer es ampliamente considerado como uno de los compositores más influyentes e innovadores en la industria cinematográfica.

 Zimmer comenzó su carrera musical a fines de la década de 1970 como tecladista y sintetizador en varias bandas. Ganó reconocimiento por su trabajo como compositor en la década de 1980, especialmente por su colaboración con el cineasta Ridley Scott en la película "Rain Man" en 1988. 

Esto marcó el comienzo de una larga y exitosa carrera en la composición de bandas sonoras. A lo largo de su carrera, Hans Zimmer ha compuesto música para numerosas películas aclamadas por la crítica y exitosas comercialmente. Algunos de sus trabajos destacados incluyen "El Rey León", "Gladiador", la serie "Piratas del Caribe", la trilogía "El Caballero de la Noche", "Origen", "Interstellar" y "Dunkerque", entre muchas otras. 

Sus bandas sonoras a menudo presentan una mezcla distintiva de elementos orquestales y electrónicos, creando paisajes sonoros poderosos y memorables.

 "Now We Are Free" es una canción de la banda sonora de la película "Gladiador" (2000), dirigida por Ridley Scott. 

Zimmer compuso la música para la película, lo cual le valió un Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original.

"Now We Are Free"  es la canción más reconocible de Hans Zimmer es la canción que ha pasado al colectivo imaginario ya que todo el mundo la reconoce como una de las canciones más emotivas del cine ,  la canción es perfecta , la colaboración entre Zimmer y la voz de Lisa Gerrard, hacen que esta melodía alcance un clímax especial haciendo que aumente la intensidad emocional de la película.

Peter Kater - Soul Story

 

Peter Kater es un reconocido pianista y compositor de origen alemán nacido el 18 de enero de 1958 en Alemania. Es conocido por su música instrumental, en la que fusiona elementos de música new age, jazz y música clásica. 

 Desde muy joven, Kater mostró un gran interés y talento por la música. Comenzó a tocar el piano a la edad de siete años y rápidamente demostró su habilidad para improvisar y componer. A los dieciocho años, se trasladó a Boulder, Colorado, en los Estados Unidos, donde comenzó su carrera musical.

 En la década de 1980, Peter Kater lanzó su primer álbum, titulado "Spirit", que fue el comienzo de una prolífica carrera discográfica. Su estilo musical se caracteriza por melodías emotivas y evocadoras, armonías sutiles y una habilidad notable para transmitir una amplia gama de emociones a través de su música.

 A lo largo de los años, Peter Kater ha lanzado numerosos álbumes que han obtenido reconocimiento y éxito. Algunos de sus trabajos más destacados incluyen "Migration" (1983), "Essence" (1992), "Nest" (1995), "Red Moon" (2003) y "Dancing on Water" (2017). 

Sus composiciones han sido nominadas y han ganado varios premios, incluidos los premios Grammy. La música de Peter Kater ha sido descrita como relajante,  y transformadora. Sus composiciones a menudo se inspiran en la naturaleza, la espiritualidad y la conexión humana. Ha colaborado con una amplia gama de artistas, incluidos músicos, cantantes y poetas, y ha explorado diversos géneros y estilos a lo largo de su carrera. 

 Además de su trabajo en solitario, Peter Kater ha compuesto música para películas y documentales, y ha realizado conciertos y presentaciones en vivo en todo el mundo. Su habilidad como pianista y su capacidad para transmitir emociones a través de su música lo han convertido en una figura respetada en la escena de la música new age y ambiental. 

 Con su talento y dedicación a la música, Peter Kater ha dejado una marca perdurable en la industria musical. Su legado incluye una extensa discografía de hermosas composiciones que han tocado los corazones de muchas personas y han brindado momentos de calma, inspiración y contemplación.

En este último disco Soul Story Improvisations  de Peter Kater  nos cuenta como le viene la inspiración , hace poco tiempo empezó a hacer canciones personalizadas para personas en concreto

Kater llama a su técnica Piano Readings , que son piezas de música improvisadas e inspiradas y tocadas para personas que yacen al lado de su piano mientras él toca

Acerca de la técnica de lectura del piano, Kater dice: “En ambientes íntimos a lo largo de los años, he notado que me sentía obligado a tocar de manera diferente dependiendo de para quién tocaba. 

Curioso, comencé a invitar a la gente, una a la vez, a tumbarse debajo del piano mientras yo improvisaba solo para ellos. Intrigado, exploré más y comencé a sentarme y conversar con personas antes de tocar para ellos y noté que mientras escuchaba sus historias de vida escuchaba melodías y segmentos de música en mi cabeza. Esto se convirtió en lo que ahora llamo Lecturas de piano ”.

La canción principal Soul Story  presenta una cascada de emociones. el cadencioso y susurrante piano de Kater nos hace adentrarnos en una cascada de sensaciones , que nos hace ver lo grande que puede llegar a ser la música