Kevin Burke - The Very Best of Celtic Christmas - On A Cold Winters Day - Christmas Eve

 

         

 Mis primeros comienzos en el mundo de la música New Age fueron gracias a aquellos discos iniciales del sello Windham Hill. Recuerdo con cariño las recopilaciones de canciones de sus mejores músicos que solían lanzar.

 Una de mis favoritas era la serie "Celtic Christmas", una compilación que, sin duda, capturaba la esencia de la temporada navideña con un toque celta único. Uno de los músicos que más me impactó en estas recopilaciones fue Kevin Burke.

 Burke es un violinista excepcional, conocido por su habilidad para fusionar la música tradicional irlandesa con estilos contemporáneos. Su virtuosismo y pasión por la música celta lo han llevado a ser una figura prominente en este género.

 Kevin Burke nació en Londres en 1950, en el seno de una familia irlandesa. Desde muy joven, mostró un talento natural para el violín, y su amor por la música tradicional irlandesa lo llevó a convertirse en un maestro del instrumento.

 Burke ha sido miembro de varias agrupaciones influyentes, como The Bothy Band y colaboro con el musico  Mícheál Ó Domhnaill entre otros muchos  . Su estilo es conocido por su fluidez, su emotividad y su habilidad para contar historias a través de su violín. 

 Una de las canciones que más me conmovió fue "On a Cold Winter’s Day / Christmas Eve", que apareció en uno de los volúmenes de "Celtic Christmas". Esta hermosa pieza, incluida en el disco , combina la magia de la Navidad con la tradición de la música celta. La canción se divide en dos partes una parte inicial más suave con notas un tanto melancólicas y la parte final más alegre ,  las suaves notas del violín de Kevin Burke se mezclan a la perfección con la guitarra de Mícheál Ó Domhnaill, creando una atmósfera serena y contemplativa. La melodía evoca la paz de un día frío de invierno, mientras que la progresión musical sugiere una creciente expectativa por la llegada de la Nochebuena.

Total Recall • Main Theme • Jerry Goldsmith

 

Nacido en Los Ángeles en 1929, Goldsmith comenzó a estudiar música a temprana edad. Tras graduarse de la Universidad de la Ciudad de Los Ángeles (UCLA), inició su carrera componiendo para la radio y la televisión en la década de 1950. Su salto a la fama en el cine llegó en la década de 1960 con películas como "Planeta prohibido" (1956) y "El planeta de los simios" (1968). 

Goldsmith tenía una habilidad única para crear música que capturaba la grandiosidad, el misterio y la tensión de las películas de ciencia ficción. Utilizaba una amplia variedad de instrumentos y técnicas, desde la orquesta sinfónica tradicional hasta sintetizadores electrónicos, para crear atmósferas sonoras únicas e innovadoras. 

 Su trabajo en películas como "Alien" (1979), "Star Trek: La película" (1979), "Poltergeist" (1982) y "Blade Runner" (1982) se convirtió en parte integral de la experiencia cinematográfica. Estas bandas sonoras no solo acompañan la acción en pantalla, sino que también la impulsan, creando emociones y tensiones memorables para el espectador.

 "Total Recall" es una película de ciencia ficción de 1990 dirigida por Paul Verhoeven y protagonizada por Arnold Schwarzenegger. Basada en el relato corto "We Can Remember It for You Wholesale" de Philip K. Dick, la película narra la historia de Douglas Quaid, un obrero atormentado por sueños de viajar a Marte. 

Cuando decide someterse a un tratamiento de implantación de memoria para vivir esa experiencia virtualmente, su vida se convierte en una vertiginosa mezcla de realidad y fantasía. 

"Total Recall" es una película trepidante, llena de acción y suspense. La banda sonora de Jerry Goldsmith refleja perfectamente ese ritmo frenético. La música combina momentos de calma intrigante con explosiones de acción orquestal, creando una atmósfera tensa y misteriosa que envuelve al espectador en el mundo de Quaid.

El tema principal de "Total Recall" es una pieza musical memorable que captura la esencia de la película. La melodía, interpretada con instrumentos de viento y percusión, evoca una sensación de aventura, incertidumbre y viaje hacia lo desconocido. La música se transforma a lo largo de la película, adaptándose a los diferentes giros de la trama. Sin embargo, el tema principal siempre está presente, sirviendo como un hilo conductor que une las distintas piezas sonoras y refuerza la identidad de la película.

 

Ennio Morricone - The Ecstasy of Gold

 

Nacido en Roma en 1928, Morricone comenzó a estudiar música a temprana edad, dominando instrumentos como la trompeta y el piano. En la década de 1950, comenzó a componer para la radio y la televisión, lo que lo llevó a trabajar en el cine a principios de la década de 1960. Su gran salto a la fama llegó con su colaboración con el director Sergio Leone en la trilogía del spaghetti western: "Por un puñado de dólares" (1964), "Por unos dólares más" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966).

 Las inolvidables melodías de Morricone para estas películas, como la icónica "The Ecstasy of Gold", definieron el sonido del género y lo catapultaron a la fama internacional. A lo largo de su carrera, Morricone trabajó con algunos de los directores más reconocidos del cine, como Bernardo Bertolucci , Giuseppe Tornatore ("Cinema Paradiso", "La leyenda del pianista en el océano"), y Brian De Palma ("Los intocables", "Mission: Impossible").

 Morricone recibió numerosos reconocimientos a lo largo de su carrera, incluyendo un Premio Óscar a la Mejor Banda Sonora Original por "Cinema Paradiso" en 1990. También recibió seis Globos de Oro, dos premios BAFTA y un Grammy. En 2007, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó un Óscar honorífico por su "contribución significativa al arte del cine".

 Morricone falleció en Roma en 2020 a la edad de 91 años, dejando un legado musical inigualable que continúa inspirando a músicos y cineastas de todo el mundo. 

 "The Ecstasy of Gold" es una de las composiciones más famosas de Morricone, y es un himno del spagueti western , reconocida como una de las melodías más emblemáticas de la historia del cine. Su sonido épico y triunfal captura perfectamente la emoción y la tensión de la escena final de "El bueno, el feo y el malo", donde los tres protagonistas se enfrentan en un duelo por un tesoro escondido. Su reconocible melodía sigue cautivando a las audiencias de todo el mundo, consolidando su lugar como una obra maestra de la música cinematográfica.

Kerani - Silent Heart

 

        

 Kerani,  es una destacada compositora y orquestadora holandesa, reconocida por sus paisajes sonoros emotivos y su capacidad para fusionar diferentes estilos musicales. Desde una edad temprana, Kerani mostró un talento innato para la música. 

Comenzó a tocar el piano a una edad temprana y rápidamente desarrolló una pasión por la composición. Después de estudiar música en la Universidad de Groningen, se sumergió en el mundo de la composición y la orquestación, explorando una variedad de géneros y estilos. 

 A lo largo de su carrera, Kerani ha lanzado una impresionante cantidad de música, incluyendo once álbumes y múltiples sencillos. Su música, que combina elementos de música clásica, new age y del mundo, ha sido aclamada por su belleza y su capacidad para evocar emociones profundas en el oyente.

 Kerani lanzó su último disco Silent Haeart este pasado mes de Abril , donde nos vuelve a deslumbrar con 10 nuevas canciones llenas de encanto , para que nos embarquemos en un viaje musical lleno de magia .

 En un mundo lleno de ruido y agitación, las composiciones de Kerani sirven como oasis de calma. Cada nota de su música es como un bálsamo para el alma, llevándonos a un estado de paz interior en medio del caos.  Con influencias que van desde la música clásica hasta la new age y músicas del mundo, Kerani crea paisajes sonoros que trascienden fronteras culturales. Sus melodías nos transportan a lugares lejanos y nos conectan con lo más profundo de nuestro ser. 

Sería muy difícil de destacar alguna canción especial del disco , ya que  todos los temas mantienen una gran calidad , pero hoy os propongo la canción que da titulo al álbum Silent Heart

Oliver Patrice Weder - OPW - Hercules By The Ocean

     

       

 

Oliver Patrice Weder, es un compositor originario del pequeño pueblo de Lucerna, al pie de los Alpes en Suiza, ha forjado su carrera a través de extensos viajes por África, América del Norte y del Sur, así como por su estilo de vida nómada, estableciendo hogar en varios lugares de Europa. Ha concentrado estas experiencias en una predilección por la música vibrante y conmovedora que publica como artista en solitario bajo Moderna Records.

Weder escribe regularmente para imágenes, incluyendo televisión, películas y tráilers, y también ha aprovechado oportunidades en el mundo de la tecnología musical, estableciéndose como compositor principal para el gigante del muestreo Spitfire Audio. En 2023 fundó el colectivo de compositores y estudio de producción musical Smokestack Music.

Hoy os traigo el primer tema en este blog de este músico , una canción llamada Hercules By The Ocean de su disco OPW del año 2019 una canción sencilla , intimista de corte minimalista muy agradable de escuchar

 

Guido Negraszus - "Forgotten Jewels (2008-2016)" - Ocean Of Love

 

      

 Guido Negraszus (nacido el 22 de abril de 1966 en Vennikel, Alemania Occidental) es un compositor, pianista y tecladista germano-australiano. Además, es ingeniero de audio y Tonmeister, título que obtuvo en el prestigioso SAE Institute en Sídney, Australia. En 2001, Guido y su esposa Serene se mudaron permanentemente a Australia Occidental. Durante más de 30 años y con más de 30 álbumes lanzados, Guido Negraszus ha mantenido un flujo constante de nueva música que explora los límites de géneros como New Age, Chill-out, Worldbeat, Música Ambiental y, más recientemente, en la música de trailers (bajo los seudónimos de Akela Sun y Triple7music). 

Aunque se siente cómodo trabajando en diferentes géneros, como la Electrónica, la Meditación y la Música del Mundo, su género principal es el New Age: música que promueve un estilo tranquilo y relajante, con hermosas melodías, usualmente provenientes del piano, enriquecidas con teclados, guitarras, percusión y cuerdas. 

"Forgotten Jewels  (2008-2016)" presenta una recopilación de trece pistas que había compuesto hace tiempo y se habían quedado en el baúl de los recuerdos . El compositor explica el lanzamiento tardío de la siguiente manera: "A veces produces una gran pieza de música pero de alguna manera no puedes terminarla como quieres. Así que la pones en pausa con la idea de volver en una fecha posterior, con ideas frescas para completarla entonces. ¿Adivina qué? La mayoría de las veces, olvidas estas pistas. Los años pasan y luego, de repente, las redescubres por casualidad. Esto es lo que pasó aquí. Durante la 'limpieza de la casa' (revisando mis viejos discos duros) en septiembre de 2023, me sorprendió encontrar todas estas pistas. Algunas pistas estaban listas para salir solo necesitaban ser remasterizadas, mientras que otras necesitaban ser mejoradas con arreglos adicionales. Estoy realmente feliz con el resultado. Considerando que las pistas fueron grabadas con ocho años de diferencia, el álbum suena como si hubiera sido grabado y mezclado en una sola sesión de producción. En general, el álbum presenta una variedad de electrónica, ambient y downtempo de diversos géneros. ¡Espero que lo disfruten tanto como yo!"

Escogemos del disco la canción Ocean Of Love una canción que se mueve dentro del Chill Out que con tanta elegancia hace Guido Negraszus

Wim Mertens - Series Of Hands - "Navigare Necesse Est"

 

 

 Wim Mertens es un compositor y músico belga conocido por su obra innovadora y multifacética. Su álbum "Series of Hands", lanzado en 2011, es un testimonio de su habilidad para crear paisajes sonoros ricos en emoción y profundidad. Una de las piezas destacadas de este álbum es "Navigare Necesse Est", una composición que cautiva con su belleza y su complejidad.

 Wim Mertens, el compositor y pianista belga, ha sido una figura destacada en el panorama de la música contemporánea desde los años ochenta. A menudo asociado con la corriente minimalista junto con otros grandes como Philip Glass, Steve Reich y Michael Nyman, 

La obra de Wim Mertens está influenciada por una amplia gama de estilos musicales, desde el minimalismo y la música clásica hasta el jazz . Sin embargo, Mertens ha desarrollado un estilo único y personal que lo diferencia de otros compositores. Su música es a menudo descrita como "cinematográfica", ya que evoca imágenes y emociones vívidas en el oyente.

 Su doble disco Series Of Hands ,  ha pasado quizás desapercibido en comparación con el impacto que debería haber tenido ya que en el disco hay canciones como para que esten en lo mejor de su repertorio como la canción "Navigare Necesse Est"o como la canción que inicia el álbum The Great Outdoors  sin olvidarnos de la maravillosa In Zones  . 

En este trabajo, Mertens muestra una habilidad magistral para encontrar el equilibrio perfecto entre la experimentación y la melodía, creando piezas breves pero intensas que se destacan por su variedad y riqueza. 

 Lo que hace que este disco sea tan excepcional es la forma en que Mertens utiliza la instrumentación, con una amplia gama de músicos que van desde clavecines hasta instrumentos de cuerda y viento. Esta diversidad instrumental se combina con la voz única de Mertens, que tiene una tonalidad aguda y peculiar que añade una capa adicional de intriga a cada pieza. 

 El resultado es un trabajo que rebosa de rincones y matices, una verdadera obra maestra que revela nuevas profundidades con cada escucha. No es ni demasiado experimental ni demasiado melódico, sino un equilibrio perfecto entre ambos extremos que demuestra la habilidad y la visión artística de Wim Mertens.

La canción “Navigare Necesse Est” fue comisionada por el gobierno belga para la película Belgium beyond expectations con motivo de la Presidencia belga del Consejo de la Unión Europea y la Exposición Universal en Shanghái .

 Es interesante cómo esta frase latina ha inspirado a diferentes artistas a lo largo del tiempo. Desde los mitológicos Argonautas griegos hasta el músico Wim Mertens, la idea de que “navegar es necesario, pero vivir no lo es” sigue resonando en la cultura y la creatividad humana

Wim Mertens se ha inspirado en momentos históricos o culturales , para componer su música.  Aunque no hay detalles específicos sobre la inspiración detrás de “Navigare Necesse Est”, se sabe que Mertens ha sido influenciado por figuras históricas y literarias, o por sucesos históricos , así como por conceptos filosóficos y morales como la justicia, la prudencia, la templanza, el valor, la humildad

Joe Hisaishi - [Joe Hisaishi in Budokan] Studio Ghibli 25 Years Concert

 

       

La colaboración entre Hayao Miyazaki y Joe Hisaishi es una verdadera sinfonía creativa que ha dado vida a algunas de las películas animadas más queridas y emblemáticas de todos los tiempos.

 Miyazaki, el legendario director y cofundador del Studio Ghibli, y Hisaishi, el talentoso compositor, han trabajado juntos en numerosos proyectos, creando mundos mágicos que han cautivado a audiencias de todas las edades en todo el mundo. La relación entre Miyazaki y Hisaishi comenzó en 1984 con la película "Nausicaä del Valle del Viento", aunque formalmente no formaban un equipo establecido hasta "Mi vecino Totoro" en 1988. Desde entonces, han colaborado en casi todas las películas de Miyazaki, incluyendo clásicos como "El viaje de Chihiro", "El castillo en el cielo" y "La princesa Mononoke". 

 La música de Hisaishi es una parte integral de la experiencia cinematográfica de Miyazaki. Sus composiciones evocan una amplia gama de emociones, desde la maravilla y el asombro hasta la melancolía y la aventura.

 Su capacidad para capturar la esencia de los mundos imaginarios de Miyazaki y traducirla en música ha sido fundamental para el éxito de estas películas. 

 La colaboración entre Miyazaki y Hisaishi va más allá de la mera creación de bandas sonoras. Se ha descrito como una asociación simbiótica, donde las visiones de ambos artistas se complementan y potencian mutuamente. 

Miyazaki confía en Hisaishi para dar vida a sus visiones con música, mientras que Hisaishi encuentra inspiración en las imágenes y narrativas de las películas de Miyazaki. 

 La música de Hisaishi se ha convertido en una firma de las películas de Miyazaki, y su colaboración es ampliamente reconocida como una de las más exitosas y duraderas en la historia del cine de animación. 

 ¡El concierto "Studio Ghibli 25 Years Concert" de Joe Hisaishi es una experiencia que realmente deleita los sentidos y evoca la magia de las películas de Studio Ghibli! Este evento conmemorativo celebra el legado de una de las colaboraciones más icónicas en la historia del cine: la relación entre el renombrado compositor Joe Hisaishi y el legendario estudio de animación japonés, Studio Ghibli. 

 En el "Studio Ghibli 25 Years Concert", Hisaishi y su talentosa orquesta llevan al público en un viaje nostálgico a través de las melodías más queridas de las películas de Ghibli. 

Desde las piezas enérgicas y aventureras hasta las melodías melancólicas y conmovedoras, cada nota resuena con la esencia misma de las historias que han cautivado a audiencias de todas las edades en todo el mundo. 

 Pero este concierto es más que una simple interpretación musical; es una celebración de la creatividad, la imaginación y la emoción que Studio Ghibli ha compartido con el mundo durante un cuarto de siglo. 

Para los fans de Studio Ghibli y de la música de Joe Hisaishi, el "Studio Ghibli 25 Years Concert" es un evento verdaderamente inolvidable que captura la esencia misma de la magia cinematográfica. Es una oportunidad para sumergirse una vez más en los mundos fantásticos creados por Hayao Miyazaki y experimentar la poderosa conexión emocional que solo la música de Hisaishi puede ofrecer. En resumen, es un tributo a un legado duradero de creatividad y pasión que continúa emocionando a generaciones de espectadores en todo el mundo.

Eric Tingstad y Nancy Rumbel - Paradise - "Sailing"

 

         

 En el año 2000, el dúo estadounidense Eric Tingstad y Nancy Rumbel nos regaló un álbum que se convertiría en un refugio para muchos: Paradise. Este disco, como su nombre lo indica, nos invita a un viaje sonoro a un lugar de paz y tranquilidad, donde las preocupaciones se desvanecen y la belleza de la música nos envuelve por completo. Un sonido acústico cálido y acogedor Desde la primera nota, Paradise nos sumerge en un ambiente cálido y acogedor. La guitarra acústica de Tingstad se entrelaza con las melodías líricas del oboe, corno inglés y ocarinas de Rumbel, creando un sonido orgánico y rico en matices. La ausencia de percusión en la mayoría de las canciones refuerza la sensación de calma y serenidad que impregna todo el álbum. 

 El disco consta de 14 canciones que invitan a la reflexión y la introspección  Cada canción nos invita a reflexionar sobre nuestras propias vidas y a encontrar momentos de tranquilidad en medio del ajetreo del mundo. Un viaje a través de diferentes paisajes sonoros A lo largo de las 14 canciones del álbum, nos encontramos con una gran variedad de paisajes sonoros. Desde la suave brisa del mar en "Sailing" hasta la elegancia de un baile en "Zelda's Dance", Paradise nos ofrece un viaje musical diverso y lleno de sorpresas.

Sailing canción con la que comienza el álbum es la canción que destacamos hoy

Yanni - "Keys to Imagination"- Santorini

 

        

        

Recuerdo claramente mi primera incursión en el  mundo de la llamada "música new age", y uno de los primeros músicos que cruzó mi camino fue Yanni. Había escuchado alguna de sus canciones en recopilatorios, pero encontrar su música completa era todo un desafío en aquellos días. Sin embargo, la espera valió la pena cuando finalmente tuve en mis manos su álbum "Keys to Imagination", lanzado en 1986.

 Desde el momento en que presioné play, supe que estaba a punto de embarcarme en un viaje único. El disco me envolvió en una sensación de felicidad ; cada nota, cada melodía era como un oasis en medio del paisaje sonoro convencional de aquella época. 

Canciones como "Santorini", "Port of Mystery" y la misma "Keys to Imagination" se convirtieron rápidamente en mis favoritas. Lo que más me atrajo fueron los teclados de Yanni, que parecían tener vida propia, llenando el aire de misterio y emoción con cada acorde. 

Su música era diferente a todo lo que había escuchado antes, y eso es precisamente lo que estaba buscando en aquel momento. 

 "Keys to Imagination" no es solo un álbum; es una verdadera obra maestra de la música dramática de sintetizador. La pasión y la brillantez de Yanni se reflejan en cada nota, en cada composición. Sus melodías son memorables y su ejecución es simplemente excepcional. Este disco es extravagante en el mejor sentido de la palabra, rebosante de energía y vitalidad. Es una invitación a explorar nuevos territorios musicales, a sumergirse en un mundo de sonidos que despiertan la imaginación . 

 Desde entonces, la música de Yanni ha sido una fuente constante de inspiración y asombro para mí. "Keys to Imagination" no solo marcó el comienzo de mi amor por su música, sino que también abrió las puertas a un universo de posibilidades sonoras que nunca antes había explorado.

Hoy mi recuerdo es para la canción Santorini 

Santorini: un nombre que evoca instantáneamente imágenes de belleza, encanto y misterio. Esta canción, creada por el talentoso músico Yanni, es una verdadera joya musical que transporta a los oyentes a un viaje sensorial a través de sonidos cautivadores y evocadores.

Desde los primeros acordes, Santorini te envuelve en una atmósfera única, como si estuvieras contemplando el amanecer sobre las icónicas cúpulas blancas de esta isla griega. La melodía es cautivadora, con sus suaves arpegios y sus cambios de ritmo que te hacen sentir como si estuvieras flotando en un mar de emociones

La pieza está impregnada de la magia y el misterio que caracterizan la música de Yanni. Cada nota parece tener vida propia, cada acorde lleva consigo una historia por contar. Es una experiencia auditiva que va más allá de las palabras, una conexión profunda con la esencia misma de la belleza y la emoción.

David Arkenstone - "Winterlude" - “The Return of Jack Frost”

 

        

"Winterlude" de David Arkenstone es un álbum que celebra la magia y el misterio del invierno a través de su música. Una de las canciones destacadas de este álbum es "The Return of Jack Frost". Esta pieza musical evoca la imagen del mítico Jack Frost, personaje de la mitología popular asociado con el invierno y la escarcha. 

 La música de "The Return of Jack Frost" te transporta a un mundo de nieve brillante y paisajes helados. Con sus melodías hipnóticas y su atmósfera envolvente, la canción captura la esencia del invierno en toda su belleza y serenidad. Es una experiencia auditiva que te invita a sumergirte en la maravilla del frío y a dejarte llevar por la magia del momento.

Dentro de esta colección de melodías que evocan la serenidad y la belleza de la estación más fría,  destaca la pista “The Return of Jack Frost”. Esta canción, la séptima del álbum, es una oda a la naturaleza helada y a las figuras míticas que la habitan. Con una duración de 4:32 minutos, “The Return of Jack Frost” es una composición que combina armoniosamente el piano, cuerdas y otros elementos para crear una atmósfera que es a la vez etérea cálida y acogedora

 Con su característico estilo que fusiona lo ambiental, lo celta y lo neoclásico, David Arkenstone nos ofrece un disco con 10  temas a cual mejor

 El propio Arkenstone describe “Winterlude” como un intento de capturar las emociones que le provoca el invierno: un tiempo para la reflexión y la contemplación. Cada canción es como un capítulo de un libro, con “The Return of Jack Frost” representando ese momento mágico cuando el frío se hace presente y todo se cubre de una capa de escarcha brillante.

Ludovico Einaudi -"A Cielo Abierto" - A Cielo abierto ( Viaje V )

 

Es fácil perderse en el ritmo compositivo de Ludovico Einaudi ,  cada día que vuelvo a revisar su música hay algo nuevo , indagar en su música es sumergirse en un océano de emociones y sonidos que cautivan el alma. 

Cada vez que me sumerjo en su música, me encuentro con un mundo de belleza y profundidad que es casi imposible de igualar. Ludovico parece tener una fuente inagotable de creatividad, y su capacidad para crear obras maestras una y otra vez es verdaderamente asombrosa. Constantemente estoy pendiente de cualquier novedad que Ludovico tenga en forma de disco. Y casi siempre me sorprende con algo nuevo y maravilloso. 

Es increíble ver cómo, a pesar de su prolífica producción, la calidad de su música nunca disminuye. Por el contrario, diría que Ludovico se encuentra en un momento dulce y excelso en cuanto a composición. 

 Su último disco, la banda sonora de la película "A Cielo Abierto", es un ejemplo perfecto de la maestría de Ludovico en el arte de componer música que llega al corazón. La película va sobre dos hermanos adolescentes y su hermanastra, a la que acaban de conocer, emprenden un viaje por carretera hasta la frontera entre México y Estados Unidos en un tenso viaje de venganza para localizar al responsable del accidente que causó la muerte de su padre.

Esta banda sonora es mucho más que simplemente acompañar imágenes en la pantalla; es una experiencia sensorial completa que transporta al oyente a un mundo de emociones y sensaciones. Cada pieza de esta banda sonora está impregnada del distintivo estilo de Ludovico: melódico, evocador y profundamente conmovedor. 

Desde las suaves melodías de piano hasta las texturas electrónicas cada vez más habituales, cada nota está cuidadosamente colocada para crear un ambiente único y emocionante.

La canción que os propongo hoy es A Cielo abierto ( Viaje V ) una canción muy en la onda de la música que últimamente hace Ludovico

David Wahler - Spiritus - "Bhakti Heart"

 

             

En un mundo donde la autenticidad y la autodeterminación son tan preciadas, descubrir a un artista que vive su vida en sus propios términos y ritmo es verdaderamente reconfortante. David Wahler es uno de esos individuos excepcionales. Desde una edad temprana, supo que la música sería una parte fundamental de su vida, y a lo largo de los años, ha seguido fielmente su pasión con dedicación y determinación.

 El primer álbum de David, "Antiquus", lanzado en 2009, fue recibido con gran éxito de crítica, marcando el inicio de una carrera musical prometedora. A este le siguieron otros proyectos notables como "A Star Danced", "Secret Dream", "Becoming Bliss: One Hour Series", "Spiritus" y "Mosaic". 

Cada uno de estos álbumes refleja la habilidad de Wahler para crear paisajes sonoros emotivos y cautivadores que trascienden los límites del género musical. El reconocimiento internacional llegó con el lanzamiento de su séptimo álbum, "Two Hearts", en 2019, y continuó con el lanzamiento de "Currents" en enero de 2021. 

Su último álbum, "Blue Rose", lanzado a finales de 2023, es otra joya en su impresionante discografía. Uno de los puntos culminantes en la carrera de David fue el reconocimiento recibido por su álbum "Mosaic", que ganó el premio al "Mejor Álbum de Relajación/Meditación de 2018" en los Zone Music Awards. Este álbum fue elogiado por su capacidad para crear paisajes sonoros ricos y emotivos que cautivan a los oyentes desde la primera nota hasta la última. 

 En el año 2015, el talentoso músico David Wahler nos llevó en un viaje sonoro único con su cautivador álbum "Spiritus". Este disco no solo es una obra maestra musical, sino también una invitación a explorar la espiritualidad y la conexión con lo divino a través de la música. Una de las joyas destacadas de este álbum es la canción "Bhakti Heart". Con una delicada mezcla de melodías etéreas y ritmos serenos, esta pieza musical nos transporta a un estado de contemplación y paz interior. 

El término "bhakti" en sánscrito se refiere a la devoción o entrega total a lo divino, y esta canción captura perfectamente esa sensación de conexión profunda y reverencia hacia algo más grande que nosotros mismos. 

 Desde los primeros acordes de "Bhakti Heart", uno se siente envuelto por una atmósfera de calma y serenidad. Las suaves armonías de piano y las texturas electrónicas junto con unas voces etéreas , casi inapreciables crean un paisaje sonoro que invita a la reflexión y la introspección. Es como si cada nota resonara en el corazón, recordándonos la importancia de la devoción y la conexión espiritual en nuestras vidas.

David Tolk - "Peace" - Healing Rain

 

         

 David Tolk es un músico y compositor contemporáneo de renombre internacional, reconocido por su habilidad para crear melodías emotivas que cautivan al oyente. Nacido en Utah, Estados Unidos, Tolk mostró interés por la música desde una edad temprana, aprendiendo a tocar el piano a los ocho años. Su pasión por la composición y el rendimiento lo llevó a estudiar música en la Universidad Brigham Young, donde perfeccionó su arte.

 A lo largo de su carrera, Tolk ha lanzado numerosos álbumes aclamados por la crítica, cada uno lleno de composiciones originales que fusionan elementos de música clásica, new age y contemporánea. Su estilo distintivo se caracteriza por melodías serenas y armonías evocadoras, que transportan a los oyentes a paisajes sonoros de serenidad y contemplación. Además de su trabajo como solista, Tolk ha colaborado con varios artistas y ha contribuido a bandas sonoras para películas y programas de televisión. Su música ha sido elogiada por su capacidad para transmitir emociones profundas y por su belleza atemporal.

El estilo musical de David Tolk puede describirse como una fusión sublime de elementos clásicos, new age y contemporáneos. Sus composiciones están impregnadas de una serena elegancia que invita a la reflexión y la contemplación.

 Tolk combina hábilmente el piano con instrumentos como la guitarra acústica, el violín y el violonchelo, creando texturas sonoras ricas y envolventes. La música de Tolk evoca imágenes de paisajes naturales, desde exuberantes praderas hasta majestuosas montañas, y sus melodías tienen la capacidad de transportar a los oyentes a un estado de calma y paz interior. 

Su estilo melódico es conmovedor y emotivo, con una sensibilidad que trasciende las barreras lingüísticas y culturales. A lo largo de su carrera, Tolk ha desarrollado un estilo distintivo que es inconfundiblemente propio, y su música ha tocado los corazones de personas de todo el mundo. 

Con una habilidad magistral para capturar la esencia de la emoción humana a través de la música, David Tolk sigue siendo una figura destacada en el mundo de la música contemporánea. 

 "Peace" es un  álbum editado en el año 2020 del , este álbum transporta a los oyentes a un viaje musical de tranquilidad y calma, con composiciones que son verdaderamente evocadoras. Cada pista de "Peace" está impregnada de la distintiva sensibilidad melódica de Tolk, combinando el piano con instrumentos como la flauta, el violín y la guitarra acústica para crear paisajes sonoros que invitan a la reflexión. 

 "Peace" es un testimonio del talento de David Tolk para crear música que trasciende las palabras y llega directamente al corazón. Con su belleza atemporal y su poder evocador, este álbum es una experiencia auditiva que dejará una impresión duradera en todos los que lo escuchen.

Healing Rain es la canción que propongo de este disco un tema de piano relajante y muy bello

Deuter - "Koyasan: Reiki Sound Healing" - “Lovesong from the Mountains”

 

        

 “Lovesong from the Mountains” es una hermosa composición del músico alemán Deuter. Esta pieza se encuentra en su álbum "Koyasan: Reiki Sound Healing". 

 Deuter es un músico cuyo trabajo ha sido un faro de luz en el panorama de la música New Age . 

Nacido en Alemania en la década de 1940 como Georg Deuter, este visionario artista ha creado un vasto y diverso cuerpo de trabajo que ha tocado los corazones y las almas de millones en todo el mundo. Su música es un viaje en sí misma, una travesía a través de paisajes sonoros que van desde lo celestial hasta lo terrenal.

 Inspirada por sus propias experiencias de meditación y espiritualidad, las composiciones de Deuter son un testimonio de su profundo compromiso con la exploración interior y la conexión con lo divino. Lo que distingue a Deuter es su habilidad para fusionar una amplia gama de influencias musicales en algo verdaderamente único. Desde la música clásica hasta la new age, pasando por el jazz y la música étnica, su obra trasciende las fronteras culturales y estilísticas, creando un lenguaje universal que habla al corazón humano. 

Deuter fue autodidacta cuando empezó a tocar la guitarra y otros instrumentos. Sin embargo, fue después de un accidente automovilístico casi fatal  cuando decidió dedicarse a la música. 

La instrumentación de Deuter es igualmente ecléctica. A lo largo de los años, ha dominado una variedad de instrumentos, desde la flauta y el piano hasta la guitarra y el sintetizador. Cada instrumento es una extensión de su expresión artística, una herramienta para transmitir emociones profundas y estados de ánimo sutiles. Pero más allá de la técnica y la habilidad musical, es la intención detrás de la música de Deuter lo que la hace verdaderamente especial. Cada nota, cada melodía, está impregnada de una energía curativa y restauradora. Sus composiciones tienen el poder de calmar la mente,  y elevar el espíritu. A lo largo de su carrera, Deuter ha sido reconocido como uno de los pioneros de la música new age, pero su impacto va mucho más allá de ese género.

 "Love Song from the Mountains" es una joya musical creada por el venerado músico Deuter. Esta obra maestra encapsula la esencia misma de la serenidad y la conexión con la naturaleza, mientras transmite un mensaje profundo de amor incondicional. Desde los primeros compases, la canción transporta al oyente a un reino de calma y belleza intemporal. Las melodías suaves y etéreas fluyen como arroyos cristalinos a través de paisajes montañosos, evocando una sensación de paz y asombro ante la grandeza del mundo natural.

  Deuter utiliza una variedad de instrumentos, desde la flauta hasta el piano, para crear capas de sonido que se entrelazan de manera armoniosa, como la danza de las hojas en el viento. Pero más allá de su belleza puramente estética, "Love Song from the Mountains" lleva consigo un mensaje de amor a lo que nos rodea. 

A través de su música, Deuter nos recuerda la importancia de amar y apreciar la naturaleza tal como es, con todos sus matices y ciclos de vida."Love Song from the Mountains" es más que una simple melodía; es un himno a la belleza del mundo natural y a la fuerza del amor que lo sustenta. En un mundo cada vez más caótico y desconectado de la tierra, esta canción nos invita a reconectar con nuestras raíces y a encontrar consuelo y esperanza en la belleza eterna que nos rodea.