Andreas Vollenweider - Polyhymina

 

Andreas Vollenweider (Zúrich, Suiza - 4 de octubre de 1953) es un músico cuya obra está considerada dentro de los siguientes géneros: world music, jazz, new age o incluso música clásica. Dos de sus álbumes alcanzaron el número uno simultáneamente en las categorías de clásica, jazz y pop durante varias semanas. Su principal instrumento es el arpa eléctricamente modificada con un diseño propio, pero también toca otros instrumentos. Sus composiciones y música son principalmente instrumentales.​​ Políticamente, Andreas Vollenweider se declara un convencido pacifista, seguidor de los principios de la "no violencia"

Andreas Vollenweider  edito en Octubre de 2020 su disco Quiet Places  el titulo del disco ya nos da pistas sobrelo que vamos a encontrar dentro de el , música para momentos preciosos y tranquilos

Andreas esta vez se hace acompañar al violonchelo por la joven Isabel Gehweiler 

En el disco nos encontramos con 10 improvisaciones tematicas intimas conmovedoras ,personales y muy cercanas

Andreas toca su arpa y aquí y allá el piano, la joven violonchelista Isabel Gehweiler se desliza "bajo nuestra piel" con su interpretación inquietante, conmovedora y vibrante y, de vez en cuando, Walter Keizer se une con tambores de filigrana. 

 Quiet Places es un regalo musical para momentos preciosos y tranquilos, para los sentimientos más sutiles, una fuente de fuerza para el viaje salvaje en el mundo tan ajetreado que vivimos

"Polyhymina" es un término que combina "Polyhymnia", musa griega de la música, con "himen", un antiguo canto nupcial. La canción comienza con suaves arpegios de arpa que crean una atmósfera mágica y etérea. A medida que la canción avanza, Vollenweider incorpora capas de instrumentación, fusionando su arpa con la  percusión , el Violoncello y texturas electrónicas, para construir una experiencia musical envolvente. La composición de "Polyhymina" transmite una sensación de serenidad y un estado de meditación musical. La interacción entre los instrumentos de viento, las cuerdas y los elementos electrónicos crea una fusión de sonidos contemporáneos y tradicionales, transportando al oyente a un mundo sonoro único y evocador.

Valentina Lisitsa- Philip Glass - Metamorphosis Two

 

La música tiene el poder de desencadenar una variedad de emociones en nosotros, y pocas piezas logran capturar la esencia de la transformación emocional como "Metamorphosis Two" de Philip Glass.

 Esta cautivadora composición minimalista es una experiencia auditiva que invita a la reflexión y a la contemplación. Cuando se combina con la interpretación magistral de la talentosa pianista Valentina Lisitsa, la música adquiere una nueva dimensión.

 "Metamorphosis Two" es parte de una serie de composiciones de Philip Glass, lanzada en 1988. Esta pieza, en particular, se destaca por su estructura minimalista y repetitiva, una característica distintiva del estilo musical de Glass. 

"Metamorphosis Two" es un viaje emocional que se desarrolla lentamente a medida que la música se va transformando y evolucionando. Valentina Lisitsa, reconocida por su virtuosismo y su habilidad para transmitir emociones a través de las teclas del piano, ha llevado a cabo una interpretación excepcional de "Metamorphosis Two". Su dominio técnico y su sensibilidad artística se combinan para dar vida a cada nota y cada transición de la pieza.

 Lisitsa logra capturar la esencia de la transformación emocional que Glass buscaba transmitir en su composición. 

 A medida que "Metamorphosis Two" avanza, la interpretación de Lisitsa se vuelve más intensa y apasionada. La delicadeza de los momentos iniciales se transforma en una expresión ferviente y poderosa a medida que la música se desarrolla.

. La interpretación de Lisitsa no solo resalta la evolución emocional de la pieza, sino que también revela la maestría compositiva de Glass. Cada repetición y variación sutil adquiere un significado más profundo bajo los dedos de Lisitsa, permitiendo a los oyentes apreciar la complejidad y la belleza de la música minimalista de Glass. 

Back to Earth - From Inside Yourself

 

Thomas Hasler y Bruno Hasler son músicos y compositores originarios de Liechtenstein. Han estado activos en la escena musical desde la década de 1980. Juntos, formaron la banda Back to Earth, que se especializa en música ambiental, new age y música relajante.

 La música de Back to Earth se caracteriza por su enfoque tranquilo y atmosférico, combinando melodías suaves y armonías relajantes. Han lanzado varios álbumes a lo largo de los años, y su estilo musical ha cautivado a oyentes de todo el mundo. A lo largo de su carrera, los hermanos Hasler han colaborado con otros artistas y han recibido reconocimiento en el género de la música new age.

 Su enfoque musical sereno y su habilidad para crear paisajes sonoros evocadores han ganado admiración y seguidores en la comunidad musical. A lo largo de su carrera, los hermanos Hasler han lanzado varios álbumes que han sido bien recibidos por la crítica y han ganado popularidad en el género de la música new age. Algunos de sus álbumes más destacados incluyen "Collection", "Mystic Ways", "Celestial Ocean" y "River of Joy", entre otros.

En este año 2023 Back to Earth han editado un mini disco titulado From Inside Yourself son tres canciones nada más , mas bien dos puesto que una de ellas es la misma solo que en un formato Extended es decir de más duración 

La canción a la que nos referimos es la que da titulo al disco From Inside Yourself , la canción como todas las de Back to Earth esta basada en una melodía cálida y relajante donde el piano es el protagonista haciéndose acompañar por la guitarra en algunos momentos , creando un ambiente amable y evocador

Francesco Digilio - Tears in Heaven

 

Francesco Digilio es un pianista de jazz e instrumental italiano contemporáneo con un estilo agradable y sofisticado, Francesco Digilio durante más de 30 años en la escena musical ha compuesto más de 100 álbumes de diferentes tipos de géneros, especialmente Smooth Jazz, Chill y Soundtrack

Este talentoso pianista nació en Corato (Bari, Puglia) en 1970. Interesado en la música desde muy joven, comenzó a tocar el piano a la edad de 7 años y después de terminar sus estudios comenzó a trabajar con una estación de televisión local durante diez años en su patria. Se trasladó a Roma en 1999 donde ha reforzado su carrera artística incluso especializándose en composición musical para cine, bajo el ala de Stelvio Cipriani.

 "En cada nota que toca el piano, Francesco Digilio teje una melodía que nos transporta a un lugar donde los sentimientos se entrelazan y las emociones fluyen libremente. Hoy, nos reunimos en torno a su piano para experimentar una interpretación única de una canción que ha tocado los corazones de tantos: "Tears in Heaven". Esta canción, escrita por el legendario Eric Clapton, es un testimonio de dolor y esperanza, una mirada profunda al alma y a los momentos difíciles que la vida puede presentar. A través de las teclas del piano, Francesco encuentra una manera de capturar toda la intensidad y la belleza de esta pieza, trascendiendo las palabras y comunicándose directamente con nuestras emociones más profundas. 

 "Tears in Heaven" nos recuerda la fragilidad de la existencia y la eterna pregunta que nos hacemos en momentos de pérdida. Pero también nos ofrece una pizca de consuelo, una luz en la oscuridad, al recordarnos que nuestros seres queridos nunca nos abandonan del todo, sino que viven en nuestros corazones y recuerdos. 

 Francesco Digilio, con su habilidad única para transmitir sentimientos a través de las teclas, nos invita a un viaje emocional mientras nos sumergimos en los acordes suaves y la fluidez de su interpretación de "Tears in Heaven". Sus manos dan vida a cada nota, creando un ambiente de introspección y reflexión.

 Francesco Digilio, con su talento excepcional, nos recuerda que el arte trasciende las barreras y nos conecta a un nivel más profundo. Gracias, Francesco, por regalarnos esta interpretación conmovedora de "Tears in Heaven".

 

Sara Brightman - This Love

 

Sarah Brightman es una cantante, actriz y bailarina británica reconocida por su impresionante rango vocal y su versatilidad artística. Su carrera se ha extendido por décadas, y su música ha cautivado a millones de personas en todo el mundo. 

 Sarah Brightman nació el 14 de agosto de 1960 en Berkhamsted, Hertfordshire, Inglaterra. Desde muy joven, mostró un talento innato para el canto y el baile. Comenzó su carrera en el teatro musical, donde interpretó roles destacados en producciones como "Cats" y "The Phantom of the Opera". Su poderosa voz y su presencia en el escenario la convirtieron en una estrella emergente en el mundo del espectáculo. 

 A medida que su fama crecía, Sarah Brightman comenzó a embarcarse en una carrera musical en solitario. Se aventuró en diversos géneros, desde el pop hasta la música clásica y el crossover operístico. 

Su álbum "Timeless" lanzado en 1997, se convirtió en un éxito internacional y la estableció como una de las voces más destacadas de la música contemporánea.

A lo largo de su carrera, Sarah Brightman ha colaborado con una variedad de artistas de renombre mundial, incluyendo a Andrea Bocelli, José Carreras y Plácido Domingo. Sus duetos y colaboraciones han sido aclamados por su belleza y emotividad, y han llevado su música a audiencias aún más amplias.

 "This Love" es una hermosa canción interpretada por Sarah Brightman. Lanzada en el año 2000 para su disco La Luna , la canción captura la esencia del amor y la pasión a través de su melodía emotiva y la sensual voz de Brightman. 

"This Love" se ha convertido en un favorito de los fanáticos y ha conmovido a oyentes de todo el mundo con su mensaje universal de amor y conexión humana.

 A lo largo de su carrera, Sarah Brightman ha vendido millones de álbumes en todo el mundo y ha recibido numerosos premios y reconocimientos. Su legado musical se extiende más allá de su voz y su música, ya que también es conocida por su dedicación a causas humanitarias y su apoyo a organizaciones benéficas.

Clannad - I WIll Find You

Clannad es una banda irlandesa de folk y música celta que ha cautivado a audiencias de todo el mundo con su distintivo sonido y emotivas composiciones. A lo largo de su carrera, han dejado una huella imborrable en la escena musical, y una de sus canciones más conocidas es

 Clannad se formó en Gweedore, Condado de Donegal, Irlanda, en 1970. La banda originalmente consistía en los hermanos Brennan: Ciarán, Pól y Máire, junto con sus tíos Noel y Pádraig Duggan. Su música era una mezcla única de influencias celtas y folk, fusionadas con elementos contemporáneos. Desde el principio, se destacaron por sus armonías vocales cautivadoras y la magia de sus composiciones.

 A medida que Clannad ganaba popularidad, comenzaron a recibir reconocimiento a nivel internacional. En la década de 1980, su sonido se expandió y exploraron nuevas direcciones musicales, fusionando elementos electrónicos y pop en su música. 

Esto les permitió llegar a una audiencia más amplia y les valió el reconocimiento mundial.

 "I Will Find You" es una canción icónica de Clannad que se lanzó en el año 1992. Fue escrita e interpretada para la banda sonora de la película "The Last of the Mohicans". 

La canción captura la esencia del espíritu celta y presenta las hermosas voces de Máire Brennan y Pól Brennan. 

"I Will Find You" se ha convertido en un himno para los fanáticos de Clannad y ha dejado una impresión duradera en el panorama musical. A lo largo de su carrera, Clannad ha lanzado numerosos álbumes aclamados por la crítica y ha recibido múltiples premios. Su música ha sido una influencia significativa en el género de la música celta y ha dejado una marca indeleble en la cultura musical irlandesa

  

Kerani - Sands of Time

 

En el vasto mundo de la música New Age , el talento de Kerani brilla con luz propia. Como compositora y pianista, ha cautivado a los oyentes con sus melodías evocadoras y emotivas.

 Kerani , es una talentosa artista de ascendencia Húngara con una pasión innata por la música. Desde temprana edad, mostró un interés por el piano y comenzó a estudiar música clásica. A medida que crecía, su fascinación por la música se expandió a otros géneros, como la música New Age y la música cinematográfica. 

 La carrera de Kerani como compositora y pianista despegó en 2012 con el lanzamiento de su álbum debut, "Arctic Sunrise". Desde entonces, ha cautivado a los oyentes con su estilo distintivo y su habilidad para crear paisajes sonoros envolventes. Su música se caracteriza por melodías ricas en emociones y una narrativa musical que transporta a los oyentes a diferentes épocas y lugares. 

Dentro de su aclamado álbum "Sands of Time", la canción homónima es un verdadero tesoro musical. "Sands of Time" comienza con suaves acordes de piano que evocan una sensación de calma y misterio. A medida que la melodía se desarrolla, las capas se van sumando, creando una atmósfera etérea y ensoñadora. 

 La composición de "Sands of Time" refleja la maestría de Kerani para contar una historia musicalmente. La canción se mueve a través de diferentes secciones, cada una de ellas revelando una nueva dimensión de la narrativa. Desde pasajes introspectivos y melódicos hasta momentos de intensidad y emoción, la canción transmite un sentido de viaje y exploración a lo largo del tiempo.

 La habilidad de Kerani para crear imágenes sonoras es notable en "Sands of Time". La música parece pintar paisajes cambiantes, desde desiertos áridos hasta antiguos templos sumergidos en el océano del tiempo. Los momentos de calma se entrelazan con la emoción y la pasión, creando una experiencia auditiva rica y cautivadora. Con su melodía envolvente y su ejecución virtuosa en el piano, "Sands of Time" muestra el talento y la visión artística de Kerani en todo su esplendor.

"Áine Minogue - In the Name of Stillness

 

En el vasto mundo de la música  celta, hay canciones que nos transportan a estados de paz y tranquilidad. Una de estas melodías es "In the Name of Stillness" de Áine Minogue. 

Con su estilo minimalista y su profundo sentido de calma, esta canción ha cautivado a oyentes de todo el mundo

 "In the Name of Stillness" es una composición que resuena con elementos celtas distintivos. Áine Minogue, una talentosa cantante y arpista irlandesa, infunde su música con la rica herencia musical de su tierra natal. Los tonos y ritmos celtas se entrelazan hábilmente en esta canción, creando una atmósfera mágica que invita a la introspección y la tranquilidad. 

 Una característica notable de "In the Name of Stillness" es su enfoque minimalista. La simplicidad de los arreglos permite que la melodía se destaque, y los delicados acordes del arpa se entrelazan con suaves instrumentos de viento y percusión, creando una sensación de espacio y calma. Esta sutileza sonora nos invita a desconectar del bullicio del mundo exterior y sumergirnos en la serenidad del momento presente. 

 "In the Name of Stillness" nos invita a cerrar los ojos, respirar profundamente y dejarnos llevar por su melodía. A medida que la música nos envuelve, nos transporta a un estado de serenidad y nos invita a explorar nuestro mundo interior, fomentando la relajación y la introspección.

Karl Jenkins - Adiemus

 

Karl Jenkins: el renombrado compositor y músico galés, ha dejado una huella perdurable en el mundo de la música con su estilo único y su enfoque innovador.

 Uno de sus trabajos más destacados es el álbum "Symphonic Adiemus" y su canción homónima, "Adiemus". Lanzada en 1995 en una de sus obras maestras el disco  Adiemus  Songs of Sanctuary.

 "Symphonic Adiemus" disco editado en el año 2017 es una obra maestra que fusiona elementos clásicos y contemporáneos. Este álbum lleva la visión creativa de Jenkins a nuevas alturas, combinando coros poderosos, orquestaciones épicas y ritmos cautivadores. Este album es una interpretación sinfónica de la aclamada serie de obras corales Adiemus 

 La canción "Adiemus" es un claro ejemplo de la destreza artística de Jenkins. Con su letra en un lenguaje ficticio, creado por el propio compositor, la canción se enfoca en las melodías y los arreglos vocales, creando una experiencia auditiva mágica y envolvente.

 "Adiemus" evoca una sensación de misterio y aventura, con coros y voces solistas que se entrelazan en armonía. La melodía es pegadiza y evocadora, transportando al oyente a un mundo imaginario lleno de belleza y exotismo.

Cada pista del disco captura la esencia evocadora de Adiemus pero realzada por la nueva dimensión sinfónica . Las composiciones se caracterizan por sus melodías rítmicas armonías ezquisitas y voces corales que se entralazan con la sinfónica de manera armoniosa y vibrante

 La fusión de estilos musicales en "Symphonic Adiemus" es otro aspecto destacado del álbum. Jenkins incorpora elementos de la música étnica, clásica y contemporánea, creando una mezcla emocionante y ecléctica que atrae a una amplia audiencia.

 El impacto de "Symphonic Adiemus" y la canción "Adiemus" ha sido significativo. Su música ha sido utilizada en anuncios, programas de televisión, películas y eventos deportivos, ganando popularidad a nivel mundial. 

La canción se ha convertido en un himno para aquellos que buscan una experiencia musical estimulante y trascendental. Además, Karl Jenkins ha sido reconocido por su contribución a la música contemporánea. Ha recibido numerosos premios y honores, y su enfoque innovador y su habilidad para romper barreras musicales lo han convertido en un referente en el mundo de la composición.

Víkingur Ólafsson – Philip Glass: Opening from Glassworks

 

En el mundo de la música clásica contemporánea, pocas colaboraciones han sido tan notables y emocionantes como la de Philip Glass y Víkingur Ólafsson en la interpretación de "Glassworks". Esta obra maestra del minimalismo musical ha dejado una huella imborrable en la historia de la música, y la combinación de la genialidad compositiva de Glass y la interpretación virtuosa de Ólafsson ha resultado en una experiencia auditiva verdaderamente cautivadora.

"Glassworks" es una composición icónica del prolífico compositor minimalista Philip Glass, lanzada en 1982. La obra se distingue por su estructura repetitiva y sus patrones hipnóticos, características distintivas del estilo de Glass. 

"Glassworks" ha sido aclamada como una de las composiciones más accesibles y representativas de su carrera, lo que la convierte en una excelente introducción al minimalismo para aquellos que no están familiarizados con este género musical. La versión de "Glassworks" interpretada por el pianista Víkingur Ólafsson es un testimonio de la maestría musical de ambos artistas. 

Ólafsson, reconocido por su técnica impecable y su profunda interpretación musical, logra capturar la esencia de la composición de Glass de una manera excepcional. Su habilidad para transmitir tanto las sutilezas como las emociones más intensas a través de las teclas del piano es extraordinaria. 

 En "Glassworks", la colaboración entre Glass y Ólafsson se convierte en un diálogo entre el compositor y el intérprete. Ólafsson logra una ejecución brillante y precisa, revelando las capas de complejidad y belleza que se encuentran en la composición de Glass. Su interpretación se distingue por su dominio técnico y su capacidad para transmitir la intensidad emocional inherente a la música de Glass. 

 La combinación del minimalismo característico de Glass con la destreza interpretativa de Ólafsson crea una experiencia auditiva envolvente y conmovedora.

 Los ritmos repetitivos y los patrones hipnóticos de la obra cobran vida bajo los dedos de Ólafsson, transportando a los oyentes a un estado de introspección y contemplación.

Wim Mertens - Nuanced

 Wim Mertens el notable músico  belga creador de excelsos temas como  "Maximizing the Audience" , " Struggle for Pleasure ", Close Cover que han pasado a la memoria de la música minimalista moderna editó en 2016 su disco Dust of the Truths 

Dust of the Truths es la  parte final de una trilogía , que luego publicaría junta en un disco bajo el nombre de Cran Aux Oeufs

La primera parte de la trilogía es , Charaktersketch,  donde Wim Mertens se inspiró en Europa central, Bruselas, en el año 2015.

 La segunda parte corresponde a su disco What are we, locks, to do? ( vaya titulo sería curioso analizar los nombres de los discos de Mertens ) este disco es una obra para piano y voz , en este disco Mertens se inspira en la biblioteca de Alejandría 300 a. C. 

Para la parte tercera, Dust of Truths, Wim Mertens se inspira en la batalla naval de Actium, que ocurrió en Grecia en el 31 a. C. Los oponentes aquí fueron el (futuro) emperador Augusto, quien derrotó a los barcos de guerra egipcios de Cleopatra.

 Dust of Truths  cierra la trilogía que tenía pensada Mertens , a diferencia del anterior disco que era para piano y voz , Mertens nos ofrece un disco en su formato Ensemble es decir con acompañamiento de instrumentos de cuerda y viento , lo que hace que enriquezca el poderío sonoro del disco y su riqueza musical

 “Nuanced”  es una canción muy rítmica y llena de matices sonoros. Los fraseos de los clarinetes entrecruzándose, jugando de forma desenfadada sobre la base de piano son magníficos, dignos del Mertens más inspirado , jugueteando constantemente con los instrumentos y los ritmos plenamente minimalistas , Nuanced me parece una de las canciones más atrevidas y brillantes de este último Mertens , que parece rejuvenecer por momentos llegando muy cerca de sus grandes obras

Vangelis - Nocturnal Promenade

 

En el vasto universo de la música electrónica, pocos artistas han logrado capturar la imaginación de los oyentes y transportarlos a mundos mágicos como lo ha hecho Vangelis. Con su disco emblemático "Nocturne", el legendario compositor griego nos invita a sumergirnos en paisajes sonoros nocturnos llenos de misterio y belleza.

 En particular, la cautivadora canción "Nocturnal Promenade" nos guía a través de un paseo musical fascinante. 

 "Nocturne" es un álbum lanzado por Vangelis en 2019, y se ha convertido en uno de los trabajos más reconocidos y aclamados del artista. Con su estilo distintivo y su habilidad para crear paisajes sonoros atmosféricos, Vangelis lleva a los oyentes a un viaje introspectivo y emocional. 

 Una de las joyas ocultas de "Nocturne" es la pista titulada "Nocturnal Promenade".

 Esta canción evoca una sensación de calma y serenidad, transportando a los oyentes a un paseo nocturno por calles silenciosas y enigmáticas. Desde los primeros acordes, se crea una atmósfera mágica que invita a la reflexión y al escapismo.

 La melodía de "Nocturnal Promenade" es delicada y etérea, con sutiles cambios de tonalidad que aportan una sensación de misterio y evolución. Los elementos electrónicos se combinan con sonidos de instrumentos clásicos, creando una fusión única que es característica del estilo de Vangelis. A medida que la canción avanza, se despliegan capas adicionales de sonidos, añadiendo profundidad y riqueza a la composición. Los momentos de crescendo se entrelazan con momentos de tranquilidad, creando una dinámica que mantiene el interés del oyente a lo largo de todo el recorrido.

 "Nocturnal Promenade" es una muestra del genio creativo de Vangelis y su capacidad para crear música que va más allá de las palabras. Es una pieza que invita a la contemplación y que, sin duda, deja una huella duradera en quienes la escuchan.

 

David Arkenstone - Twinklelace Glen

 

David Arkenstone (Chicago, Illinois; 1 de julio de 1952) es un compositor e intérprete estadounidense de música new age. Su música es principalmente instrumental, con vocalizaciones ocasionales. Ha escrito música para videojuegos, televisión y documentales 

Arkenstone es un prolífico músico tiene una capacidad compositiva digna de elogio , cada año saca varios álbumes tanto en solitario como en cooperaciones con otros músicos

El disco al que nos referimos hoy es Fairy Dreams , un disco editado en el año 2019 en el que Arkenstone da rienda suelta a toda su capacidad compositiva para crear mundos mágicos sonoros y trasladarnos a un cuento de hadas

Twinklelace Glen  es la canción que escogemos del disco , un tema lleno de encanto y sensibilidad , donde David mezcla la parte coral con sus bellos y armónicos ritmos llenos de belleza 

 'Twinklelace Glen' es una pieza musical que destaca por su aura de encanto y fantasía. La melodía, interpretada con instrumentos como flautas, cuerdas y teclados, nos envuelve en un ambiente mágico desde los primeros acordes. 

La música de Arkenstone crea una sensación de asombro y maravilla, evocando la imagen de un bosque místico iluminado por destellos de luz. La composición de 'Twinklelace Glen' está llena de detalles encantadores. Los arreglos instrumentales crean una paleta sonora rica, donde cada instrumento se entrelaza armoniosamente para contar una historia musical. 

Las melodías se desarrollan con una delicadeza y una gracia que nos sumergen en la magia del mundo de las hadas. A medida que la pieza avanza, se despliegan pasajes llenos de energía y ritmos vivaces que nos invitan a bailar en medio del bosque encantado. La música de Arkenstone nos transporta a un lugar donde lo sobrenatural se fusiona con la belleza de la naturaleza, creando una experiencia auditiva llena de emociones y maravillas

 

Kim Planert - Fly

 Kim Planert es un compositor alemán de cine y televisión radicado en Los Ángeles .A la edad de 19 años, Planert realizó cuatro viajes a la antigua Yugoslavia durante la Guerra de Bosnia para brindar ayuda humanitaria. Una de las primeras canciones de Planert atravesó la línea del frente hasta el "Bolsillo de Bihać" y se reprodujo en la radio Bihać. Escribió la canción para la gente de la ciudad, que en ese momento estaba rodeada por las fuerzas serbias.

 Planert es un ex paracaidista con 402 saltos que suman más de 17 horas de tiempo de caída libre. Sus saltos con traje de alas incluyen competir en los Campeonatos Nacionales de EE. UU. y volar sobre Panamá, Hawái y Burning Man . Su pasión por los trajes de alas, así como su accidente, son la base de su primer álbum en solitario,

La productora de Kim Planert  es una activa compositora para programas de cadenas de TV y también para documentales y cine siendo uno de los artistas más reconocidos por sus trabajos con la imagen y la música

  "Skylight: Notes from a Logbook" es su disco editado en 2019 su música impresionante enciende e inspira con una expresión personal y profundamente matizada, que abarca una versatilidad emocional que se refleja en todos los ámbitos en la música contemporánea y la composición de la imagen. Desde sintetizadores y diseño de sonido textural-musical hasta una orquesta sinfónica completa, su trabajo innovador abarca desde álbumes en solitario hasta música para cine y televisión y videojuegos. El álbum en solitario de Kim, "Skylight: Notes from a Logbook", se inspira en su pasión por volar como antiguo Wingsuit Skydiver y la recuperación de un accidente que le cambió la vida El galardonado compositor de cine y televisión, Kim Planert (Castle, Missing, Skid Row Marathon) lanza su primer álbum en solitario SKYLIGHT inspirado en su amor por los trajes de alas y el paracaidismo. Una orquesta de mezcla de sonido híbrido espiritual y ambiental con sintetizador, SKYLIGHT son líneas de cuerdas melódicas con algo de  minimalismo y la profundidad emocional de Craig Armstrong y Michael Nyman. Combinado con la programación de sintetizadores de vanguardia de Daft Punk y los pads de sintetizadores épicos a lo Vangelis, SKYLIGHT cierra la brecha entre la canción y la música de cine. 

Fly es una canción que está incluida en el álbum Skylight un disco lleno de calidad y con canciones muy bellas como Fly que nos invita como su nombre dice a volar

Roberto Cacciapaglia - Quarto Tempo - Floating

 

Roberto Cacciapaglia,nacido en (Milán, 1953), es un compositor, pianista y músico italiano. Ha sido protagonista clave en la escena internacional por contar con la música más innovadora, ya que es altamente reconocido por contar con composiciones que fusionan la música electrónica experimental con la música clásica tradicional. 

Él es internacionalmente conocido por sus canciones como la de Oceano, Wild Side, The Future, Endless Time, Lux Libera Nos y Atlantico, ordenadas por popularidad de izquierda a derecha.

 Cacciapaglia, desde los años 70s hasta la actualidad, ha estado investigando los poderes del sonido, lo que lo han llevado a conducir hacia una música más allá de las fronteras expresadas a través de un profundo contacto emocional 

Roberto Cacciapaglia quizás sea uno de esos músicos desconocidos para el gran público , pero es uno  de los artistas que nunca te defraudan lleno de gran talento y sensibilidad para la composición de grandes temas  

 Floating es una canción que esta incluido en su álbum Quarto Tempo editado en el año 2017 , anteriormente también la había editado en su álbum Tree of Life en una versión más corta y con acompañamiento coral

 

Max Richter - The New Four Seasons – Vivaldi Recomposed: Spring 1

 

Max Richter (22 de marzo de 1966, Hamelín, Alemania) es un productor, pianista y compositor alemán de música contemporánea y minimalista, conocido por su vasta producción. Compone y graba su propia música; escribe para teatro, ópera, ballet y cine; produce y colabora en la grabación y presentación de otros artistas.

 Ha grabado siete álbumes en solitario y su música se usa ampliamente tanto  en el cine como en series de televisión.

 Nacido en Alemania y criado en Reino Unido, Max Richter cursó estudios de composición y piano en la Universidad de Edimburgo, en la Real Academia de Música, y, más tarde, con el compositor Luciano Berio en Florencia.[cita requerida] Cuando completó sus estudios, cofundó Piano Circus, un iconoclasta conjunto de música clásica en el que interpretó durante diez años junto a nombres como Arvo Pärt, Brian Eno, Philip Glass, Julia Wolfe y Steve Reich.

Tener la idea de hacer una nueva versión de las cuatro estaciones de Vivaldi , no parece lo mejor que se le pueda ocurrir a alguien pero si además tienes la osadía de hacerlo le podrían tachar a uno de loco, pero el bueno de Max lo hizo y encima le salió bien la jugada pues obtuvo buenas criticas musicales desde los críticos más clásicos 

 Y así, aunque reescribir “Las Cuatro Estaciones” parecía una mala idea, Max Richter sale victorioso del envite: hace suya una obra universal , la trata con respeto pero sin reverencia absoluta, es capaz de reprogramar su mecanismo y hacer que todo suene reconocible pero nuevo, igual pero distinto, familiar pero extraño, como esta Venecia que inspiró la música de Vivaldi, tan distinta hoy a lo que era entonces, pero cautivadora en igual medida

"Recomposed by Max Richter: Vivaldi - The Four Seasons" ,Las Cuatro Estaciones, de Vivaldi, recompuestas por Max Richter. Composición que vio la luz el 31 de agosto, bajo el amparo de Universal Classics and Jazz (Alemania), una división de Universal Music Group y Deutsche Gramophon; posteriormente, en 2019, se realizó una segunda grabación/edición en Rubicon Classics. En la edición de Deutsche Gramophon, los intérpretes fueron la Konzerthaus Kammerorchester Berlin, dirigida por André de Rider, con Daniel Hope como violín solista, que para la ocasión dispuso de un instrumento excepcional: el violín denominado Ex-Lipinski, construido por Giuseppe Guarneri del Gesú, en 1742 (prestado para la ocasión por la familia propietaria del mismo, que prefirió permanecer en el anonimato).

 Para la edición de Rubicon Classics se contó con la Covent Garden Sinfonia (formalmente Orquesta de St. Paul), dirigida por Ben Palmer, y la intervención de Fenella Humpreys como solista, quien utilizaría otro instrumento exclusivo: un violín del círculo de Peter Guarneri, de Venecia, fabricado en 1727.

Según cuenta Max Richter no es una versión , si no que es una reinterpretación y recomposición completa de la extraordinaria obra de Vivaldi , conservando el 75% de su material original mientras que el 25% restante sería la aportación de Richter dándole una visión más minimalista a la obra en cuestión pero siendo muy respetuoso con el espíritu original de la obra  y manteniendo su esencia barroca

 

David Wahler - Peace on Earth

 

A diferencia de los lanzamientos anteriores de David Wahler, Collection (su décimo álbum de estudio) no tiene un solo tema, es, una variedad de impresiones musicales y estados de ánimo, unificados por la forma única del aclamado artista de fusionar sus melodías fluidas y cálidas con el teclado y piano con ritmos sutiles, produciendo música que puede tanto relajar como estimular suavemente. 

El resultado es otra grabación que presenta no solo una maestría musical estelar sino también una excelente calidad de producción. “David Wahler alcanza un nuevo pináculo en su arte de crear paisajes sonoros de música electrónica emocionalmente ricos, serenamente fluidos y suavemente rítmicos que entremezclan elementos musicales de la nueva era del período clásico de finales de los 80 y principios de los 90 con un aspecto más contemporáneo y estado de ánimo.

 La calidad de la producción artística... su calidez e intimidad características son evidentes con cada nota de piano y cada aplicación de textura electrónica, así como su meticulosa atención a los detalles al superponer todos los elementos presentes en cada pista". 

Peace on Earth es una buena muestra del talento de David Wahler , este tema de fondo etéreo y sutil con el que David nos lleva hacia la paz y el relax a través de bellos paisajes sonoros

 

Alasdair Fraser - Paul Machlis - Traditional Gaelic Melody

Alasdair Fraser es uno de los más grandes portadores de la tradición de la música de violín escocesa, un violinista cuya forma de tocar es cálida y expresiva, el dominio de su instrumento y la profunda comprensión de su música nativa como un arte venerable y en constante evolución es una inspiración para generaciones de músicos de ambos lados. del Atlántico.

 Alasdair nació en Clackmannan el 14 de mayo de 1955 y comenzó a tomar lecciones de violín clásico a la edad de ocho años, soportando muchas burlas y tirones de sus compañeros de escuela en un momento en que llevar un estuche de violín se consideraba lejos de ser genial.

 Sin inmutarse, perseveró y encontró un amor y una aptitud natural por el violín que aplicó a la música escocesa que escuchaba en casa: su difunto padre, Bob, y su hermano, Iain, eran músicos. 

Como un violinista igualmente capaz de tocar inquietantes aires gaélicos y melodías de baile ruidosas e improvisar infinitas variaciones sobre temas tradicionales, Alasdair ha trabajado en una variedad de asociaciones exitosas, incluidos sus dúos con el pianista Paul Machlis y el guitarrista Tony McManus y su aclamada banda Skyedance. 

También ha sido invitado con The Chieftains, The Waterboys, Itzhak Perlman y Los Angeles Master Chorale,su música apareció en bandas sonoras de películas, como The Last of the Mohicans y Titanic. 

 Desde 2003, Alasdair ha aparecido en un dúo con la violonchelista Natalie Haas, restaurando la asociación de violín pequeño y violín grande que floreció en la Escocia del siglo XVIII En 1996

 El primer disco formado por Alasdair Fraser y Paul Machlis  fue en 1985 , el disco se llamaba Skydance y tuvo un gran éxito , tras la gran acogida del disco grabaron otro más llamado The Road North , parecía difícil alcanzar la notoriedad del anterior trabajo pero lo consiguieron creando uno de los mejores discos de su carrera , tras este gran trabajo unos años más adelante acordaron unirse como grupo bajo el nombre de Skydance

Traditional Gaelic Melody es una bellísima  canción tradicional ejecutada desde el principio por Paul Machlis al piano con el único soporte del bajo hasta la entrada del violín de Alasdair que  aporta la magia necesaria para convertir una gran canción en algo sublime

George Winston ~ Cloudy This Morning

 

George Winston (Míchigan, Estados Unidos, 1949) es un pianista estadounidense autodefinido como "pianista rural folk".​ Nació en Míchigan y creció en Miles City (Montana) completando su formación en Misisipi y Florida.

Muchas de sus obras evocan la esencia de las estaciones y recrean paisajes naturales. 

Winston es definido como un compositor de música neo-clásica en cuyas actuaciones interpreta el piano, la armónica o la guitarra. Es conocido por incursionar en la música new age, el jazz y la música contemporánea.

Sus álbumes impresionistas de piano solo llegaron a definir el sonido de Windham Hill y está entre los primeros músicos en los que la mayoría de la gente piensa cuando dices New Age, para su disgusto. Elogiado con reseñas de cinco y cuatro estrellas de Downbeat y Rolling Stone por su álbum debut, Autumn , en 1980, 

Winston tomó el lirismo y el estado de ánimo que hizo de Keith Jarrett's tan popular y los refinó en lo que él llamó "piano folklórico" en su primer álbum de Windham Hill.  pianistas solistas hay muchos, pero ninguno de ellos ha logrado el matrimonio casi trascendente de melodía y atmósfera de George Winston. 

 Winston es un artista ecléctico que cita como influencias a The Doors y Tangerine Dream , Fats Waller y John Coltrane , Philip Aaberg y Steve Reich . Ocasionalmente sale y rinde tributo a estos artistas, haciendo álbumes completos de composiciones de Vince Guaraldi , por ejemplo. 

Con una excepción, tiene menos éxito tocando su música, lo que a menudo revela sus propias limitaciones como pianista. Las limitaciones no tienen nada de malo, todo el mundo las tiene. Pero cuando juega dentro de esas limitaciones, George Winston se sale del área.

Forest es un disco editado en 1994 por George Winston.  en Forest , George destapa todas sus esencias y riega a esta obra maestra con todo su lirismo en cada nota de piano para crear el tema que nos ocupamos hoy "Cloudy This Morning" pero podríamos destacar varios temas del disco como “Graceful Ghost” ,  o"Tamarack Pines" donde Winston demuestra sus rasgos más minimalistas

 

Steve Howe - Cantata No.140 (Wachet Auf)

el reconocido guitarrista británico Steve Howe saca en el año  2011  su disco Time, un disco instrumental fresco que une lo clásico, el jazz y el country. Time es una colaboración entre Steve Howe, más conocido como el guitarrista de Yes y Asia, y el productor Paul K. Joyce, quien ha trabajado para el cine y la televisión. 

El primer contacto con Steve Howe con Paul fue en el año 2007 después de leer una entrevista de él y éste le sugirió las posibilidad de trabajar juntos en un proyecto orquestal, a partir de canciones que Steve había acumulado durante los últimos años, incluyendo parte del material con que había trabajado con su amigo Paul Sutin, con quien había lanzado dos álbumes el 1995. 

Time incluye varias obras originales de Howe, así como canciones de Paul y el hijo de Steve, Virgil Howe y otras piezas más convencional del repertorio clásico de Bach, Villa-Lobos y Vivaldi.»

Como ya es característico en su trabajo, destaca el talento instrumental de Steve Howe en las guitarras tanto eléctricas como acústicas y su confluencia de múltiples estilos, como el flamenco, el barroco, el blues, el folk y el jazz, además de la inclusión de una orquesta de cámara. 

 Time es un Álbum sobrio, clásico un de corte pastoral, un tanto alejado de las texturas más pesadas del progresivo, sin embargo, igualmente interesante, entretenido y variado. Que bien podría ser la perfecta banda sonora para cualquier película de cine arte o de corte biográfica, gracias a su exquisita factura y diversidad al mismo tiempo en su habilidad de provocar en el oyente todo tipo de paisajes y situaciones por medio de la música y imaginación del oyente. 

 

Alasdair Fraser - Theme for Scotland

 

Alasdair Fraser es uno de los más grandes portadores de la tradición de la música de violín escocesa, un violinista cuya forma de tocar es cálida y expresiva, el dominio de su instrumento y la profunda comprensión de su música nativa como un arte venerable y en constante evolución es una inspiración para generaciones de músicos de ambos lados. del Atlántico.

 Alasdair nació en Clackmannan el 14 de mayo de 1955 y comenzó a tomar lecciones de violín clásico a la edad de ocho años, soportando muchas burlas y tirones de sus compañeros de escuela en un momento en que llevar un estuche de violín se consideraba lejos de ser genial.

 Sin inmutarse, perseveró y encontró un amor y una aptitud natural por el violín que aplicó a la música escocesa que escuchaba en casa: su difunto padre, Bob, y su hermano, Iain, eran músicos. Como un violinista igualmente capaz de tocar inquietantes aires gaélicos y melodías de baile ruidosas e improvisar infinitas variaciones sobre temas tradicionales, Alasdair ha trabajado en una variedad de asociaciones exitosas, incluidos sus dúos con el pianista Paul Machlis y el guitarrista Tony McManus y su aclamada banda Skyedance. 

También ha sido invitado con The Chieftains, The Waterboys, Itzhak Perlman y Los Angeles Master Chorale,su música apareció en bandas sonoras de películas, como The Last of the Mohicans y Titanic. 

 Desde 2003, Alasdair ha aparecido en un dúo con la violonchelista Natalie Haas, restaurando la asociación de violín pequeño y violín grande que floreció en la Escocia del siglo XVIII En 1996

 Alasdair graba su disco Dawn Dance  en 1996 que tuvo una buena acogida por el publico , tras este gran éxito Fraser forma el grupo Skydance junto al pianista Paul Machlis con el que había sacado anteriormente en el año 1985 otro disco titulado The Road North en el que también hay grandes temas que veremos otro día 

 Theme for Scotland es una preciosa y emotiva canción dedicada como bien dice su nombre a su amada Escocia , una bella canción arraigada en las más profundas raíces celtas , donde Alasdair te hace casi llorar y sentir los lamentos de su violín